Klassische Periode (Musik)

Übergang Barock / Klassik c. 1730–1760Edit

In seinem Buch The Classical Style behauptet der Autor und Pianist Charles Rosen, dass Komponisten von 1755 bis 1775 herumgetastet haben für einen neuen Stil, der effektiver dramatisch war. In der Hochbarockzeit beschränkte sich der dramatische Ausdruck auf die Darstellung individueller Affekte (die „Doktrin der Affektionen“ oder was Rosen als „dramatisches Gefühl“ bezeichnet). Zum Beispiel überträgt der Komponist in Händels Oratorium Jephtha vier Emotionen getrennt, eine für jede Figur, im Quartett „O, verschone deine Tochter“. Schließlich wurde diese Darstellung einzelner Emotionen als simpel und unrealistisch angesehen, Komponisten gesucht mehrere Emotionen gleichzeitig oder progressiv innerhalb einer einzelnen Figur oder Bewegung darzustellen („dramatische Handlung“). So bewegen sich die Liebenden im Finale von Akt 2 von Mozarts Die Entführung aus dem Serail „von Freude über Misstrauen und Empörung zu endgültige Versöhnung. „

Musikalisch gesehen erforderte diese“ dramatische Handlung „mehr musikalische Vielfalt. Während die Barockmusik durch einen nahtlosen Fluss innerhalb einzelner Bewegungen und weitgehend einheitliche Texturen gekennzeichnet war, versuchten Komponisten nach dem Hochbarock, diesen Fluss mit abrupten Änderungen der Textur, Dynamik, Harmonie oder des Tempos zu unterbrechen. Unter den stilistischen Entwicklungen, die dem Hochbarock folgten, wurde die dramatischste Empfindsamkeit genannt, und sein bekanntester Praktiker war Carl Philipp Emmanuel Bach. Komponisten dieses Stils verwendeten die oben diskutierten Unterbrechungen am abruptesten, und die Musik kann manchmal unlogisch klingen. Der italienische Komponist Domenico Scarlatti hat diese Entwicklungen weiterentwickelt. Seine mehr als fünfhundert Keyboard-Sonaten mit einem Satz enthalten ebenfalls abrupte Änderungen der Textur, aber diese Änderungen sind in Perioden organisiert, ausgewogene Phrasen, die zum Markenzeichen des klassischen Stils wurden. Scarlattis Veränderungen in der Textur klingen jedoch immer noch plötzlich und unvorbereitet. Die herausragende Leistung der großen klassischen Komponisten (Haydn, Mozart und Beethoven) war ihre Fähigkeit, diese dramatischen Überraschungen logisch motiviert klingen zu lassen, so dass „das Ausdrucksstarke und das Elegante“ Hand in Hand. „

Zwischen dem Tod von JS Bach und der Reife von Haydn und Mozart (ca. 1750-1770) experimentierten Komponisten mit diesen neuen Ideen, die in der Musik von Bachs Söhnen zu sehen sind . Johann Christian entwickelte einen Stil, den wir jetzt Roccoco nennen, der einfachere Texturen und Harmonien umfasst und der „charmant, undramatisch und ein wenig leer“ war. Wie bereits erwähnt, versuchte Carl Philipp Emmanuel, das Drama zu verstärken, und seine Musik war „gewalttätig, ausdrucksstark, brillant, ständig überraschend und oft inkohärent“. Und schließlich Wilhelm Friedemann, J.S. Bachs ältester Sohn erweiterte die barocken Traditionen auf idiomatische, unkonventionelle Weise.

Zunächst übernahm der neue Stil die barocken Formen – die ternäre Da-Capo-Arie, die Sinfonie und das Konzert -, bestand jedoch aus einfacheren Teilen , mehr notierte Ornamente als die im Barock üblichen improvisierten Ornamente und eine nachdrücklichere Unterteilung der Stücke in Abschnitte. Im Laufe der Zeit verursachte die neue Ästhetik jedoch radikale Änderungen in der Art und Weise, wie die Stücke zusammengesetzt wurden, und in den grundlegenden formalen Layouts Komponisten aus dieser Zeit suchten nach dramatischen Effekten, auffälligen Melodien und klareren Texturen. Eine der großen strukturellen Veränderungen war eine Abkehr vom komplexen, dichten polyphonen Stil des Barock, in dem mehrere miteinander verwobene Melodielinien gleichzeitig und hin gespielt wurden Homophonie, eine leichtere Textur, die eine klare einzelne Melodielinie verwendet, die von Akkorden begleitet wird.

Barockmusik verwendet im Allgemeinen viele harmonische Fantasien und polyphone Abschnitte, die sich weniger auf die Struktur konzentrieren des Musikstücks, und es wurde weniger Wert auf klare musikalische Phrasen gelegt. In der klassischen Zeit wurden die Harmonien einfacher. Die Struktur des Stückes, die Phrasen und kleinen melodischen oder rhythmischen Motive wurden jedoch viel wichtiger als im Barock.

Ein weiterer wichtiger Bruch mit der Vergangenheit war die radikale Überarbeitung der Oper durch Christoph Willibald Gluck, der einen Großteil der Überlagerungs- und Improvisationsornamente wegschnitt und sich auf die Punkte der Modulation und des Übergangs konzentrierte.Indem er diese Momente, in denen sich die Harmonie ändert, stärker in den Fokus rückte, ermöglichte er kraftvolle dramatische Veränderungen in der emotionalen Farbe der Musik. Um diese Übergänge hervorzuheben, verwendete er Änderungen in Instrumentierung (Orchestrierung), Melodie und Modus. Unter den erfolgreichsten Komponisten seiner Zeit brachte Gluck viele Emulatoren hervor, darunter Antonio Salieri. Ihre Betonung der Zugänglichkeit brachte große Erfolge in der Oper und in anderen Vokalmusik wie Liedern, Oratorien und Chören. Diese wurden als die wichtigsten Arten von Musik für die Aufführung angesehen und hatten daher den größten öffentlichen Erfolg.

Die Phase zwischen dem Barock und dem Aufstieg der Klassik (um 1730) war die Heimat verschiedener konkurrierender Musikstile. Die Vielfalt der künstlerischen Wege ist in den Söhnen von Johann Sebastian Bach vertreten: Wilhelm Friedemann Bach, der die Barocktradition auf persönliche Weise fortsetzte; Johann Christian Bach, der Texturen des Barock vereinfachte und Mozart am deutlichsten beeinflusste; und Carl Philipp Emanuel Bach, der leidenschaftliche und manchmal heftig exzentrische Musik der Empfindsamkeitsbewegung komponierte. Die Musikkultur befand sich an einem Scheideweg: Die Meister des älteren Stils hatten die Technik, aber das Publikum hungerte nach dem neuen. Dies ist einer der Gründe, warum CPE Bach so hoch geschätzt wurde: Er verstand die älteren Formen recht gut und wusste, wie man sie in neuen Gewändern mit einer erweiterten Formenvielfalt präsentiert.

1750–1775Edit

In den späten 1750er Jahren gab es in Italien, Wien, Mannheim und Paris blühende Zentren des neuen Stils; Dutzende von Symphonien wurden komponiert und es gab Bands von Spielern, die mit Musiktheatern verbunden waren. Oper oder andere Vokalmusik, begleitet von Orchester, war das Merkmal der meisten Musikveranstaltungen, wobei Konzerte und Symphonien (aus der Ouvertüre) als instrumentale Zwischenspiele und Einführungen für Opern und Gottesdienste dienten. Im Laufe der Klassik entwickelten sich Symphonien und Konzerte und wurden unabhängig von der Vokalmusik präsentiert.

Das „normale“ Orchesterensemble – ein Körper aus Streichern, ergänzt durch Winde – und Bewegungen von besonderem rhythmischen Charakter wurden in den späten 1750er Jahren in Wien etabliert. Die Länge und das Gewicht der Stücke wurden jedoch immer noch mit einigen barocken Merkmalen festgelegt: Einzelne Bewegungen konzentrierten sich immer noch auf einen „Affekt“ (musikalische Stimmung) oder hatten nur einen scharf kontrastierenden Mittelteil, und ihre Länge war nicht wesentlich größer als die der Barockbewegungen. Es gab noch keine klar formulierte Theorie, wie man im neuen Stil komponiert. Es war ein Moment reif für einen Durchbruch.

Der erste große Meister des Stils war der Komponist Joseph Haydn. In den späten 1750er Jahren begann er, Symphonien zu komponieren, und 1761 hatte er ein Triptychon (Morgen, Mittag und Abend) solide im zeitgenössischen Modus komponiert. Als Vize-Kapellmeister und später als Kapellmeister erweiterte sich sein Schaffen: Allein in den 1760er Jahren komponierte er über vierzig Symphonien. Und während sein Ruhm wuchs, als sein Orchester erweitert und seine Kompositionen kopiert und verbreitet wurden, war seine Stimme nur eine von vielen.

Während einige Gelehrte vermuten, dass Haydn von Mozart und Beethoven überschattet wurde, würde es so sein schwer zu übertreiben Haydns Zentralität für den neuen Stil und damit für die Zukunft der westlichen Kunstmusik als Ganzes. Zu der Zeit vor der Vormachtstellung von Mozart oder Beethoven und mit Johann Sebastian Bach vor allem Kennern von Keyboards bekannt Musik erreichte Haydn einen Platz in der Musik, der ihn über alle anderen Komponisten setzte, außer vielleicht George Frideric Handel aus der Barockzeit. Haydn nahm bestehende Ideen auf und veränderte ihre Funktionsweise radikal. Er erhielt die Titel „Vater der Symphonie“ und „Vater des Streichquartetts“.

Eine der Kräfte, die als Anstoß für sein Drücken dienten Vorwärts war die erste Bewegung der späteren Romantik – der Sturm und Drang- oder „Sturm- und Stress“ -Phase in den Künsten, einer kurzen Zeit, in der offensichtlicher und dramatischer Emotionalismus eine stilistische Präferenz war. Haydn wünschte sich dementsprechend einen dramatischeren Kontrast und emotional ansprechendere Melodien mit geschärftem Charakter und Individualität in seinen Stücken. Diese Zeit verblasste in Musik und Literatur: Sie beeinflusste jedoch das, was danach kam, und wurde schließlich in späteren Jahrzehnten Bestandteil des ästhetischen Geschmacks.

Die Farewell Symphony Nr. 45 in f-Moll ist ein Beispiel für Haydn Die Integration der unterschiedlichen Anforderungen des neuen Stils mit überraschend scharfen Kurven und einem langen, langsamen Adagio zum Abschluss der Arbeit.1772 vervollständigte Haydn sein Opus 20-Set mit sechs Streichquartetten, in dem er die polyphonen Techniken aus der vorherigen Barockzeit einsetzte, um strukturelle Kohärenz zu schaffen, die seine melodischen Ideen zusammenhalten kann. Für einige markiert dies den Beginn des „reifen“ klassischen Stils, in dem die Reaktionszeit gegen die spätbarocke Komplexität zu einer Zeit der Integration von barocken und klassischen Elementen führte.

1775–1790Edit

Haydn, der über ein Jahrzehnt als Musikdirektor für einen Prinzen gearbeitet hatte, verfügte über weitaus mehr Ressourcen und Möglichkeiten zum Komponieren als die meisten anderen Komponisten. Seine Position gab ihm auch die Möglichkeit, die Kräfte zu formen, die seine Musik spielen würden, da er qualifizierte Musiker auswählen konnte. Diese Gelegenheit wurde nicht verpasst, da Haydn, der ziemlich früh in seiner Karriere begann, versuchte, die Technik des Aufbaus und der Entwicklung von Ideen in seiner Musik voranzutreiben. Sein nächster wichtiger Durchbruch war das Opus 33-Streichquartett (1781), in dem die melodische und die harmonische Rolle zwischen den Instrumenten wechseln: Es ist oft momentan unklar, was Melodie und was Harmonie ist. Dies verändert die Art und Weise, wie sich das Ensemble zwischen dramatischen Übergangsmomenten und klimatischen Abschnitten bewegt: Die Musik fließt reibungslos und ohne offensichtliche Unterbrechung. Dann nahm er diesen integrierten Stil und begann, ihn auf Orchester- und Vokalmusik anzuwenden.

Haydns Geschenk an die Musik war eine Art zu komponieren, eine Art, Werke zu strukturieren, die gleichzeitig der herrschenden Ästhetik des neuen Stils entsprach . Ein jüngerer Zeitgenosse, Wolfgang Amadeus Mozart, brachte sein Genie in Haydns Ideen ein und wandte sie auf zwei der wichtigsten Genres des Tages an: die Oper und das virtuose Konzert. Haydn verbrachte einen Großteil seines Berufslebens als Hofkomponist Mozart wollte öffentlichen Erfolg im Konzertleben der Städte und spielte für die breite Öffentlichkeit. Dies bedeutete, dass er Opern schreiben und virtuose Stücke schreiben und aufführen musste. Haydn war kein Virtuose auf internationaler Tournebene und wollte auch keine Oper schaffen Werke, die viele Nächte vor einem großen Publikum gespielt werden konnten. Mozart wollte beides erreichen. Darüber hinaus hatte Mozart auch eine Vorliebe für chromatischere Akkorde (und größere Kontraste in der harmonischen Sprache im Allgemeinen), eine größere Liebe für die Schaffung eines Welter von Melodien in einem einzigen Werk und einer italienischeren Sensibilität in der Musik als Ganzes. Er fand, in Haydns Musik und später in seinem Studium der Polyphonie von JS Bach, das Mittel, um seine künstlerischen Begabungen zu disziplinieren und zu bereichern.

Mozart wurde schnell auf Haydn aufmerksam, der den neuen Komponisten begrüßte, seine Werke studierte und überlegte Der jüngere Mann war sein einziger wahrer Gleichaltriger in der Musik. In Mozart fand Haydn ein größeres Spektrum an Instrumenten, dramatischen Effekten und melodischen Ressourcen. Die Lernbeziehung bewegte sich in beide Richtungen. Mozart hatte auch großen Respekt vor dem älteren, erfahreneren Komponisten und wollte von ihm lernen.

Mozarts Ankunft in Wien im Jahr 1780 beschleunigte die Entwicklung des klassischen Stils. Dort nahm Mozart die Verschmelzung von italienischer Brillanz und germanischem Zusammenhalt auf, die sich seit 20 Jahren gebraut hatte. Sein eigener Geschmack für auffällige Brillanzen, rhythmisch komplexe Melodien und Figuren, lange Cantilena-Melodien und virtuose Schnörkel wurde mit einer Wertschätzung für formale Kohärenz und innere Verbundenheit verschmolzen. An diesem Punkt stoppten Krieg und wirtschaftliche Inflation den Trend zu größeren Orchestern und erzwangen die Auflösung oder Reduzierung vieler Theaterorchester. Dies drückte den klassischen Stil nach innen: nach größeren Ensemble- und technischen Herausforderungen – zum Beispiel nach Streuung der Melodie über Holzbläser oder nach Verwendung einer in Dritteln harmonisierten Melodie. Dieser Prozess stellte eine Prämie für kleine Ensemblemusik dar, die als Kammermusik bezeichnet wird. Dies führte auch zu einem Trend zu mehr öffentlichen Auftritten, was dem Streichquartett und anderen kleinen Ensemble-Gruppierungen einen weiteren Schub verlieh.

In diesem Jahrzehnt begann der öffentliche Geschmack zunehmend, Haydn und Mozart zu erkennen hatte einen hohen Standard der Zusammensetzung erreicht. Als Mozart 1781 im Alter von 25 Jahren ankam, waren die dominierenden Wiener Stile erkennbar mit der Entstehung des frühen klassischen Stils in den 1750er Jahren verbunden.Bis Ende der 1780er Jahre hatten sich bei den Komponisten, die Mozart und Haydn imitierten, Veränderungen in der Aufführungspraxis, das relative Ansehen von Instrumental- und Vokalmusik, technische Anforderungen an Musiker und stilistische Einheit etabliert. Während dieses Jahrzehnts komponierte Mozart seine berühmtesten Opern, seine sechs späten Symphonien, die zur Neudefinition des Genres beitrugen, und eine Reihe von Klavierkonzerten, die immer noch auf dem Höhepunkt dieser Formen stehen.

Ein Komponist, der Einfluss hatte Muzio Clementi, ein begabter virtuoser Pianist, der sich mit Mozart in einem musikalischen „Duell“ vor dem Kaiser verband, in dem sie jeweils am Klavier improvisierten und ihre Kompositionen aufführten, verbreitete den ernsteren Stil, den Mozart und Haydn geformt hatten. Clementis Sonaten für Klavier waren weit verbreitet und er wurde in den 1780er Jahren der erfolgreichste Komponist in London. Ebenfalls in London war zu dieser Zeit Jan Ladislav Dussek, der wie Clementi die Klavierbauer ermutigte, das Spektrum und andere Merkmale von zu erweitern ihre Instrumente und nutzten dann die neu eröffneten Möglichkeiten voll aus. Die Bedeutung Londons in der klassischen Zeit wird oft übersehen, aber es diente als Heimat der Broadwood-Fabrik für Klavierherstellung und als Basis für Komponisten, die zwar weniger Bemerkenswerter als die „Wiener Schule“, hatte einen entscheidenden Einfluss auf das, was später kam. Sie waren Komponisten vieler feiner Werke, die für sich selbst bemerkenswert waren. Londons Geschmack für Virtuosität hat möglicherweise die komplexe Passage und die erweiterten Aussagen zu Tonic und Dominant gefördert.

Um 1790–1820Edit

Als Haydn und Mozart mit dem Komponieren begannen, wurden Symphonien gespielt als einzelne Sätze – vor, zwischen oder als Zwischenspiele innerhalb anderer Werke – und viele von ihnen dauerten nur zehn oder zwölf Minuten; Instrumentalgruppen hatten unterschiedliche Spielstandards, und das Continuo war ein zentraler Bestandteil des Musikmachens.

In den vergangenen Jahren hatte sich die soziale Welt der Musik dramatisch verändert. Internationale Veröffentlichungen und Tourneen waren explosionsartig gewachsen, und es bildeten sich Konzertgesellschaften. Die Notation wurde spezifischer, aussagekräftiger – und die Schaltpläne für Werke wurden vereinfacht (und doch mehr 1790, kurz vor Mozarts Tod, mit seinem sich schnell ausbreitenden Ruf, war Haydn auf eine Reihe von Erfolgen vorbereitet, insbesondere auf seine späten Oratorien und Londoner Symphonien. Komponisten in Paris, Rom und ganz Deutschland wandten sich an Haydn und Mozart, um ihre Ideen zur Form zu erhalten.

In den 1790er Jahren entstand eine neue Generation von Komponisten, die um 1770 geboren wurde. Während sie mit den früheren Stilen aufgewachsen waren, hörten sie in den jüngsten Werken von Haydn und Mozart ein Mittel für mehr Ausdruck. 1788 ließ sich Luigi Cherubini in Paris nieder und komponierte 1791 Lodoiska, eine Oper, die ihn berühmt machte. Sein Stil spiegelt deutlich den reifen Haydn und Mozart wider, und seine Instrumentierung gab ihm ein Gewicht, das in der großen Oper noch nicht zu spüren war. Seine zeitgenössische Étienne Méhul erweiterte die instrumentalen Effekte mit seiner Oper Euphrosine et Coradin von 1790, aus der eine Reihe von Erfolgen hervorgingen. Der letzte Anstoß zum Wandel kam von Gaspare Spontini, der von zukünftigen romantischen Komponisten wie Weber, Berlioz und Wagner zutiefst bewundert wurde. Die innovative harmonische Sprache seiner Opern, ihre verfeinerte Instrumentierung und ihre „verketteten“ geschlossenen Zahlen (ein Strukturmuster, das später von Weber in Euryanthe übernommen und von ihm über Marschner an Wagner weitergegeben wurde) bildeten die Grundlage, auf der Französisch und Französisch Die deutsche romantische Oper hatte ihre Anfänge.

Das schicksalhafteste der neuen Generation war Ludwig van Beethoven, der 1794 seine nummerierten Werke mit drei Klaviertrios herausbrachte, die im Repertoire verbleiben. Etwas jünger als die anderen war Johann Nepomuk Hummel, obwohl er aufgrund seines jugendlichen Studiums bei Mozart und seiner einheimischen Virtuosität gleichermaßen erfolgreich war. Hummel studierte auch bei Haydn; Er war ein Freund von Beethoven und Franz Schubert. Er konzentrierte sich mehr auf das Klavier als auf jedes andere Instrument, und seine Zeit in London 1791 und 1792 führte 1793 zur Komposition und Veröffentlichung von drei Klaviersonaten, Opus 2, die idiomatisch Mozarts Techniken zur Vermeidung der erwarteten Trittfrequenz verwendeten, und Clementi „s manchmal modal unsichere virtuose Figuration. Zusammengenommen können diese Komponisten als Vorreiter eines umfassenden Stilwechsels und als Zentrum der Musik angesehen werden. Sie studierten die Werke des anderen, kopierten die Gesten des anderen in der Musik und benahmen sich gelegentlich wie streitsüchtige Rivalen.

Die entscheidenden Unterschiede zur vorherigen Welle zeigen sich in der Abwärtsverschiebung der Melodien, der zunehmenden Bewegungsdauer, der Akzeptanz von Mozart und Haydn als paradigmatisch, dem stärkeren Einsatz von Tastaturressourcen und der Verschiebung von „Gesang“ „Schreiben zu“ pianistischem „Schreiben, die wachsende Anziehungskraft der Moll- und Modal-Ambiguität und die zunehmende Bedeutung variierender Begleitfiguren, um“ Textur „als Element in der Musik voranzubringen. Kurz gesagt, die späte Klassik suchte nach Musik, die intern komplexer war. Das Wachstum von Konzertgesellschaften und Amateurorchestern, das die Bedeutung der Musik als Teil des bürgerlichen Lebens kennzeichnete, trug zu einem boomenden Markt für Klaviere, Klaviermusik und Virtuosen bei, die als Vorbilder dienen sollten. Hummel, Beethoven und Clementi waren alle für ihre Improvisation bekannt.

Der direkte Einfluss des Barock ließ weiter nach: Der figurierte Bass wurde weniger bekannt, um die Leistung zusammenzuhalten, die Aufführungspraktiken der Mitte Das 18. Jahrhundert starb weiter aus. Gleichzeitig wurden jedoch vollständige Ausgaben von Barockmeistern verfügbar, und der Einfluss des Barockstils nahm weiter zu, insbesondere bei der immer expansiveren Verwendung von Messing. Ein weiteres Merkmal dieser Zeit ist die wachsende Zahl von Aufführungen, bei denen der Komponist nicht anwesend war. Dies führte zu mehr Detailgenauigkeit und Spezifität in der Notation; Zum Beispiel gab es weniger „optionale“ Stimmen, die getrennt von der Hauptpartitur standen.

Die Kraft dieser Verschiebungen wurde bei Beethovens 3. Symphonie unter dem Namen Eroica deutlich, was italienisch für „heroisch“ bedeutet „, vom Komponisten. Wie bei Strawinskys“ The Rite of Spring „war es vielleicht nicht das erste seiner Innovationen, aber seine aggressive Verwendung jedes Teils des klassischen Stils unterscheidet es von seinen zeitgenössischen Werken: in der Länge , Ehrgeiz und harmonische Ressourcen.