Länsimaisen klassisen musiikin historia voidaan jakaa kuuteen pääjaksoon. Renessanssikausi on toinen näistä, joka yhdistää aikaisemman keskiajan ja sitä seuranneen barokin ajan.
Tässä oppaassa hahmotellaan joitain aikakauden historiaa, musiikkiominaisuuksia ja tärkeitä säveltäjiä, antaa sinulle syvällisemmän käsityksen renessanssikaudesta. Annamme myös joitain YouTube-linkkejä asiaankuuluviin kappaleisiin, jotta voit oppia tuntemaan musiikin äänen hieman paremmin.
Renaissance Music Era
Renaissance tarkoittaa kirjaimellisesti ”uudestisyntymistä” ”.
Musiikillinen renessanssikausi kesti vuosien 1400–1600 ja oli valtavan kasvun ja kehityksen aikaa, jolloin musiikista tuli ilmeisempää, monipuolisempaa ja monimutkaisempaa.
Säveltäjillä oli enemmän vapautta kirjoita haluamallaan tavalla ja tekniikan kehitys tarkoitti, että heidän musiikkinsa voisi tavoittaa enemmän ihmisiä.
Sosiaalinen muutos
Uskonnollinen musiikki oli yhä läsnä renessanssin aikana, mutta kirkon vaikutusvallan heikkeneminen tarkoitti sitä säveltäjät saivat enemmän taiteellista vapautta ja saivat kirjoittaa luovaa musiikkia itsensä vuoksi.
Kiinnostus muinaisiin kulttuureihin oli äskettäin herännyt ja säveltäjät alkoivat saada inspiraatiota antiikin Kreikan taiteesta ja mytologiasta. ja Rooma, samoin kuin tähtitiede ja matematiikka.
Kun alkeellisia tapoja notati musiikkia kehitettiin keskiajalla, säveltäjät pystyivät sitten dokumentoimaan ja jakamaan kappaleitaan helpommin, mutta ne oli silti kirjoitettava aikaa vievästi käsin.
Painokoneen keksiminen vuonna 1439 mahdollisti kuitenkin paljon laajemman levityksen, mikä johti rikkaaseen ajatustenvaihtoon kaikkialla Euroopassa.
Lisäksi porvarillisen luokan (kulttuurinen ylemmän keskiluokan) kasvu merkitsi sitä, että kirjoitetulle musiikille oli nyt valmis yleisö, kun musiikkikoulutus kukoisti ja yhä useammat oppivat lukemaan musiikkia.
Tämän ajanjakson musiikkia on säilynyt paljon enemmän kuin keskiajalla.
Kirkko ja maallinen musiikki
Uskonnollinen kuoromusiikki oli hallitseva renessanssin alussa, ja siinä oli paljon se perustuu polyfoniaan (musiikkiin, jossa on kaksi tai useampia samanaikaisia itsenäisiä melodisia osia), joka kehittyi keskiajan lopussa.
Motetit ja massat olivat kaksi yleistä esimerkkiä tästä, joista jälkimmäinen oli osa kirkon liturgiaa.
Pyhät ja maalliset tyylit alkoivat vaikuttaa toisiinsa: madrigal (perinteisesti ei-uskonnollinen laulu usealle äänelle) hyväksyttiin kirkkomuodoksi, kun taas maalliset säveltäjät alkoivat kirjoittaa motetteja. Renessanssin alkuvaiheessa maallisten säveltäjien mahdollisuudet olivat rajalliset, ja suurin osa työpaikoista tuli tuomioistuinten kautta (suvereenien kotitaloudet ja asunnot), jotka palkkasivat muusikoita esiintyjiksi, opettajiksi ja säveltäjiksi.
Mutta maallisen musiikin suosio kasvoi ajan myötä, ja säveltäjät pystyivät nyt ottamaan tilauksia varakkailta harrastajilta, kun taas uusi painettu musiikki tarjosi myös taloudellisia mahdollisuuksia.
Protestanttinen uskonpuhdistus tarkoitti myös sitä, että nyt sekä katoliset että protestanttiset seurakunnat vaativat musiikkia palveluihinsä.
Maallinen musiikki oli pääosin laulu, mutta ajanjaksona instrumentaalimusiikin kehitys kehittyi. oma oikeus.
Tämä ei ollut enää esimerkiksi musiikkia tanssia tai säestystä varten, vaan kappaleita, joita oli kuunneltava vakavasti.
Tämä oli sopusoinnussa renessanssin ajan yleisen muutoksen kanssa ajatukseen luoda taidetta taiteen vuoksi.
William Byrdin Fantasia (instrumentaalinen motetin jäljitelmä) on esimerkki tästä:
Sisältää maallisia laulumuotoja:
- Lied (saksa)
- Frottola (italia)
- Chanson (ranska)
- Madrigal (italia)
- Villancico ( Espanja)
Ooppera, yhdistelmä teatteria ja laulumusiikkia, josta tulisi uskomattoman suosittu seuraavien vuosisatojen aikana, kehitettiin Italiassa renessanssin lopulla.
Monet pitävät Jacopo Perin Dafnea aivan ensimmäisenä oopperana.
Se koostui noin 1597/1598, ja se yritti elvyttää kreikkalaisen klassisen draaman tyyliä.
Harmonia ja Tyyli
Keskiajan modaalinen harmoninen järjestelmä – asteikkoihin tai moodeihin perustuva musiikki – pysyi paikallaan renessanssin aikakauden alussa.
Vastapisteen (samanaikaisten, toisistaan riippuvien musiikkilinjojen välinen suhde) säännöt tulivat monimutkaisemmiksi ja tiukemmiksi siitä, mitä välejä pidetään konsonanteina ja mitkä dissonanteina.
Kolmannen ja kuudennen aikavälin käyttöä alettiin käyttää, ja tämä johti ensimmäiseen käyttöön kolmikielisiä sointuja – kolmisävelisiä sointuja, jotka tukevat nykyään paljon länsimaista musiikkia.
tiukat säännöt, jotka koskivat vastakohtaa, säveltäjillä oli paljon enemmän vapautta ilmaista ilmaisua.
Monet yrittivät nyt sisällyttää tunteita musiikkiinsa, ja tätä auttoi paljon suurempi äänialue keskiaikaan verrattuna ja paljon suurempi vaihtelu elementeissä, kuten rytmi ja muoto.
Tapaturmat alkoivat lisätä kirkkotiloihin, ja modaalinen lähestymistapa alkoi vähitellen korvata toiminnallisella tonaalisuudella (avainkeskukseen perustuva harmoninen järjestelmä, joka hallitsisi musiikkia muutaman seuraavan sadan vuoden ajan), keskity sointujen etenemiseen, pieniin ja suuriin tonaalisuuteen ja juuriliikkeeseen viidesosien ympyrän perusteella.
Tämä johti tietä kohti yleistä käytäntöjen harmoniaa, joka vakiintuu täysin barokin aikana.
Rikkaampia tekstuureja alkoi syntyä, ja säveltäjät käyttivät vähintään neljää itsenäistä osaa. Yhä useammin he yrittivät saada nämä osat sulautumaan yhteen jäljittelemällä avainlaitetta, jota käytettiin tämän saavuttamiseksi.
Säveltäjien, kuten Gregorio Allegri ja Giovanni Pierluigi da Palestrina, myöhäisrenessanssiajan teos, joka on kirjoitettu suurille kuororyhmille, on loistava ja monimutkainen.
Nuotinnus ja teoria
Musiikkipisteet eivät olleet vielä yleisessä käytössä, joten renessanssikappaleet notatoitiin vain yksittäisissä osissa.
Viivat eivät olleet vielä yleisiä, ja nuottien arvot olivat yleensä paljon pidempiä kuin näisimme tänään.
Semibrevet ja breves olivat ensisijaiset rytmiyksiköt, eikä haaroja ja minimejä, joten tänä aikana kirjoitettu musiikkikappale näyttäisi hyvin erilaiselta kuin moderni kappale.
Renaissance Composers
Säveltäjät Pohjois-Ranskasta ja matalista maista, joissa tuomioistuimet kannattivat taiteita erityisen hyvin, hallitsivat renessanssin aikakautta.
Myöhemmin Italia kasvoi tunnetuksi tuottaen monia merkittäviä säveltäjiä.
Myös muualta tulevat taiteilijat muuttivat maahan, ja Italiassa alkoivat monet barokin ajan ensimmäisistä innovaatioista.
Tärkeitä renessanssin säveltäjiä ovat:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – ranskalainen, joka kirjoitti sekä maallisia että pyhiä teoksia
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) – italialainen uskonnollisten teosten säveltäjä ja kuuluisa roomalaisen koulun edustaja
- Thomas Tallis (1505-1585) – yksi Englannin suurimmista säveltäjistä, joka tunnetaan parhaiten kuoroteoksistaan
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Flaaminkielinen säveltäjä ja musiikkiteoreetikko
- Orlande de Lassus (1530–1594) – Ranskalais-flaamilainen moniäänisen musiikin säveltäjä
Tässä on Des Prezin laulu:
Renessanssin instrumentit
Monet renessanssin aikakaudella käytetyt instrumentit nykypäivän instrumenttien opettajia, joista osa kehittyy uusiksi muodoiksi tänä aikana.
Vaskipuhaltimiin sisältyi trumpetti, jolla ei ollut venttiilejä ja jota käytettiin laajasti armeijassa, ja sackbut, varhainen versio pasuunasta, joka korvasi dian trumpetin.
Viulu tai viola da gamba oli kuusijonoinen instrumentti, jota soitettiin jousella samalla kun se lepäsi lattialla, samalla tavalla kuin nykyajan sello.
Lyyra oli toinen kielisarjaperheen jäsen: samanlainen kuin nykyaikainen pienoiskoossa oleva harppu, sitä lyötiin plektrumilla eikä kynitty sormilla.
Shawm (puinen, kaksiruokoinen putki), poikittainen huilu ja nauhuri olivat yleisesti soitettuja puupuhaltimia, kun taas suosittuja kosketinsoittimia olivat muun muassa cembalo, klavieri ja neitsyt.
Tekninen kehitys instrumenttien valmistuksessa antoi yhtyeille pääsyn suurempiin alueisiin ja lisääntyi tekstuurinen monimuotoisuus, kun taas yhtyeiden koko kasvoi.
Kappaleista tuli entistä haastavampia, ja ne kirjoitettiin nyt ensimmäistä kertaa tietyille instrumenteille.
Päätelmä
Joten tämä päättelee katsauksemme renessanssiaikaan.
Olemme oppineet siitä, kuinka musiikki eteni keskiajalta, kehittyi monimutkaisuudeltaan ja monimuotoisuudeltaan, ennen kuin uusi tekniikka ja uusi lähestymistapa harmoniaan tasoittivat tietä barokin ajanjaksolle.
Toivomme, että se osoittautuu hyödylliseksi ja informatiiviseksi sinulle ja että se voi innostaa sinua kuuntelemaan upeita ääniä, kuten Palestrina, Byrd ja des Prez.