クラシック時代（音楽）

バロック/クラシックへの移行c。 1730–1760編集

彼の著書「クラシックスタイル」の中で、作家でピアニストのチャールズローゼンは、1755年から1775年まで作曲家が模索したと主張しています。より効果的に劇的な新しいスタイルのために。高バロック時代には、劇的な表現は個々の影響の表現に限定されていました（「愛情の教義」、またはローゼンが「劇的な感情」と呼ぶもの）。たとえば、ヘンデルのオラトリオイェフタでは、作曲家は4つの感情を、キャラクターごとに1つずつ、カルテット「O、娘を惜しまない」で別々に表現します。最終的に、この個々の感情の描写は、単純で非現実的なものと見なされるようになりました。単一のキャラクターまたは動きの中で、同時にまたは漸進的に複数の感情を描写する（「劇的な行動」）。したがって、モーツァルトの第2幕のフィナーレで、恋人たちは「喜びから疑惑と怒りを経て、最終的な和解。」

音楽的に言えば、この「劇的な行動」には、より多くの音楽的多様性が必要でした。バロック音楽は、個々の動きの中でシームレスな流れとほぼ均一なテクスチャーが特徴でしたが、ハイバロック後の作曲家は、テクスチャー、ダイナミック、ハーモニー、またはテンポの急激な変化でこの流れを中断しようとしました。ハイバロックに続く様式の発展の中で、最も劇的なものはエンプフィンドサムケイト（大まかに「敏感なスタイル」）と呼ばれるようになり、その最も有名な開業医はカールフィリップエマニュエルバッハでした。このスタイルの作曲家は、上記の中断を最も突然の方法で採用し、音楽は時々非論理的に聞こえることがあります。イタリアの作曲家ドメニコ・スカルラッティは、これらの開発をさらに進めました。彼の500以上のシングルムーブメントキーボードソナタにもテクスチャの突然の変化が含まれていますが、これらの変化はピリオドに編成され、バランスの取れたフレーズがクラシックスタイルの特徴となりました。しかし、スカルラッティの質感の変化はまだ突然で準備ができていないように聞こえます。偉大な古典作曲家（ハイドン、モーツァルト、ベートーベン）の傑出した業績は、これらの劇的な驚きを論理的に動機付けられたように聞こえさせる能力でした。手を組んでください。」

JSバッハの死とハイドンとモーツァルトの成熟（およそ1750-1770）の間に、作曲家はバッハの息子たちの音楽に見られるこれらの新しいアイデアを実験しました。 。ヨハン・クリスチャンは、よりシンプルなテクスチャーとハーモニーを備えた、現在はロッココと呼ばれるスタイルを開発しました。これは、「魅力的で、劇的ではなく、少し空っぽ」でした。先に述べたように、カール・フィリップ・エマニュエルはドラマを増やすことを目指しており、彼の音楽は「暴力的で、表現力豊かで、華麗で、絶えず驚くべきものであり、しばしば一貫性がない」ものでした。そして最後に、ヴィルヘルム・フリーデマン、J.S。バッハの長男は、バロックの伝統を慣習的で型破りな方法で拡張しました。

最初は、新しいスタイルがバロックの形式（三元ダカポアリア、交響曲、協奏曲）を引き継ぎましたが、よりシンプルな部分で構成されていました。 、バロック時代に一般的だった即興の装飾ではなく、より表記された装飾、およびセクションへのピースのより強調された分割。しかし、時間の経過とともに、新しい美学は、ピースの組み立て方法と基本的な形式的なレイアウトに根本的な変化をもたらしましたこの時代の作曲家は、劇的な効果、印象的なメロディー、よりクリアなテクスチャーを求めていました。大きなテクスチャーの変化の1つは、複数の織り交ぜられたメロディックラインが同時に演奏されるバロックの複雑で密度の高いポリフォニックスタイルからのシフトでした。ホモフォニー、コードを伴う明確な単一のメロディーラインを使用するより軽いテクスチャー。

バロック音楽は一般に、構造にあまり焦点を当てない多くのハーモニックファンタジーとポリフォニックセクションを使用します曲のure、そして明確な音楽のフレーズにあまり重点が置かれていませんでした。古典派時代には、ハーモニーはよりシンプルになりました。しかし、作品の構造、フレーズ、小さなメロディックまたはリズミカルな動機は、バロック時代よりもはるかに重要になりました。

過去とのもう1つの重要なブレークは、クリストフ・ウィリバルド・グルックによるオペラの抜本的なオーバーホールでした。クリストフ・ウィリバルド・グルックは、多くのレイヤーと即興の装飾を切り取り、変調と移行のポイントに焦点を合わせました。ハーモニーがより焦点を変えるこれらの瞬間を作ることによって、彼は音楽の感情的な色の強力な劇的な変化を可能にしました。これらのトランジションを強調するために、彼は楽器（オーケストレーション）、メロディー、モードの変更を使用しました。彼の時代の最も成功した作曲家の中で、グルックはアントニオ・サリエリを含む多くのエミュレーターを生み出しました。アクセシビリティに重点を置くことで、オペラだけでなく、歌、オラトリオ、合唱などの他の声楽でも大きな成功を収めました。これらは演奏にとって最も重要な種類の音楽と見なされていたため、大衆に最大の成功を収めました。

バロックとクラシックの台頭（1730年頃）の間の段階では、さまざまな競合する音楽スタイルがありました。芸術的な道の多様性は、ヨハン・セバスチャン・バッハの息子たちに表されています。ヴィルヘルム・フリーデマン・バッハは、個人的な方法でバロックの伝統を続けました。バロック様式のテクスチャーを簡素化し、モーツァルトに最も明確に影響を与えたヨハン・クリスチャン・バッハ。カール・フィリップ・エマニュエル・バッハは、エンプフィンドサムケイト運動の情熱的で時には激しく風変わりな音楽を作曲しました。音楽文化は岐路に立たされました。古いスタイルのマスターはテクニックを持っていましたが、一般の人々は新しいスタイルを切望していました。これが、CPEバッハが非常に高く評価された理由の1つです。彼は古い形式を非常によく理解し、さまざまな形式でそれらを新しい服装で提示する方法を知っていました。

1750–1775編集

1750年代後半までに、イタリア、ウィーン、マンハイム、パリに新しいスタイルの繁栄する中心地がありました。数十の交響曲が作曲され、ミュージカル劇場に関連するプレーヤーのバンドがありました。オーケストラを伴うオペラやその他の声楽は、ほとんどの音楽イベントの特徴であり、協奏曲や交響曲（序曲から生じる）が、オペラや教会の礼拝の道具的な間奏や紹介として機能していました。クラシック時代の間に、交響曲と協奏曲が発達し、声楽とは独立して発表されました。

「通常の」オーケストラアンサンブル（風で補われた弦の本体）と楽章1750年代後半までにウィーンで特定のリズミカルなキャラクターが確立されました。しかし、作品の長さと重さは依然としていくつかのバロックの特徴で設定されていました。個々の楽章は依然として1つの「影響」（音楽的ムード）に焦点を合わせているか、はっきりと対照的な中央部分が1つしかなく、その長さはバロックの楽章よりも大幅に長くはありませんでした。新しいスタイルで作曲する方法についての明確に発表された理論はまだありませんでした。ブレークスルーに向けて熟した瞬間でした。

このスタイルの最初の偉大なマスターは、作曲家のジョセフハイドンでした。 1750年代後半に彼は交響曲を作曲し始め、1761年までに彼は現代モードでしっかりと三連祭壇画（朝、昼、夜）を作曲しました。副カペルマイスター、後にカペルマイスターとして、彼の出力は拡大しました。彼は1760年代だけで40以上の交響曲を作曲しました。そして、彼の名声が高まる一方で、彼のオーケストラが拡大され、彼の作曲がコピーされて広められたとき、彼の声は多くの中で1つにすぎませんでした。ハイドンの中心性を新しいスタイル、したがって西洋の芸術音楽全体の未来に誇張するのは難しい。当時、モーツァルトやベートーベンが卓越する前、そして主にキーボードの愛好家に知られているヨハン・セバスチャン・バッハと音楽、ハイドンはおそらくバロック時代のジョージ・フリデリック・ヘンデルを除いて、他のすべての作曲家よりも彼を設定する音楽の場所に到達しました。ハイドンは既存のアイデアを取り入れ、それらの機能を根本的に変え、「交響曲の父」と「弦楽四重奏の父」という称号を獲得しました。

彼のプレスの推進力として働いた力の1つフォワードは、後にロマン主義と呼ばれるものの最初の動揺でした。シュトゥルム・ウント・ドラン、または芸術における「嵐とストレス」の段階であり、明白で劇的な感情主義が様式的な好みであった短い期間でした。ハイドンはそれに応じて、より劇的なコントラストとより感情的に魅力的なメロディーを望み、彼の作品にはシャープなキャラクターと個性がありました。この時期は音楽や文学で衰退しましたが、その後の出来事に影響を与え、最終的には後の数十年で美的センスの要素となるでしょう。

別れの交響曲第45番ヘ短調は、ハイドンを例示しています「新しいスタイルのさまざまな要求の統合、驚くべき鋭いターンと作業を終了するための長く遅いアダージョ。1772年、ハイドンは6弦楽四重奏曲のオーパス20セットを完成させました。そこでは、前のバロック時代から収集したポリフォニックテクニックを展開して、メロディックなアイデアをまとめることができる構造的一貫性を提供しました。一部の人にとっては、これは「成熟した」クラシックスタイルの始まりを示し、後期バロックの複雑さに対する反応の期間がバロックとクラシックの要素の統合の期間をもたらしました。

1775–1790編集

ハイドンは、王子の音楽監督として10年以上働いてきましたが、他のほとんどの作曲家よりもはるかに多くのリソースと作曲の余地がありました。彼の立場はまた、彼が熟練したミュージシャンを選ぶことができたので、彼の音楽を演奏する力を形作る能力を彼に与えました。ハイドンはキャリアのかなり早い段階から音楽のアイデアを構築し発展させる技術を推し進めようとしていたため、この機会は無駄になりませんでした。彼の次の重要な突破口は、Opus 33弦楽四重奏曲（1781）で、メロディーとハーモニーの役割が楽器の間で交わっています。メロディーとハーモニーが何であるかが一時的に不明確になることがよくあります。これにより、劇的な移行の瞬間とクライマックスのセクションの間でアンサンブルが機能する方法が変わります。音楽はスムーズに流れ、明らかな中断はありません。その後、彼はこの統合されたスタイルを採用し、オーケストラと声楽に適用し始めました。

ハイドンの音楽への贈り物は、作曲の方法であり、作品を構成する方法であり、同時に新しいスタイルの支配的な美学と一致していました。 。しかし、より若い現代のヴォルフガングアマデウスモーツァルトは、彼の天才をハイドンのアイデアに持ち込み、オペラと名人協奏曲の2つの主要なジャンルに適用しました。一方、ハイドンは、彼の仕事の多くを宮廷作曲家として過ごしました。 、モーツァルトは、一般の人々のために演奏し、都市のコンサートライフで大衆の成功を望んでいました。これは、オペラを書き、名人の作品を書き、演奏する必要があることを意味しました。ハイドンは、国際的なツアーレベルの名人ではありませんでした。また、オペラを作成しようともしませんでした。モーツァルトは、大勢の聴衆の前で何晩も演奏できる作品であり、両方を達成したいと考えていました。さらに、モーツァルトは、よりクロマチックなコード（および一般的に調和言語でのより大きなコントラスト）を好み、メロディーのウェルターを作成することへの愛情が高まっていました。彼はハイドンの音楽で、そして後にJSのポリフォニーの研究で発見しました、単一の作品で、そして音楽全体でよりイタリア風の感性バッハ、彼の芸術的才能を訓練し、豊かにする手段。

モーツァルトはすぐにハイドンの注目を集めました。ハイドンは新しい作曲家を歓迎し、彼の作品を研究し、検討しました。若い男は音楽の彼の唯一の真の仲間です。モーツァルトでは、ハイドンはより幅広い楽器、劇的な効果、メロディックなリソースを見つけました。学習関係は両方向に動きました。モーツァルトはまた、年配の経験豊富な作曲家に大きな敬意を払っていました。彼から学ぼうとした。

1780年にモーツァルトがウィーンに到着したことで、クラシックスタイルの発展が加速した。そこでモーツァルトは、過去20年間醸造されてきたイタリアの輝きとゲルマンのまとまりの融合を吸収しました。派手な輝き、リズミカルに複雑なメロディーとフィギュア、長いカンティレナのメロディー、そして名人の繁栄に対する彼自身の好みは、形式的な一貫性と内部のつながりへの感謝と融合しました。戦争と経済的インフレがより大きなオーケストラへの傾向を止め、多くの劇場オーケストラの解散または縮小を余儀なくされたのはこの時点です。これにより、クラシックスタイルが内側に押しやられました。たとえば、木管楽器全体にメロディーを分散させたり、3分の1に調和したメロディーを使用したりするなど、より大きなアンサンブルと技術的な課題を模索する方向に進みました。このプロセスは、室内楽と呼ばれる小さなアンサンブル音楽を重視しました。それはまた、弦楽四重奏や他の小さなアンサンブルのグループをさらに後押しする、より多くの公演の傾向につながりました。

ハイドンとモーツァルトを認識するようになったのは、この10年間でした。組成の高水準に達していた。モーツァルトが25歳に到着するまでに、1781年に、ウィーンの支配的なスタイルは、初期のクラシックスタイルの1750年代の出現と認識できるように関連していました。1780年代の終わりまでに、モーツァルトとハイドンを模倣した作曲家には、演奏慣行の変化、器楽と声楽の相対的な地位、ミュージシャンに対する技術的要求、および文体の統一が確立されました。この10年間、モーツァルトは彼の最も有名なオペラ、ジャンルを再定義するのに役立った彼の6つの後期交響曲、そしてこれらの形式の頂点に今なお立っている一連のピアノ協奏曲を作曲しました。

影響力のある1人の作曲家モーツァルトとハイドンが形成したより深刻なスタイルを広めるのは、それぞれがピアノで即興演奏し、作曲を行う皇帝の前でモーツァルトと音楽の「決闘」で結びついた才能のある名手ピアニスト、ムツィオクレメンティです。クレメンティのピアノのソナタは広く流通し、1780年代にロンドンで最も成功した作曲家になりました。また、この時期のロンドンには、クレメンティと同様に、ピアノメーカーにピアノの範囲やその他の機能を拡張するように勧めたヤンラディスラフデュセックがいました。クラシック時代のロンドンの重要性は見過ごされがちですが、ブロードウッドのピアノ製造工場の本拠地であり、作曲家の拠点としての役割も果たしていました。 「ウィーンスクール」よりも注目に値するのは、後に来るものに決定的な影響を及ぼしました。彼らは多くの素晴らしい作品の作曲家であり、それ自体が注目に値します。ロンドンの妙技への嗜好は、複雑な通過作業と主音と支配に関する拡張された声明を促進した可能性があります。

1790年から1820年頃編集

ハイドンとモーツァルトが作曲を始めたとき、交響曲が演奏されました単一の動きとして（他の作品の前、間、または間奏として）、それらの多くは10分または12分しか続きませんでした。楽器グループの演奏基準はさまざまで、連続演奏は音楽制作の中心的な部分でした。

その間に、音楽の社会的世界は劇的な変化を遂げました。国際的な出版とツアーは爆発的に成長し、コンサート社会が形成されました。表記法はより具体的で、より説明的になり、作品の概略図は簡素化されました（さらにモーツァルトの死の直前の1790年、彼の評判は急速に広まり、ハイドンは一連の成功、特に彼の晩年のオラトリオスとロンドンの交響曲の準備ができていました。パリ、ローマ、そしてドイツ全土の作曲家は、フォームに関するアイデアをハイドンとモーツァルトに頼りました。

1790年代に、1770年頃に生まれた新世代の作曲家が登場しました。彼らは以前のスタイルで成長していましたが、ハイドンとモーツァルトの最近の作品で、より表現力のある乗り物を聞いていました。 1788年にルイジ・ケルビーニはパリに定住し、1791年にロドイスカを作曲しました。これは彼を有名にしたオペラです。そのスタイルは、成熟したハイドンとモーツァルトを明確に反映しており、その楽器は、グランドオペラではまだ感じられなかった重みを与えました。彼の現代的なエティエンヌ・メフルは、1790年のオペラ「ウフロジーヌとコラディン」で器楽の効果を拡張し、そこから一連の成功を収めました。変化への最後のプッシュは、ウェーバー、ベルリオーズ、ワーグナーなどの将来のロマン派の作曲家に深く賞賛されたガスパーレ・スポンティーニから来ました。彼のオペラの革新的な和声言語、洗練された楽器、そして「連鎖した」閉じた数字（後にオイリアンテでウェーバーによって採用され、彼からマーシュナーを介してワーグナーに受け継がれた構造パターン）は、フランス語とドイツのロマンティックオペラはその始まりを持っていました。

最も運命的な新世代のルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベンは、1794年に、レパートリーに残っている3つのピアノ三重奏曲のセットで番号付きの作品を発表しました。モーツァルトの下での若々しい研究と彼の生まれつきの妙技のために等しく達成されたものの、他のものよりやや若かったのはヨハン・ネポムク・フンメルでした。フンメルはハイドンにも師事した。彼はベートーベンとフランツシューベルトの友人でした。彼は他のどの楽器よりもピアノに集中し、1791年と1792年のロンドンでの彼の時間は、1793年に、モーツァルトの予想されるリズムを回避するテクニックを慣習的に使用した3つのピアノソナタopus2とクレメンティの作曲と出版を生み出しました。 「時々、モーダルに不確かな名人の形象。まとめると、これらの作曲家は、スタイルの幅広い変化の先駆者であり、音楽の中心であると見なすことができます。彼らはお互いの作品を研究し、音楽でお互いのジェスチャーをコピーし、時には喧嘩のライバルのように振る舞いました。

前の波との決定的な違いは、メロディーの下方シフト、動きの持続時間の増加、パラダイムとしてのモーツァルトとハイドンの受け入れ、キーボードリソースのより多くの使用、「ボーカル」からのシフトに見られます。 「「ピアニスティック」な作曲への執筆、マイナーでモーダルな曖昧さの増大、そして音楽の要素として「テクスチャー」を前面に出すために付随する人物を変化させることの重要性の高まり。要するに、故クラシカルは内部的にもっと複雑な音楽を求めていたのです。中産階級の生活の一部としての音楽の重要性を示すコンサート社会とアマチュアオーケストラの成長は、ピアノ、ピアノ音楽、そして名手が模範となるための活況を呈する市場に貢献しました。フンメル、ベートーベン、クレメンティはすべて即興で有名でした。

バロックの直接的な影響は薄れ続けました。通奏低音は、パフォーマンスをまとめる手段として目立たなくなりました。 -18世紀は絶滅し続けました。しかし同時に、バロックの巨匠の完全版が入手可能になり始め、特に真鍮のこれまで以上に広範な使用において、バロック様式の影響が拡大し続けました。この時期のもう一つの特徴は、作曲家がいなかった公演の数が増えていることです。これにより、記譜法の詳細と特異性が向上しました。たとえば、メインスコアとは別に立っている「オプション」のパートは少なかった。

これらのシフトの力は、イタリア語で「英雄的」を意味するエロイカという名前のベートーベンの第3交響曲で明らかになった。 “、作曲家による。ストラヴィンスキーの春の儀式と同様に、それはその革新のすべての最初ではなかったかもしれませんが、古典的なスタイルのあらゆる部分の積極的な使用は、現代の作品とは一線を画しています。 、野心、そして調和のとれたリソースも。