音楽の歴史

中世の音楽編集

音楽生活中楽器の芸術的描写、音楽に関する著作、その他の記録によって証明されるように、中世初期には間違いなく豊かでした。800年以前から現在まで生き残った音楽の唯一のレパートリーは、ローマカトリック教会の平凡な文学音楽です。 、その最大の部分はグレゴリアンの聖歌と呼ばれています。音楽レパートリーに彼の名前を付け、彼自身が作曲家であったかもしれない教皇グレゴリウス1世は、通常、現在の形で典礼の音楽部分の創始者であると主張されていますが、彼の貢献日についての詳細は彼の死後100年以上。多くの学者は、彼の評判は伝説によって誇張されていると信じています。聖歌のレパートリーのほとんどは、グレゴリーとシャルルマーニュの時代の間の何世紀にもわたって匿名で作曲されました。

9世紀の間に、いくつかの重要な発展が起こりました。第一に、教会は多くの聖歌の伝統を統一し、グレゴリオ聖歌を支持してそれらの多くを抑圧するという大きな努力をしました。第二に、最も初期のポリフォニック音楽が歌われました。これは、オルガヌムとして知られる並行歌唱の形式です。第三に、音楽史にとって最も重要なのは、約500年の経過後に記譜法が再発明されたということですが、現代のミュージシャンが当たり前と思っている精度と柔軟性を備えたピッチとリズムの記譜法のシステムが進化するまでにはさらに数世紀かかるでしょう。

1100年以降、いくつかのポリフォニーの学校が栄えました。聖武道のオルガヌム学校で、その音楽は、単一の持続する線上をすばやく動く部分によって特徴付けられることがよくありました。ノートルダム楽派のポリフォニー。作曲家のレオニンとペロティヌスが含まれ、1200年頃に2つ以上のパートで最初の音楽を制作しました。ガリシアのサンティアゴデコンポステーラの音楽のるつぼ。中世後期に多くの伝統のミュージシャンが集まり、その音楽はコーデックスカリクスティヌスで生き残っています。そして英語学校、その音楽はウースターフラグメントとオールドホール原稿に残っています。これらの宗教音楽の学校と並んで、トルバドゥール、トルヴェール、ミンネザングの音楽に例示されているように、世俗歌の活気に満ちた伝統が発展しました。ルネッサンス初期の後期の世俗音楽の多くは、13世紀初頭のアルビゲンスの十字軍の間に文化が大部分が根絶されたトルバドゥール、宮廷詩人、巡回音楽家の形式、アイデア、音楽的美学から発展しました。

13世紀後半に発展した宗教音楽の形式には、モテット、指揮、ディスカント、クラウスラが含まれていました。珍しい発展の1つは、2つの期間中の鞭打苦行者の放浪バンドの音楽であるガイスラーリーダーでした。13世紀半ば（教会によって抑圧されるまで）。そして、黒死病の最中と直後の1350年頃、彼らの活動が鮮やかに記録され、記譜された音楽で十分に文書化された時期。彼らの音楽は、民謡のスタイルと終末論的または終末論的なテキストを混ぜ合わせました。ヨーロッパの音楽史における14世紀は、初期のルネサンスの理想や美学と多くの共通点があったにもかかわらず、慣例により音楽の中世の時代とグループ化されているアルス・ノヴァのスタイルによって支配されています。当時の生き残った音楽の多くは世俗的であり、同じ名前の詩的な形式に対応するバラード、ヴィルレー、ライ、ロンドーなどの形式の修正を使用する傾向があります。これらの形式のほとんどの作品は、おそらく楽器の伴奏を伴う1〜3声用です。有名な作曲家には、ギヨームドマショーやフランチェスコランディーニが含まれます。

ルネサンス音楽編集

の始まり音楽のルネサンスは、他の芸術のルネサンスの始まりほど明確にマークされておらず、他の芸術とは異なり、イタリアではなく、北ヨーロッパ、特に現在中央フランスと北フランスを含む地域で始まりました。オランダ、ベルギー。ブルゴーニュ楽派の作曲家のスタイルは、フランドル楽派の第一世代として知られているように、最初は14世紀後半のアルス・スブティリオールの過度の複雑さとマナーのあるスタイルに対する反応であり、明確で歌えるメロディーとバランスの取れたポリフォニーが含まれていました。すべての声。 15世紀半ばのブルゴーニュ楽派の最も有名な作曲家は、ギヨームデュファイ、ジルバンショワ、アントワーヌビュノワです。

15世紀半ばまでに、ネーデルラントとその周辺地域の作曲家や歌手がヨーロッパ中、特にイタリアに広がり始め、そこで教皇の礼拝堂や芸術の貴族の常連客に雇われました。 （Medici、Este、Sforzaファミリーなど）。彼らは彼らのスタイルを持っていました：必要に応じて神聖なまたは世俗的な使用に適応させることができる滑らかなポリフォニー。当時の宗教音楽の主な形式は、ミサ、モテット、そして賞賛でした。世俗的な形態には、シャンソン、フロットーラ、そして後にマドリガーレが含まれていました。

印刷の発明は、音楽スタイルの普及に計り知れない影響を及ぼし、フランドル楽派のミュージシャンの動きとともに、シャルルマーニュの下でグレゴリオ聖歌が統一されて以来、ヨーロッパ音楽における最初の真に国際的なスタイルの確立。フランドル楽派の中世代の作曲家には、ヨハネスオケゲムが含まれていました。ヨハネスオケゲムは、さまざまな質感と標準的な装置の精巧な使用により、非常に複雑なスタイルで音楽を書きました。 15世紀の最後の数十年間で最も有名な大衆の作曲家の1人であるヤコブオブレヒト。ジョスカン・デ・プレは、おそらくパレストリーナ以前のヨーロッパで最も有名な作曲家であり、16世紀にはあらゆる形で最も偉大な芸術家の一人として有名でした。ジョスカンが対位法の複雑さの増大を探求した後の世代の音楽。おそらく最も極端な表現はニコラ・ゴンベールの音楽であり、その対位法の複雑さはカンツォーナやリチェルカーレなどの初期の楽器音楽に影響を与え、最終的にはバロックのフーガル形式で最高潮に達しました。

16世紀半ばまでに、国際的なスタイルが崩壊し始め、いくつかの非常に多様なスタイルの傾向が明らかになりました。ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナの音楽に例示されている、トレントの対位法改革評議会によって指示された、神聖な音楽の単純化への傾向。マドリガルの複雑さと色彩主義への傾向。これは、ルッツァスコのフェラーラ学校と後世紀のマドリガリストであるカルロジェズアルドの前衛的なスタイルで極端な表現に達しました。そして、サンマルコ寺院の建築を使用してアンティフォナのコントラストを作り出したヴェネツィア派の壮大で響き渡る音楽。ヴェネツィア派の音楽には、オーケストレーション、装飾された器楽パート、通奏低音パートの開発が含まれ、これらはすべて1600年頃の数十年の間に発生しました。ヴェネツィアの有名な作曲家には、ガブリエリス、アンドレア、ジョバンニ、クラウディオが含まれます。時代の終わりに最も重要なイノベーターの1人であるモンテヴェルディ。

ヨーロッパのほとんどの地域では、世紀の終わりまでに活発で差別化された音楽の伝統がありました。イギリスでは、トーマス・タリスやウィリアム・バードなどの作曲家が大陸で書かれたものと同様のスタイルで宗教音楽を書き、自国のマドリガリストの活発なグループがイタリアの形式をイギリスの好みに適合させました。有名な作曲家にはトーマス・モーリー、ジョン・ウィルビーが含まれます。とトーマスウィールクス。スペインは独自の楽器と声楽のスタイルを開発し、トマスルイスデビクトリアはパレストリーナと同様の洗練された音楽を書き、他の多くの作曲家は新しいギターのために書いています。ドイツはプロテスタントのコラールに基づいてポリフォニック形式を栽培し、それが宗教音楽の基礎としてローマカトリックのグレゴリオ聖歌に取って代わり、ベネチアの学校のスタイルを取り入れました（その外観がバロック時代の始まりを定義しました）。さらに、ドイツの作曲家は膨大な量のオルガン音楽を書き、J.S。の作品で最高潮に達した後のバロックオルガンスタイルの基礎を確立しました。バッハ。フランスは、世俗的なシャンソンで使用される音楽辞書として知られる独特のスタイルの音楽辞書を開発し、ギヨームコストリーやクロードルジューンなどの作曲家がこの運動で著名でした。

この時代で最も革命的な運動の1つは、 1570年代と1580年代にフィレンツェに配置され、皮肉なことに反発的な意図を持っていたフィレンツェのカメラータの作品で、現代の音楽の堕落として見たものに不満を持っていた彼らの目標は、古代ギリシャ人の音楽を復元することでした。その中でチーフは、天文学者の父であるヴィンチェンツォガリレイとジュリオカッチーニでした。彼らの努力の成果は、モノディとして知られている朗読的なメロディックな歌唱スタイルと、それに対応する段階的な劇的な形式、つまり今日オペラとして知られている形式でした。 1600年頃に書かれた最初のオペラは、ルネッサンスの終わりとバロック時代の始まりも定義しています。

1600年以前の音楽は、音色ではなくモーダルでした。ジョゼッフォ・ザルリーノやフランキヌス・ガフリウスによる旋法のスケールでの執筆など、16世紀後半のいくつかの理論的発展は、一般的な調性の発展に直接つながりました。メジャースケールとマイナースケールが古い教会モードよりも優勢になり始めました。この機能は、最初は作曲のリズムポイントで最も明白でしたが、徐々に普及していきました。 1600年以降の音楽は、バロック時代の調性音楽から始まり、一般的な練習期間に属するとよく言われます。

バロック音楽編集

J.S.バッハ
トッカータとフーガ

バロック時代は、バロック芸術として1600年から1750年にかけて行われました。スタイルはヨーロッパ全体で繁栄し、この間、音楽はその範囲と複雑さで拡大しました。バロック音楽は、最初のオペラ（オーケストラを伴う劇的なソロ声楽）が書かれたときに始まりました。バロック時代には、複数の独立したメロディーラインが同時に使用されるポリフォニックコントラプンタル音楽が引き続き重要でした（中世の声楽では対位法が重要でした）。ドイツ語、イタリア語、フランス語、オランダ語、ポーランド語、スペイン語、ポルトガル語、英語バロックの作曲家は、弦楽器、真鍮、木管楽器などの小さなアンサンブルや、パイプオルガン、チェンバロ、クラヴィコードなどの合唱団や鍵盤楽器のために書きました。この期間中に、フーガ、発明、ソナタ、協奏曲など、いくつかの主要な音楽形式が定義され、それらはその後拡張され、さらに進化しました。後期バロック様式は、ポリフォニックに複雑で、豪華に装飾されていました。バロック時代の重要な作曲家には、ヨハン・セバスチャン・バッハ、アルカンジェロ・コレッリ、フランソワ・クーペリン、ジロラモ・フレスコバルディ、ジョージ・フリデリック・ヘンデル、ジャン・バプティスト・ルリー、クラウディオ・モンテヴェルディ、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アントニオ・ヴィヴァルディが含まれます。

クラシック音楽時代編集

クラシック時代の音楽は、ホモフォニックな質感、または伴奏付きの明白なメロディーが特徴です。これらの新しいメロディーは、ほとんど声のようで歌える傾向があり、作曲家が音楽の焦点として実際に歌手に取って代わることができました。したがって、器楽は、音楽の聴衆のお気に入りであり、優れた作曲の縮図として、オペラや他の歌われた形式（オラトリオなど）にすぐに取って代わりました。しかし、オペラは消えませんでした。古典派時代には、数人の作曲家が母国語で一般向けのオペラを制作し始めました（以前のオペラは一般的にイタリア語でした）。

声の段階的な置き換えとともにより強く、よりクリアなメロディーを好む対位法は、通常、装飾的な繁栄となり、作品の終わり近くや単一の動きに使用されることがよくあります。代わりに、アルペジオやピアノ音楽ではアルベルティベース（伴奏）などの単純なパターンが使用されます。通常は左手に繰り返されるパターンで）、混乱を招く追加の声を作成することなく、曲の動きを活気づけるために使用されました。現在人気のある楽器音楽は、ソナタ、交響曲、および協奏曲、ただしこれらのどれもその時に具体的に定義または教えられていません彼らは現在音楽理論にあるのでe。 3つすべてがソナタ形式に由来します。ソナタ形式は、作品全体の重なる形式であり、単一の楽章の構造でもあります。ソナタ形式は古典派時代に成熟し、19世紀を通じて器楽作品の主要な形式になりました。

古典派初期は、ヨハンシュターミッツ、フランツクサバーリヒターなどの作曲家を含むマンハイム楽派によって幕を開けました。 、カールシュターミッツ、クリスティアンカンナビッチ。それはヨーゼフ・ハイドンに、そして彼を通して、その後のすべてのヨーロッパの音楽に大きな影響を及ぼしました。ヴォルフガングアマデウスモーツァルトは古典派音楽の中心人物であり、あらゆるジャンルでの彼の驚異的で多様な作品は、私たちの時代の認識を定義しています。 Ludwig vanBeethovenとFranzSchubertは過渡期の作曲家であり、ロマン派時代に至り、既存のジャンル、形式、さらには音楽の機能さえも拡大しました。

ロマン派音楽編集

ロマン派時代には、音楽はより表現力豊かで感情的になり、文学、芸術、哲学を網羅するようになりました。有名な初期のロマン派作曲家には、シューマン、ショパン、メンデルスゾーン、ベリーニ、ドニゼッティ、ベルリオーズが含まれます。 。19世紀後半には、オーケストラの規模が劇的に拡大し、都市社会の一部としてのコンサートの役割が拡大しました。世紀後半の有名な作曲家には、ヨハンシュトラウス2世、ブラームス、リスト、チャイコフスキー、ヴェルディ、ワーグナーが含まれます。 1890年から1910年の間に、グリーグ、ドヴォルザーク、マーラー、リヒャルトシュトラウス、プッチーニ、シベリウスなどの作曲家の第3の波は、ロマン派の中間作曲家の作品に基づいて、さらに複雑な、多くの場合ははるかに長い音楽作品を作成しました。 19世紀後半の音楽の目立った特徴は、ドヴォルザーク、シベリウス、グリーグなどの人物に代表されるように、その民族主義的な熱意です。その他の著名な後世紀の人物には、サンサーンス、フォーレ、ラフマニノフ、フランク、ドビュッシー、リムスキーコルサコフが含まれます。

20世紀と21世紀の音楽編集

あらゆる種類の音楽もますますポータブルになりました。 20世紀には、ラジオが世界中で人気を博し、音楽を録音、キャプチャ、再生、配信するための新しいメディアとテクノロジーが開発されたため、音楽リスニングに革命が起こりました。音楽の演奏は、演奏の放送と録音によってますます視覚的になりました。

20世紀の音楽は、以前の音楽の一般的なルールに挑戦する新しい音楽スタイルと形式で、新しい自由と幅広い実験をもたらしました。 20世紀半ばの音楽増幅と電子楽器、特にシンセサイザーの発明は、クラシック音楽とポピュラー音楽に革命をもたらし、新しい形式の音楽の開発を加速させました。

クラシック音楽に関しては、2つの基本的な学校アーノルド・シェーンベルクのそれとイゴール・ストラヴィンスキーのそれ：世紀のコースを決定しました。