Musiikkihistoria

Keskiaikainen musicEdit

Musiikkielämän aikana oli epäilemättä rikas varhaiskeskiajalla, mistä ovat osoituksena instrumenttien taiteelliset kuvaukset, musiikkikirjoitukset ja muut levyt, ainoa musiikkikokoelma, joka on säilynyt ennen 800: a nykypäivään, on roomalaiskatolisen kirkon tavallinen liturginen musiikki , jonka suurinta osaa kutsutaan gregoriaaniseksi lauluksi. Paavi Gregory I, joka antoi nimensä musiikilliseen ohjelmistoon ja on saattanut itse olla säveltäjä, väitetään yleensä olevan liturgian musiikillisen osan alullepanija nykyisessä muodossaan, vaikka lähteet, jotka antavat yksityiskohtia hänen esityksestään, ovat peräisin kuin sata vuotta hänen kuolemastaan. Monet tutkijat uskovat, että legenda on liioittanut hänen mainettaan. Suurin osa lauluvarastosta koostui nimettömänä Gregoryn ja Kaarle Suuren ajanjaksojen välisinä vuosisatoina.

900-luvulla tapahtui useita tärkeitä tapahtumia. Ensinnäkin kirkko yritti suuresti pyrkiä yhtenäistämään monia laulun perinteitä ja tukahduttamaan monet niistä gregoriaanisen liturgian hyväksi. Toiseksi laulettiin aikaisinta moniäänistä musiikkia, rinnakkaisen laulamisen muotoa, joka tunnetaan nimellä organum. Kolmanneksi, ja sillä on suurin merkitys musiikkihistoriaan, notaatio keksittiin uudelleen noin viiden sadan vuoden kuluttua, vaikkakin kuluu vielä useita vuosisatoja, ennen kuin sävelkorkeuden ja rytmin merkintäjärjestelmä kehittyi tarkkuudella ja joustavuudella, jota modernit muusikot pitävät itsestään selvänä.

Useita polyfoniakouluja kukoisti vuoden 1100 jälkeisenä aikana: St. Martial school of organum, jonka musiikille oli usein ominaista nopeasti liikkuva osa yhden jatkuvan linjan yli; Notre Damen polyfonikoulu, johon kuuluivat säveltäjät Léonin ja Pérotin, ja joka tuotti ensimmäisen musiikin yli kahdesta osasta noin 1200; Santiago de Compostelan musiikillinen sulatusastia Galiciassa, pyhiinvaelluskohde ja paikka, jossa myöhään keskiajalla kokoontuivat muusikot monista perinteistä, joiden musiikki säilyy Codex Calixtinusissa; ja englantilainen koulu, jonka musiikki säilyy Worcester Fragmentsissa ja Old Hallin käsikirjoituksessa. Näiden pyhän musiikin koulujen rinnalla kehittyi elävä maallisen laulun perinne, josta esimerkkinä on trubaduurien, trouvèrien ja Minnesängerin musiikki. Suuri osa varhaisen renessanssin myöhemmästä maallisesta musiikista kehittyi trubaduurien, kurpitsa-runoilijoiden ja kiertävien muusikoiden muodoista, ideoista ja musiikillisesta esteettisyydestä, joiden kulttuuri tuhottiin suurelta osin Albigensian ristiretken aikana 1200-luvun alussa.

1200-luvun loppupuolella kehittyneitä pyhän musiikin muotoja olivat motetti, kapellimusiikki, diskantti ja lausekkeet. Yksi epätavallinen kehitys oli Geisslerlieder, vaeltavien bändin bändien musiikki kahdella kaudella: 1200-luvun puolivälissä (kunnes kirkko tukahdutti ne); ja ajanjakso mustan kuoleman aikana ja välittömästi sen jälkeen, noin vuonna 1350, jolloin heidän toimintansa kirjattiin elävästi ja dokumentoitiin hyvin notatoidulla musiikilla. Heidän musiikkinsa sekoitti kansanlaulutyylit katumuksellisiin tai apokalyptisiin teksteihin. 1400-lukua Euroopan musiikkihistoriassa hallitsee ars nova -tyyli, joka sopimuksen mukaan on ryhmitelty musiikin keskiajan kanssa, vaikka sillä oli paljon yhteistä varhaisen renessanssin ihanteiden ja estetiikan kanssa. Suuri osa ajan säilyneestä musiikista on maallista ja pyrkii käyttämään korjausmuotoja: balladi, virelai, lai, rondeau, jotka vastaavat samannimisiä runomuotoja. Suurin osa kappaleista koostuu yhdestä kolmeen ääniä, todennäköisesti instrumentaalisella säestyksellä: kuuluisiin säveltäjiin kuuluvat Guillaume de Machaut ja Francesco Landini.

Renaissance musicEdit

Renessanssi musiikissa ei ole niin selvästi merkitty kuin renessanssin alku muissa taiteissa, ja toisin kuin muut taiteet, se ei alkanut Italiassa, mutta Pohjois-Euroopassa, erityisesti tällä hetkellä Keski- ja Pohjois-Ranskalla, Alankomaat ja Belgia. Burgundin säveltäjien tyyli, kuten ranskalais-flaamilaisen koulun ensimmäinen sukupolvi tunnetaan, oli aluksi reaktio 1400-luvun lopun ars subtiliorin liiallista monimutkaisuutta ja tapaa vastaan, ja se sisälsi selkeän, laulettavan melodian ja tasapainoisen polyfonian. kaikki äänet. Burgundilaisen koulun tunnetuimmat säveltäjät 1400-luvun puolivälissä ovat Guillaume Dufay, Gilles Binchois ja Antoine Busnois.

1400-luvun puoliväliin mennessä säveltäjät ja laulajat alamaisista maista ja lähialueilta alkoivat levitä kaikkialle Eurooppaan, etenkin Italiaan, jossa he työskentelivät paavin kappelin ja aristokraattisen taiteen suojelijoiden keskuudessa. (kuten Medici-, Este- ja Sforza-perheet). He kantoivat tyylinsä mukanaan: sileä polyfonia, joka voidaan mukauttaa pyhään tai maalliseen käyttöön tarpeen mukaan. Pyhän musiikillisen sävellyksen tärkeimmät muodot olivat tuolloin massa, motetti ja ylistys; maalliset muodot sisälsivät sanan, frottolan ja myöhemmin madrigalin.

Painatuksen keksinnöllä oli valtava vaikutus musiikkityylien levittämiseen, ja yhdessä ranskalais-flaamilaisten muusikoiden liikkeen kanssa se vaikutti Ensimmäisen todella kansainvälisen tyylin perustaminen eurooppalaiseen musiikkiin sen jälkeen kun gregoriaanisen laulun yhdistyminen tapahtui Kaarle Suuren alla. Ranskalais-flaamilaisen koulun keskisukupolven säveltäjiin kuului Johannes Ockeghem, joka kirjoitti musiikkia kontrapunktisesti monimutkaisella tyylillä, monipuolisella tekstuurilla ja kanonisten laitteiden monimutkaisella käytöllä; Jacob Obrecht, yksi kuuluisimmista massojen säveltäjistä 1400-luvun viimeisten vuosikymmenien aikana; ja Josquin des Prez, luultavasti tunnetuin säveltäjä Euroopassa ennen Palestrinaa, ja joka 1500-luvulla tunnettiin yhtenä suurimmista taiteilijoista missä tahansa muodossa. Josquinin jälkeisen sukupolven musiikki tutki kasvavaa vastapisteen monimutkaisuutta; mahdollisesti äärimmäinen ilmaisu on Nicolas Gombertin musiikissa, jonka ristiriitaiset monimutkaisuudet vaikuttivat varhaiseen instrumentaalimusiikkiin, kuten canzonaan ja ricercariin, ja huipentuivat lopulta barokkeihin.

1500-luvun puoliväliin mennessä , kansainvälinen tyyli alkoi hajota, ja ilmeni useita hyvin erilaisia tyylisuuntia: suuntaus yksinkertaisuuteen pyhässä musiikissa, kuten Trentin uskonpuhdistuksen vastaneuvosto ohjasi, esimerkkinä Giovanni Pierluigi da Palestrinan musiikista; trendi monimutkaisuuteen ja kromaattisuuteen madrigalissa, joka saavutti äärimmäisen ilmaisunsa Ferraran Luzzaschin koulun ja vuosisadan loppupuolella madrigalisti Carlo Gesualdon avangardityylissä; ja venetsialaisen koulun upea, soinnillinen musiikki, joka käytti San Marco di Venezian basilikan arkkitehtuuria antifonaalisten kontrastien luomiseen. Venetsialaisen koulun musiikkiin sisältyi orkesterin, koristeellisten instrumentaaliosien ja continuo-basso-osien kehittäminen, jotka kaikki tapahtuivat vuosikymmenien aikana noin vuonna 1600. Venetsian kuuluisiin säveltäjiin kuului Gabrielis, Andrea ja Giovanni sekä Claudio. Monteverdi, yksi aikakauden lopun merkittävimmistä innovaattoreista.

Suurimmalla osalla Eurooppaa oli aktiivisia ja hyvin eriytettyjä musiikkitraditioita vuosisadan loppupuolella. Englannissa säveltäjät, kuten Thomas Tallis ja William Byrd, kirjoittivat pyhää musiikkia tyylillä, joka on samanlainen kuin mantereella kirjoitettu, kun taas aktiivinen kotikasvatettujen madrigalistien ryhmä mukautti italialaisen muodon englantilaiseen makuun: kuuluisiin säveltäjiin kuului Thomas Morley, John Wilbye ja Thomas Weelkes. Espanja kehitti omat instrumentaaliset ja laulutyylinsä Tomás Luis de Victoria kirjoittamalla hienostunutta musiikkia, joka on samanlainen kuin Palestrina, ja lukuisat muut säveltäjät kirjoittivat uudelle kitaralle. Saksa viljeli protestanttisten korallien päälle rakennettuja moniäänisiä muotoja, jotka korvasivat roomalaiskatolisen gregoriaanisen laulun pyhän musiikin perustana, ja toivat venetsialaisen koulun tyylin (jonka ulkonäkö määritteli siellä barokin aikakauden). Lisäksi saksalaiset säveltäjät kirjoittivat valtavia määriä urkumusiikkia, mikä loi perustan myöhemmälle barokin urkutyylille, joka huipentui J.S. Bach. Ranska kehitti ainutlaatuisen musiikillisen sanastustyylin, joka tunnetaan nimellä musique mesurée, jota käytetään maallisissa chansoneissa, ja säveltäjät, kuten Guillaume Costeley ja Claude Le Jeune, ovat näkyvästi liikkeessä.

Yksi aikakauden vallankumouksellisimmista liikkeistä kesti paikka Firenzessä 1570- ja 1580-luvuilla Florentine Cameratan teoksella, jolla oli ironista reaktiotarkoitus: tyytymätön näkemiinsä nykyaikaisina musiikkivajeina heidän tavoitteenaan oli palauttaa muinaisten kreikkalaisten musiikki. Keskeisiä heistä olivat tähtitieteilijän isä Vincenzo Galilei ja Giulio Caccini. Heidän työnsä hedelminä oli julistava melodinen laulutyyli, joka tunnetaan nimellä monodia, ja vastaava lavastettu dramaattinen muoto: muoto, joka tunnetaan nykyään oopperana. Ensimmäiset noin 1600-luvulla kirjoitetut oopperat määrittelevät myös renessanssin lopun ja barokin aikakaudet.

Ennen vuotta 1600 musiikki oli modaalista eikä sävellistä. Useat teoreettiset kehitykset 1500-luvun loppupuolella, kuten Gioseffo Zarlinon ja Franchinus Gaffurinuksen kirjoitukset mittakaavassa, johtivat suoraan yhteisen käytännön tonaalisuuden kehittämiseen.Suuret ja pienet asteikot alkoivat hallita vanhoja kirkkomuotoja, ominaisuus, joka oli aluksi ilmeisin sävellysten satunnaisissa kohdissa, mutta vähitellen levisi. Musiikkia vuoden 1600 jälkeen, joka alkaa barokin aikakauden tonaalisesta musiikista, kutsutaan usein kuuluvaksi yleiseen harjoittelujaksoon.

BarokkimusiikkiMuokkaa

J.S. Bach – Toccata ja fuuga

Barokin aikakausi tapahtui vuosina 1600–1750, koska barokki taiteellinen tyyli kukoisti kaikkialla Euroopassa, ja tänä aikana musiikki laajeni valikoimallaan ja monimutkaisuudellaan. Barokkimusiikki alkoi, kun ensimmäiset oopperat (dramaattinen soololaulumusiikki orkesterin mukana) kirjoitettiin. Barokin aikakaudella polyfoninen kontrapuntinen musiikki, jossa käytettiin useita samanaikaisia itsenäisiä melodialinjoja, pysyi tärkeänä (vastakohta oli tärkeä keskiajan laulumusiikissa). Saksalaiset, italialaiset, ranskalaiset, hollantilaiset, puolalaiset, espanjalaiset, portugalilaiset ja englantilaiset barokkisäveltäjät kirjoittivat pienille yhtyeille, mukaan lukien jouset, vaskipuhaltimet ja puupuhaltimet, sekä kuoroille ja kosketinsoittimille, kuten putkiurut, cembalo ja klavieri. Tänä aikana määriteltiin useita suuria musiikkimuotoja, jotka kesti myöhempiin aikoihin, kun niitä laajennettiin ja kehitettiin edelleen, mukaan lukien fuuga, keksintö, sonaatti ja konsertto. Myöhäinen barokkityyli oli moniäänisesti monimutkainen ja runsaasti koristeltu. Tärkeitä barokin aikakauden säveltäjiä ovat Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann ja Antonio Vivaldi.

Klassisen musiikin aikakausiMuokkaa

Klassisen ajan musiikille on ominaista homofoninen rakenne tai ilmeinen melodia säestyksellä. Nämä uudet melodiat pyrkivät olemaan melkein äänimäisiä ja laulettavia, jolloin säveltäjät pystyivät tosiasiallisesti korvaamaan laulajat musiikin keskipisteenä. Siksi instrumentaalimusiikki korvasi nopeasti oopperan ja muut lauletut muodot (kuten oratorion) musiikillisen yleisön suosikkina ja suuren sävellyksen ruumiillistumana. Ooppera ei kuitenkaan hävinnyt: klassisen ajanjakson aikana useat säveltäjät alkoivat tuottaa oopperoita suurelle yleisölle heidän äidinkielellään (aikaisemmat oopperat olivat yleensä italiaksi).

Yhdessä äänen asteittaisen siirtymisen kanssa vahvempien ja selkeämpiä melodioita suosivat myös kontrapisteet koristeellisesta kukoistuksesta, jota käytetään usein teoksen loppupuolella tai yksittäiseen osaan. Sen sijaan yksinkertaiset kuviot, kuten arpeggios ja pianomusiikissa Alberti basso (säestys) toistuvalla kuviolla tyypillisesti vasemmalla kädellä), käytettiin kappaleen liikkeen elävöittämiseen luomatta hämmentävää lisäääntä. Nyt suosittua instrumentaalimusiikkia hallitsivat useat hyvin määritellyt muodot: sonaatti, sinfonia ja konsertto, vaikka mikään näistä ei ollut määritelty tai opetettu erikseen e kuten ne ovat nyt musiikkiteoriassa. Kaikki kolme ovat peräisin sonaattimuodosta, joka on sekä koko teoksen päällekkäinen muoto että yksittäisen osan rakenne. Klassisen aikakauden aikana kypsyneestä sonaattimuodosta tuli instrumentaalisävellysten ensisijainen muoto koko 1800-luvun.

Varhaisen klassisen ajan aloitti Mannheimin koulu, johon kuului säveltäjiä kuten Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz ja Christian Cannabich. Se vaikutti syvästi Joseph Haydniin ja hänen kauttaan kaikkeen myöhempään eurooppalaiseen musiikkiin. Wolfgang Amadeus Mozart oli klassisen ajan keskeinen hahmo, ja hänen ilmiömäinen ja monipuolinen tuotoksensa kaikissa genreissä määrittelee käsityksemme ajanjaksosta. Ludwig van Beethoven ja Franz Schubert olivat siirtymäkauden säveltäjiä, jotka johtivat romanttiseen ajanjaksoon laajentamalla nykyisiä musiikkilajeja, -muotoja ja jopa musiikin toimintoja.

Romanttinen musicEdit

Romanttisen ajanjakson aikana musiikista tuli ilmeisempää ja tunnepitoisempaa, ja se laajeni kattamaan kirjallisuuden, taiteen ja filosofian. Tunnettuja varhaisromanttisäveltäjiä ovat Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti ja Berlioz. 1800-luvun lopulla orkesterin koko ja konserttien rooli osana kaupunkien yhteiskuntaa kasvoivat dramaattisesti.Tunnettuja säveltäjiä vuosisadan toiselta puoliskolta ovat Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tšaikovski, Verdi ja Wagner. Vuosien 1890 ja 1910 välisenä aikana kolmas säveltäjien aalto, mukaan lukien Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini ja Sibelius, rakensivat keskiromanttisen säveltäjän teoksia luomaan vielä monimutkaisempia – ja usein paljon pidempiä – musiikkiteoksia. 1800-luvun lopun musiikin merkittävä merkki on sen kansallismielinen kiihkeys, josta esimerkkinä ovat sellaiset hahmot kuin Dvořák, Sibelius ja Grieg. Muita merkittäviä vuosisadan loppuhahmoja ovat Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy ja Rimsky-Korsakov.

1900-luvun ja 21-luvun musiikkiMuokkaaEdit

Kaikentyyppisestä musiikista tuli myös yhä enemmän kannettavaa. 1900-luvulla tapahtui vallankumous musiikin kuuntelussa, kun radio kasvoi suosiota maailmanlaajuisesti ja kehitettiin uutta mediaa ja tekniikkaa musiikin tallentamiseksi, sieppaamiseksi, toistamiseksi ja levittämiseksi. Musiikkiesityksistä tuli yhä visuaalisempia esitysten lähettämisen ja nauhoittamisen myötä.

1900-luvun musiikki toi uuden vapauden ja laajan kokeilun uusiin musiikkityyleihin ja -muotoihin, jotka haastoivat aikaisempien aikojen musiikin hyväksytyt säännöt. Musiikkivahvistuksen ja elektronisten instrumenttien, erityisesti syntetisaattorin, keksiminen 1900-luvun puolivälissä mullisti klassisen ja populaarimusiikin ja vauhditti uusien musiikkimuotojen kehitystä.

Klassisen musiikin osalta kaksi peruskoulua määräsi vuosisadan kulun: Arnold Schoenbergin ja Igor Stravinskyn.