西洋のクラシック音楽の歴史は、6つの主要な時代に分けることができます。ルネッサンス期はこれらの2番目であり、前に来た中世の時代とその後に続くバロック時代を結び付けます。
このガイドでは、時代の歴史、音楽的特徴、重要な作曲家の概要を説明します。ルネサンス期をより深く理解するために。また、音楽のサウンドをもう少しよく知ることができるように、関連する曲へのYouTubeリンクをいくつか提供します。
ルネサンス音楽の時代
ルネサンスは文字通り「再生」を意味します」。
音楽のルネサンス時代は1400年から1600年まで続き、音楽がより表現力豊かで多様で複雑になり、大きな成長と発展の時代でした。
作曲家は好きなように書いてください。技術の進歩により、彼らの音楽はより多くの人々に届くようになりました。
社会の変化
ルネサンス時代には宗教音楽はまだ遍在していましたが、教会の影響力の低下は作曲家はより芸術的な自由を手に入れ、独自の目的で創造的な音楽を書くことを許可されました。
最近、古代文化への関心が復活し、作曲家は古代ギリシャの芸術と神話からインスピレーションを得始めました。とローマ、そして天文学と数学から。
原始的なnotatiの方法中世に音楽が開発され、作曲家は作品をより簡単に文書化して共有できるようになりましたが、それでも手作業で時間のかかる作業を行う必要がありました。
しかし、1439年の印刷機の発明により、はるかに広範な配布が可能になり、ヨーロッパ全体で豊富なアイデアの交換が可能になりました。
さらに、ブルジョア階級（文化的なアッパーミドルクラス）の成長は、音楽教育が盛んになり、音楽を読むことを学ぶ人が増えるにつれて、今では楽譜の既成の聴衆がいることを意味しました。
中世の時代と比較して、この時代の音楽ははるかに多く残っています。
教会と世俗音楽
ルネサンス時代の初めには、宗教的な世俗音楽が支配的でした。それは、中世の終わりに発展したポリフォニー（2つ以上の独立したメロディックパートが同時に存在する音楽）に基づいています。
モテットとミサはこの2つの一般的な例であり、後者は教会の典礼の一部を形成しています。
神聖なスタイルと世俗的なスタイルが互いに影響し合い始めました。マドリガーレ（伝統的に、多くの声のための伴奏のない非宗教的な歌）が教会の形式として採用され、世俗的な作曲家はモテットを書き始めました。
ルネッサンス期の初めには、世俗的な作曲家の機会は限られており、ほとんどの雇用は、演奏家、教師、作曲家としてミュージシャンを雇った裁判所（主権者の家と住居）を経由して行われました。
しかし、世俗音楽の人気は時が経つにつれて高まり、作曲家は裕福なアマチュアからの依頼を受けることができるようになりました。また、新しい印刷された音楽は経済的な機会も提供しました。
プロテスタントの改革はまた、カトリック教会とプロテスタント教会の両方がそれぞれの奉仕のために音楽を必要とすることも意味しました。
世俗音楽は主に声楽でしたが、その時代には器楽の発展が見られました自分の権利。
これは、たとえばダンスや伴奏用の音楽ではなく、真剣に聴くべき曲でした。
これは、ルネサンス時代の芸術のための芸術を創造するという考えへの一般的な変化と一致していました。
ウィリアムバードのファンタジア（モテットの楽器の模倣）はその一例です：
世俗的な歌の形式が含まれています：
- Lied（ドイツ語）
- Frottola（イタリア語）
- Chanson（フランス語）
- Madrigal（イタリア語）
- Villancico（スペイン語）
オペラは、ルネッサンス時代の終わりにイタリアで開発された、次の世紀に信じられないほど人気になる劇場と声楽の組み合わせです。
ジャコポペリのダフネは、多くの人に最初のオペラと見なされています。
1597/1598年頃に作曲され、古典的なギリシャのドラマのスタイルを復活させる試みでした。
ハーモニーとスタイル
中世のモーダルハーモニックシステム（音階またはモードに基づく音楽）は、ルネッサンス時代の初めにそのまま残っていました。
対位法（同時相互依存する音楽ライン間の関係）の規則は、どの音程が子音と見なされ、どの音程が不協和音であるかに関して、より複雑で厳密になりました。
3番目と6番目の間隔が使用され始め、これがトライアドの最初の使用につながりました。これは、今日の多くの西洋音楽を支える3音の和音です。
対位法を取り巻く厳格な規則により、作曲家は表現する自由がはるかに大きくなりました。
多くの人が音楽に感情を取り入れようとしましたが、これは中世に比べてはるかに広い声域と、リズムや形などの要素の多様性に支えられていました。
臨時記号が教会モードに追加され始め、モーダルアプローチは徐々に機能的な調性（次の数百年間音楽を支配するキーセンターベースのハーモニックシステム）に置き換えられ始めました。五度圏に基づいて、和音の進行、マイナーおよびメジャーの調性、ルートの動きに焦点を当てます。
これにより、バロック時代に完全に確立される一般的な慣習のハーモニーへの道が開かれました。
作曲家が4つ以上の独立したパートを利用することで、より豊かなテクスチャーが出現し始めました。彼らはますますこれらの部品を混ぜ合わせようとし、これを達成するために使用された重要な装置を模倣しました。
大規模な合唱団のために書かれた、グレゴリオアレグリやジョヴァンニピエルルイジダパレストリーナなどの作曲家のルネサンス後期の作品は、壮大で複雑です。
表記法と理論
楽譜はまだ一般的に使用されていなかったため、ルネッサンスの曲は個々の部分でのみ表記されていました。
バーラインはまだ一般的ではなく、音価は一般的に今日よりもはるかに長くなりました。
四分音符やミニマムではなく、セミブリーブとブリーブが主要なリズムユニットであったため、この時期に書かれた音楽は、現代の曲とは大きく異なって見えます。
ルネッサンス作曲家
裁判所が特に芸術を支持していた北フランスと低国の作曲家は、ルネッサンス時代の始まりを支配していました。
その後、イタリアは目立つようになり、多くの著名な作曲家を生み出しました。
他の場所からの芸術家もこの国に移住し、バロック時代の最初の革新の多くが始まるのはイタリアでした。
重要なルネッサンス作曲家は次のとおりです。
- Josquin des Prez（1450 / 55-1521）–世俗的な作品と神聖な作品の両方を書いたフランス人
- Giovanni Pierluigi da Palestrina（1525–1594）–イタリアの宗教作品の作曲家ローマ学校の有名な指数
- トーマスタリス（1505 – 1585）–イギリスで最も偉大な作曲家の1人で、合唱作品で最もよく知られています
- ギヨームデュフェイ（1397–1474）–フランコ-フランドルの作曲家兼音楽理論家
- Orlande de Lassus（1530–1594）–フランコ-フランコのポリフォニック音楽の作曲家
デプレのボーカル作品は次のとおりです。
ルネッサンスの楽器
ルネッサンス時代に使用された楽器の多くはprecでした現代の楽器へのursors、それらのいくつかはこの頃に新しい形に発展しています。
金管楽器には、この時点ではバルブがなく、軍隊で広く使用されていたトランペットと、スライドトランペットに取って代わった初期バージョンのトロンボーンであるサックバットが含まれていました。
ヴィオラ、またはビオラダガンバは、現代の「チェロ」と同様に、床に置いたまま弓で演奏する6弦楽器でした。
竪琴は弦楽器ファミリーのもう1つのメンバーでした。現代のミニチュアハープと同様に、指で弾くのではなく、ピックでかき鳴らしました。
ショーム（木製の両葦のパイプ）、横笛、リコーダーは一般的に木管楽器で演奏され、人気のある鍵盤楽器にはチェンバロ、クラビコード、バージナルが含まれていました。
楽器製作の技術開発アンサンブルはより広い範囲にアクセスでき、テクスチャの多様性が増しましたが、アンサンブルのサイズも大きくなりました。
ピースはより挑戦的になり、特定の楽器用に初めて作成されました。
結論
これで、ルネッサンス時代の考察は終わりです。
新しいテクノロジーと調和への新しいアプローチがバロック時代への道を開く前に、音楽が中世からどのように進歩し、複雑さと多様性が発達したかについて学びました。
それがあなたにとって有用で有益であることが証明され、パレストリーナ、バード、デプレなどのより素晴らしい音を聞くようにあなたを刺激することを願っています。