Dějiny hudby

Středověká hudbaEdit

Zatímco hudební život byl bezpochyby bohatý v raném středověku, o čemž svědčí umělecké vyobrazení nástrojů, spisy o hudbě a další záznamy, jediným hudebním repertoárem, který přežil z doby před 800 až do současnosti, je prostá liturgická hudba římskokatolické církve , jehož největší část se nazývá gregoriánský chorál. Papež Řehoř I., který dal své jméno hudebnímu repertoáru a sám mohl být skladatelem, se obvykle tvrdí, že je původcem hudební části liturgie v její současné podobě, ačkoli zdroje uvádějící podrobnosti o jeho příspěvku pocházejí z více než sto let po jeho smrti. Mnoho vědců věří, že jeho pověst byla legendou přehnaná. Většina repertoáru chorálů byla složena anonymně ve stoletích mezi dobami Gregoryho a Karla Velikého.

Během 9. století došlo k několika důležitým událostem. Zaprvé, církev vyvinula značné úsilí o sjednocení mnoha chorálových tradic a jejich potlačení ve prospěch gregoriánské liturgie. Zadruhé, zpívala se nejstarší polyfonní hudba, forma paralelního zpěvu známá jako organum. Zatřetí, což má pro hudební historii největší význam, byla notace objevena po uplynutí přibližně pěti set let, ačkoli by to trvalo ještě několik století, než by se vyvinul systém notace výšky tónu a rytmu s přesností a flexibilitou, kterou moderní hudebníci považují za samozřejmost.

V období po roce 1100 vzkvétalo několik polyfonních škol: škola bojových umění v organu, jejíž hudba byla často charakterizována rychle se pohybující částí přes jedinou souvislou linii; polyfonní škola Notre Dame, která zahrnovala skladatele Léonina a Pérotina a která kolem roku 1200 produkovala první hudbu pro více než dvě části; hudební tavírna Santiaga de Compostela v Haliči, poutní místo a místo, kde se v pozdním středověku sešli hudebníci z mnoha tradic, jejichž hudba přežívá v Codex Calixtinus; a anglická škola, jejíž hudba přežívá ve Worcester Fragments a Old Hall rukopisu. Vedle těchto škol duchovní hudby se rozvinula živá tradice světské písně, jak dokládá hudba trubadúrů, trouvèrů a Minnesängerů. Hodně z pozdější světské hudby rané renesance se vyvinulo z forem, myšlenek a hudební estetiky trubadúrů, dvorních básníků a potulných hudebníků, jejichž kultura byla z velké části vyhlazena během Albigensian Crusade na počátku 13. století.

Formy duchovní hudby, které se vyvinuly na konci 13. století, zahrnovaly motet, dirigent, discant a clausulae. Jedním neobvyklým vývojem byla Geisslerlieder, hudba potulných kapel bičíků během dvou období: poloviny 13. století (dokud nebyly potlačeny církví); a období během a bezprostředně po černé smrti, kolem roku 1350, kdy byly jejich aktivity živě zaznamenány a dobře zdokumentovány notovanou hudbou. Jejich hudba mísila styly lidových písní s kajícími nebo apokalyptickými texty. 14. století v dějinách evropské hudby dominuje styl ars nova, který je podle konvence seskupen se středověkou hudbou, přestože měl mnoho společného s raně renesančními ideály a estetikou. Hodně z přežívající hudby té doby je sekulární a má tendenci používat opravy formy: balada, virelai, lai, rondeau, které odpovídají básnickým formám stejného jména. Většina skladeb v těchto formách je pro jeden až tři hlasy, pravděpodobně s instrumentálním doprovodem: mezi slavné skladatele patří Guillaume de Machaut a Francesco Landini.

Renaissance musicEdit

Začátek Renesance v hudbě není tak jasně označena jako začátek renesance v ostatních uměních a na rozdíl od jiných umění nezačala v Itálii, ale v severní Evropě, konkrétně v oblasti, která v současnosti zahrnuje střední a severní Francii, Nizozemsko a Belgie. Styl burgundských skladatelů, jak je známa první generace francouzsko-vlámské školy, byl zpočátku reakcí proti nadměrné složitosti a vychovanému stylu pozdního 14. století ars subtilior a obsahoval jasnou, zpěvnou melodii a vyváženou polyfonii v všechny hlasy. Nejznámějšími skladateli burgundské školy v polovině 15. století jsou Guillaume Dufay, Gilles Binchois a Antoine Busnois.

V polovině 15. století se skladatelé a zpěváci z nížin a přilehlých oblastí začali šířit po celé Evropě, zejména do Itálie, kde je zaměstnávala papežská kaple a šlechtičtí mecenáši umění (například rodiny Medici, Este a Sforza). Nesli s sebou svůj styl: hladkou polyfonii, kterou bylo možné podle potřeby upravit pro posvátné nebo světské použití. Hlavní formy posvátné hudební kompozice v té době byly mše, motet a chvalozpěv; sekulární formy zahrnovaly šanson, frottolu a později madrigal.

Vynález tisku měl obrovský vliv na šíření hudebních stylů a spolu s pohybem francouzsko-vlámských hudebníků přispěl k založení prvního skutečně mezinárodního stylu v evropské hudbě od sjednocení gregoriánského chorálu za Karla Velikého. K skladatelům střední generace francouzsko-vlámské školy patřil Johannes Ockeghem, který psal hudbu kontrapunkticky složitým stylem, s rozmanitou strukturou a komplikovaným využitím kanonických zařízení; Jacob Obrecht, jeden z nejslavnějších skladatelů mas v posledních desetiletích 15. století; a Josquin des Prez, pravděpodobně nejslavnější skladatel v Evropě před Palestrinou, a který byl během 16. století proslulý jako jeden z největších umělců v jakékoli formě. Hudba v generaci po Josquinovi zkoumala rostoucí složitost kontrapunktu; možná nejextrémnější výraz je v hudbě Nicolase Gomberta, jehož kontrapunktické složitosti ovlivnily ranou instrumentální hudbu, jako je canzona a ricercar, která nakonec vyústila v barokní fugální formy.

V polovině 16. století , mezinárodní styl se začal hroutit a bylo zřejmé několik velmi různorodých stylistických trendů: trend směrem k jednoduchosti duchovní hudby podle pokynů protireformační rady v Trentu, jehož příkladem je hudba Giovanniho Pierluigiho da Palestrina; trend ke složitosti a chromatičnosti madrigalu, který dosáhl svého extrémního výrazu v avantgardním stylu Ferrarské školy v Luzzaschi a madrigalisty z konce století Carla Gesualda; a grandiózní, zvučná hudba benátské školy, která využívala architekturu baziliky San Marco di Venezia k vytváření protilehlých kontrastů. Hudba benátské školy zahrnovala vývoj orchestrace, zdobených instrumentálních částí a basových částí continua, které se odehrály v rozpětí několika desetiletí kolem roku 1600. Mezi slavné benátské skladatele patřili Gabrielis, Andrea a Giovanni a také Claudio Monteverdi, jeden z nejvýznamnějších inovátorů na konci éry.

Většina částí Evropy měla na konci století aktivní a dobře rozlišené hudební tradice. V Anglii psali skladatelé jako Thomas Tallis a William Byrd duchovní hudbu podobným stylu, jaký se píše na kontinentu, zatímco aktivní skupina domácích madrigalistů přizpůsobila italskou podobu anglickým vkusům: slavnými skladateli byli Thomas Morley, John Wilbye a Thomas Weelkes. Španělsko vyvinulo vlastní instrumentální a vokální styly, Tomás Luis de Victoria psal rafinovanou hudbu podobnou hudbě Palestriny a mnoho dalších skladatelů psalo pro novou kytaru. Německo pěstovalo polyfonní formy postavené na protestantských chorálech, které nahradily římskokatolický gregoriánský chorál jako základ pro duchovní hudbu, a importovaly styl benátské školy (jejíž vzhled zde definoval začátek barokní éry). Kromě toho němečtí skladatelé napsali enormní množství varhanní hudby a vytvořili tak základ pro pozdější barokní varhanní styl, který vyvrcholil tvorbou J.S. Bach. Francie vyvinula jedinečný styl hudební dikce známý jako musique mesurée, který se používá ve světských šansonech, přičemž v hnutí byli prominentní skladatelé jako Guillaume Costeley a Claude Le Jeune.

Jedno z nejrevolučnějších hnutí v té době trvalo místo ve Florencii v 70. a 80. letech 15. století s dílem florentské Cameraty, která ironicky měla reakční záměr: nespokojeni s tím, co považovali za současné hudební zkaženosti, jejich cílem bylo obnovit hudbu starých Řeků. Šéf mezi nimi byl Vincenzo Galilei, otec astronoma, a Giulio Caccini. Ovocem jejich práce byl deklamativní melodický styl zpěvu známý jako monody a odpovídající inscenovaná dramatická forma: forma známá dnes jako opera. První opery, napsané kolem roku 1600, také definují konec renesance a počátek barokních epoch.

Hudba před rokem 1600 byla spíše modální než tonální. Několik teoretických poznatků koncem 16. století, například spisy na stupnicích o módech od Gioseffa Zarlina a Franchina Gaffuria, vedlo přímo k rozvoji tonality běžné praxe.Hlavní a vedlejší stupnice začaly převládat nad starými církevními režimy, což byla vlastnost, která byla zpočátku nejzřetelnější v kadenciálních bodech ve skladbách, ale postupně se stala všudypřítomnou. Hudba po roce 1600, počínaje tonální hudbou barokní éry, se často označuje jako součást období běžné praxe.

Barokní hudba Upravit

J.S. Bach
Toccata a fuga

Barokní éra probíhala od roku 1600 do roku 1750, kdy barokní umění styl vzkvétal v celé Evropě a během této doby se hudba rozšířila svým rozsahem a složitostí. Barokní hudba začala, když byly napsány první opery (dramatická sólová vokální hudba doprovázená orchestrem). Během barokní éry zůstala důležitá polyfonní kontrapunktická hudba, ve které bylo použito několik simultánních nezávislých melodických linií (kontrapunkt byl důležitý ve vokální hudbě středověké éry). Němečtí, italští, francouzští, holandští, polští, španělští, portugalští a angličtí barokní skladatelé psali pro malé soubory včetně smyčců, dechových nástrojů a dechových nástrojů, jakož i pro sbory a klávesové nástroje, jako jsou varhany, cembalo a klavichord. Během tohoto období bylo definováno několik hlavních hudebních forem, které trvaly do pozdějších období, kdy byly rozšířeny a dále se vyvíjely, včetně fugy, vynálezu, sonáty a koncertu. Pozdně barokní sloh byl polyfonicky složitý a bohatě zdobený. Mezi významné skladatele barokní éry patří Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann a Antonio Vivaldi.

éra klasické hudbyEdit

Hudba klasického období se vyznačuje homofonní strukturou nebo zjevnou melodií s doprovodem. Tyto nové melodie měly tendenci být téměř hlasové a zpěvné, což umožňovalo skladatelům skutečně nahradit zpěváky jako zaměření hudby. Instrumentální hudba proto rychle nahradila operu a jiné zpívané formy (například oratorium) jako oblíbeného hudebního publika a ztělesnění skvělé kompozice. Opera však nezmizela: během klasického období několik skladatelů začalo produkovat opery pro širokou veřejnost v jejich rodných jazycích (předchozí opery byly obvykle v italštině).

Spolu s postupným vytěsňováním hlasu v ve prospěch silnějších a jasnějších melodií se kontrapunkt také obvykle stal ozdobným rozmachem, který se často používá na konci díla nebo pro jednu větu. Místo toho se používají jednoduché vzory, jako jsou arpeggia a v klavírní hudbě Alberti bass (doprovod s opakovaným vzorem typicky v levé ruce), byly použity k oživení pohybu skladby bez vytvoření matoucího dalšího hlasu. Dnes populární instrumentální hudbě dominovalo několik dobře definovaných forem: sonáta, symfonie a koncert, ačkoli žádný z nich nebyl v té době konkrétně definován ani vyučován jako jsou nyní v hudební teorii. Všichni tři pocházejí ze sonátové formy, což je jak překrývající se forma celého díla, tak struktura jediného pohybu. Forma sonáty zrála během klasické éry a stala se primární formou instrumentálních skladeb po celé 19. století.

Počátky klasického období zahájila Mannheimova škola, která zahrnovala takové skladatele jako Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz a Christian Cannabich. Měl hluboký vliv na Josepha Haydna a jeho prostřednictvím na veškerou další evropskou hudbu. Wolfgang Amadeus Mozart byl ústřední postavou klasického období a jeho fenomenální a rozmanitý výstup ve všech žánrech definuje naše vnímání tohoto období. Ludwig van Beethoven a Franz Schubert byli přechodní skladatelé, vedoucí do období romantismu, s expanzí existujících žánrů, forem a dokonce i funkcí hudby.

Romantická hudbaEdit

V období romantismu se hudba stala expresivnější a emotivnější a rozšířila se o literaturu, umění a filozofii. Mezi slavné raně romantické skladatele patří Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti a Berlioz Na konci 19. století došlo k dramatickému rozšíření velikosti orchestru a role koncertů jako součásti městské společnosti.Mezi slavné skladatele druhé poloviny století patří Johann Strauss II., Brahms, Liszt, Čajkovskij, Verdi a Wagner. V letech 1890 až 1910 stavěla třetí vlna skladatelů, včetně Griega, Dvořáka, Mahlera, Richarda Strausse, Pucciniho a Sibelia, na dílech středních romantických skladatelů, aby vytvořila ještě složitější – a často mnohem delší – hudební díla. Výraznou známkou hudby konce 19. století je její nacionalistická horlivost, o čemž svědčí osobnosti jako Dvořák, Sibelius a Grieg. Mezi další významné osobnosti z konce století patří Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninov, Franck, Debussy a Rimsky-Korsakov.

Hudba 20. a 21. století Editovat

Hudba všeho druhu se také stala stále přenosnější. Ve 20. století došlo k revoluci v poslechu hudby, protože rádio získalo celosvětovou popularitu a byla vyvinuta nová média a technologie pro záznam, zachycení, reprodukci a distribuci hudby. Hudební vystoupení se díky vysílání a záznamu představení stávala stále více vizuálními.

Hudba 20. století přinesla novou svobodu a široké experimentování s novými hudebními styly a formami, které zpochybňovaly přijatá pravidla hudby dřívějších období. Vynález hudebního zesílení a elektronických nástrojů, zejména syntetizátoru, v polovině 20. století způsobil revoluci v klasické i populární hudbě a urychlil vývoj nových forem hudby.

Pokud jde o klasickou hudbu, dvě základní školy určil průběh století: Arnolda Schoenberga a Igora Stravinského.