음악의 역사

중세 음악 편집

음악 생활 동안 의심 할 여지없이 중세 초기에 악기의 예술적 묘사, 음악에 대한 저술 및 기타 기록으로 증명 되었 듯이 800 년 이전부터 현재까지 살아남은 유일한 음악 레퍼토리는 로마 가톨릭 교회의 평야 전례 음악입니다. , 가장 큰 부분은 그레고리오 성가라고합니다. 음악 레퍼토리에 그의 이름을 지어준 교황 그레고리 1 세는 자신이 작곡가 였을지 모르지만, 일반적으로 그의 기여 날짜에 대한 자세한 내용을 제공하는 출처는 더 많은 출처에서 현재 형식으로 전례의 음악 부분의 창시자라고 주장합니다. 그의 죽음 이후 100 년이 넘었습니다. 많은 학자들은 그의 명성이 전설에 의해 과장되었다고 믿습니다. 성가 레퍼토리의 대부분은 그레고리와 샤를 마뉴 시대 사이의 수세기 동안 익명으로 작곡되었습니다.

9 세기 동안 몇 가지 중요한 발전이있었습니다. 첫째, 교회는 많은 성가 전통을 통합하고 그레고리오 전례에 찬성하여 많은 성가 전통을 억압하기 위해 큰 노력을 기울였습니다. 둘째, 가장 초기의 다성 음악은 오르가 넘으로 알려진 병렬 노래의 한 형태로 불려졌습니다. 셋째, 음악사에서 가장 중요한 의미를 지닌 기보법은 약 500 년이 지난 후에 재창조되었지만, 현대 음악가들이 당연한 것으로 생각하는 정확성과 유연성을 갖춘 음조 및 리듬 기보법 시스템이 발전하기까지는 수세기가 더 걸릴 것입니다.

1100 년 이후 여러 폴리포니 학교가 번성했습니다. St. Martial of organum 학교는 음악이 단일 서스테인 라인에서 빠르게 움직이는 부분이 특징입니다. 작곡가 Léonin과 Pérotin을 포함하고 1200 년경에 두 부분 이상을위한 첫 번째 음악을 제작 한 Notre Dame polyphony 학교; 갈리시아의 산티아고 데 콤포 스텔라 (Santiago de Compostela)의 음악적 녹지. 많은 전통의 음악가들이 중세 후반에 모였으며 코덱스 Calixtinus에서도 살아남은 곳입니다. 그리고 영어 학교, 그 음악은 Worcester Fragments와 Old Hall Manuscript에 남아 있습니다. 이러한 성스러운 음악 학교와 함께 트루 바 두르, 트루 베르, 미네 상 저의 음악에서 예시 된 바와 같이 세속적 인 노래의 활기찬 전통이 발전했습니다. 초기 르네상스 시대의 후기 세속 음악의 대부분은 트루 바 두르, 궁중 시인 및 순회 음악가의 형식, 아이디어 및 음악적 미학에서 진화했습니다. 이들의 문화는 13 세기 초 알 비겐 스 십자군에서 대부분 멸절되었습니다.

13 세기 후반에 개발 된 성스러운 음악의 형태로는 모테트, 전도, 디스 컨트, 클라우스 라가 있습니다. 특이한 발전 중 하나는 가이슬러 리더 (Geisslerlieder) 였는데, 두 기간 동안 방랑하는 편모 밴드의 음악이었습니다. 13 세기 중반 (교회에 의해 억압 될 때까지); 흑사병 기간과 직후 인 1350 년경 그들의 활동이 생생하게 기록되고 악보로 잘 기록 된 기간. 그들의 음악은 민요 스타일과 참회 또는 종말 텍스트를 혼합했습니다. 유럽 음악사에서 14 세기는 아르 노바 (ars nova)의 스타일이 지배적입니다. 아르 노바 (ars nova) 스타일은 초기 르네상스 시대의 이상과 미학과 공통점이 많았음에도 불구하고 관습에 따라 음악에서 중세 시대와 그룹화됩니다. 당시 살아남은 음악의 대부분은 세속적이며 같은 이름의 시적 형식에 해당하는 발라드, 비 렐라이, 라이, 론도 등 형식 수정을 사용하는 경향이 있습니다. 이러한 형식의 대부분의 곡은 악기 반주와 함께 1 ~ 3 개의 음색을위한 것입니다. 유명한 작곡가로는 Guillaume de Machaut와 Francesco Landini가 있습니다.

르네상스 음악 편집

음악의 르네상스는 다른 예술에서 르네상스의 시작만큼 명확하게 표시되지 않으며 다른 예술과 달리 이탈리아에서 시작되지 않았지만 북유럽, 특히 현재 중부 및 북부 프랑스로 구성된 지역에서 시작되었습니다. 네덜란드 및 벨기에. 부르고뉴 작곡가의 스타일은 프랑코-플랑 드족 학교의 1 세대로 알려져 있으며, 처음에는 14 세기 후반 ars subtilior의 과도한 복잡성과 예의 바른 스타일에 대한 반응이었으며 명확하고 노래 할 수있는 멜로디와 균형 잡힌 다 성음을 포함했습니다. 모든 목소리. 15 세기 중반 부르고뉴 학교의 가장 유명한 작곡가는 Guillaume Dufay, Gilles Binchois, Antoine Busnois입니다.

15 세기 중반에 저지대와 인접 지역의 작곡가와 가수들이 유럽 전역, 특히 이탈리아로 퍼지기 시작하여 교황 예배당과 예술의 귀족 후원자들이 고용했습니다. (예 : Medici, Este 및 Sforza 가족). 그들은 그들과 함께 그들의 스타일을 가지고 있었다 : 적절하게 신성한 또는 세속적 인 사용을 위해 조정될 수있는 부드러운 폴리포니. 당시 성스러운 음악 작곡의 주된 형태는 미사, 모테트, 우등이었다. 세속적 형식에는 샹송, 프로 톨라, 나중에 마드리갈이 포함되었습니다.

인쇄의 발명은 음악 스타일의 보급에 막대한 영향을 미쳤으며 프랑코-플랑 드족 음악가의 움직임과 함께 샤를 마뉴의 그레고리오 성가가 통일 된 이래 유럽 음악에서 최초의 진정한 국제적인 스타일의 확립. Franco-Flemish 학교 중반 세대의 작곡가에는 다양한 질감과 정교하게 표준 장치를 사용하는 복잡한 스타일로 음악을 작곡 한 Johannes Ockeghem이 포함되었습니다. Jacob Obrecht, 15 세기의 마지막 수십 년 동안 가장 유명한 대중 작곡가 중 한 사람. 그리고 Palestrina 이전에 유럽에서 가장 유명한 작곡가이자 16 세기 동안 어떤 형태로든 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 유명했던 Josquin des Prez. Josquin 이후 세대의 음악은 대위법의 복잡성을 증가 시켰습니다. 아마도 가장 극단적 인 표현은 Nicolas Gombert의 음악에있을 것입니다. 콘트라 펀트의 복잡성이 canzona 및 ricercar와 같은 초기 기악에 영향을 미쳤으며 궁극적으로 바로크 푸갈 형식으로 절정에 달했습니다.

16 세기 중반까지 , 국제적인 스타일이 무너지기 시작했고, 매우 다양한 스타일의 트렌드가 분명해졌습니다. 지오반니 피에르 루이지 다 팔레스트리나의 음악에 예시 된 트렌트의 반개혁위원회의 지시에 따라 신성한 음악의 단순성을 향한 트렌드; Luzzaschi의 Ferrara School과 후기 세기의 madrigalist Carlo Gesualdo의 아방가르드 스타일에서 극단적 인 표현에 도달 한 madrigal의 복잡성과 색채에 대한 추세; 그리고 베네치아 학교의 웅장하고 경쾌한 음악은 바실리카 산 마르코 디 베네치아의 건축물을 사용하여 반 음성 대조를 만들었습니다. 베네치아 학교의 음악에는 오케스트레이션, 장식 된 악기 부분 및 연속베이스 부분의 개발이 포함되었으며, 모두 1600 년경 수십 년 동안 발생했습니다. 베니스의 유명한 작곡가로는 가브리엘리스, 안드레아, 조반니, 클라우디오가 포함됩니다. 시대 말기에 가장 중요한 혁신가 중 하나 인 몬테 베르디.

유럽의 대부분 지역은 세기 말까지 활동적이고 잘 차별화 된 음악 전통을 가졌습니다. 영국에서는 Thomas Tallis와 William Byrd와 같은 작곡가가 대륙에서 쓴 것과 비슷한 스타일로 신성한 음악을 썼고, 활발한 집에서 자란 madrigalists 그룹은 이탈리아 형식을 영어 취향에 맞게 조정했습니다. 유명한 작곡가로는 Thomas Morley, John Wilbye가 있습니다. 그리고 Thomas Weelkes. 스페인은 자체적으로 기악 및 보컬 스타일을 개발했으며 Tomás Luis de Victoria는 Palestrina와 유사한 세련된 음악을 작곡하고 다른 수많은 작곡가가 새로운 기타를 작곡했습니다. 독일은 신성한 음악의 기초로 로마 가톨릭 그레고리오 성가를 대체하고 베네치아 학교의 스타일을 도입 한 프로테스탄트 합창단을 기반으로 한 다성 형식을 개발했습니다 (그 외모는 바로크 시대의 시작을 정의한 것입니다). 또한 독일 작곡가들은 엄청난 양의 오르간 음악을 썼고 J.S.의 작업에서 절정에 달한 후기 바로크 오르간 스타일의 기초를 확립했습니다. 바흐. 프랑스는 세속적 인 샹송에서 사용되는 musique mesurée로 알려진 독특한 스타일의 음악 사전을 개발했으며, Guillaume Costeley와 Claude Le Jeune과 같은 작곡가가 악장에서 두드러졌습니다.

당시 가장 혁명적 인 운동 중 하나였습니다. 역설적이게도 반동적 의도를 가지고 있던 피렌체 카메라타 (Florentine Camerata)의 작품과 함께 1570 년대와 1580 년대 피렌체에 자리를 잡았습니다. 그들의 목표는 현대의 음악적 타락으로 보았던 것에 불만을 품고 고대 그리스인의 음악을 복원하는 것이 었습니다. 그 중 최고는 천문학 자의 아버지 인 빈센조 갈릴레이와 줄리오 카치니였다. 그들의 노력의 결실은 모노디 (monody)로 알려진 선율적인 노래 스타일과 그에 상응하는 무대극 형식 (오늘날 오페라로 알려진 형식)이었다. 1600 년경에 쓰여진 첫 번째 오페라는 또한 르네상스의 끝과 바로크 시대의 시작을 정의합니다.

1600 이전의 음악은 음조보다는 모달이었습니다. Gioseffo Zarlino와 Franchinus Gaffurius의 모드 스케일에 관한 글과 같은 16 세기 후반의 몇 가지 이론적 발전은 일반 연습 음조의 개발로 직접 이어졌습니다.메이저 스케일과 마이너 스케일은 구 교회 모드를 지배하기 시작했는데, 처음에는 작곡의 종 지점에서 가장 분명했지만 점차 널리 퍼졌습니다. 바로크 시대의 음조 음악으로 시작된 1600 년 이후의 음악은 종종 일반 연습 기간에 속하는 것으로 언급됩니다.

바로크 음악 편집

J.S. 바흐
토카타와 푸가

바로크 시대는 바로크 예술로서 1600 년부터 1750 년까지 진행되었습니다. 스타일은 유럽 전역에서 번성했으며이 기간 동안 음악의 범위와 복잡성이 확장되었습니다. 바로크 음악은 최초의 오페라 (오케스트라와 함께하는 극적 독주 성악)가 작곡되었을 때 시작되었습니다. 바로크 시대에는 여러 개의 독립적 인 멜로디 라인이 동시에 사용되는 동시성 콘트라 푼탈 음악이 여전히 중요했습니다 (중세 시대의 성악에서는 역점이 중요했습니다). 독일어, 이탈리아어, 프랑스어, 네덜란드어, 폴란드어, 스페인어, 포르투갈어 및 영어 바로크 작곡가는 현악기, 금 관악기, 목 관악기 등 소규모 앙상블뿐만 아니라 파이프 오르간, 하프시 코드 및 클라비코드와 같은 합창단 및 건반 악기를 위해 작곡했습니다. 이 기간 동안 푸가, 발명품, 소나타 및 협주곡을 포함하여 확장되고 더 발전한 후기 기간으로 지속되는 몇 가지 주요 음악 형식이 정의되었습니다. 후기 바로크 양식은 다 성적으로 복잡하고 풍성하게 장식되었습니다. 바로크 시대의 중요한 작곡가로는 Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann 및 Antonio Vivaldi가 있습니다.

Classical music eraEdit

고전 시대의 음악은 동음이의 질감 또는 반주가있는 명백한 멜로디가 특징입니다. 이 새로운 멜로디는 거의 목소리와 비슷하고 노래 할 수있는 경향이있어 작곡가가 실제로 음악의 초점으로 가수를 대체 할 수 있습니다. 따라서 기악은 오페라와 기타 노래 형식 (예 : 오라토리오)을 음악 청중이 가장 좋아하는 형식이자 훌륭한 작곡의 전형으로 빠르게 대체했습니다. 그러나 오페라는 사라지지 않았습니다. 고전 시대에 여러 작곡가가 일반 대중을 위해 모국어로 오페라를 제작하기 시작했습니다 (이전 오페라는 일반적으로 이탈리아어로 작성되었습니다).

음성의 점진적인 변위와 함께 더 강하고 선명한 멜로디를 선호하는 대위법은 일반적으로 작품의 끝 부분이나 단일 무브먼트에 자주 사용되는 장식적인 번창이되었습니다. 대신 아르페지오와 같은 단순한 패턴과 피아노 음악에서 Alberti베이스 (반주 일반적으로 왼손에 반복되는 패턴)은 혼란스러운 추가 목소리를 만들지 않고 작품의 움직임에 활기를 불어 넣는 데 사용되었습니다. 이제 인기있는 기악은 소나타, 교향곡 및 음악과 같은 몇 가지 잘 정의 된 형식에 의해 지배되었습니다. 협주곡, 이들 중 어느 것도 팀에서 특별히 정의되거나 가르쳐지지는 않았지만 e 그들은 지금 음악 이론에 있습니다. 세 가지 모두 소나타 형식에서 파생되는데, 이는 전체 작업의 위에 놓인 형식이자 단일 무브먼트의 구조입니다. 소나타 형식은 고전 시대에 성숙하여 19 세기에 걸쳐 악기 작곡의 기본 형식이되었습니다.

초기 고전 시대는 Johann Stamitz, Franz Xaver Richter와 같은 작곡가를 포함하는 만하임 학교에 의해 시작되었습니다. , Carl Stamitz 및 Christian Cannabich. 그것은 Joseph Haydn과 그를 통해 이후의 모든 유럽 음악에 깊은 영향을 미쳤습니다. 볼프강 아마데우스 모차르트는 고전 시대의 중심 인물이었으며, 모든 장르에서 그의 경이롭고 다양한 출력은 시대에 대한 우리의 인식을 정의합니다. Ludwig van Beethoven과 Franz Schubert는 과도기적 작곡가로 낭만주의 시대로 이어져 기존 장르, 형식, 음악 기능까지 확장했습니다.

Romantic musicEdit

낭만주의 시대에 음악은 더욱 표현력 있고 감성적이었으며 문학, 예술 및 철학을 포함하도록 확장되었습니다. 유명한 초기 낭만주의 작곡가로는 슈만, 쇼팽, 멘델스존, 벨리니, 도니제티, 베를리오즈가 있습니다. 19 세기 후반에는 오케스트라의 규모와 도시 사회의 일부로서 콘서트의 역할이 극적으로 확장되었습니다.세기 후반의 유명한 작곡가로는 Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi 및 Wagner가 있습니다. 1890 년에서 1910 년 사이에 Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini, Sibelius를 포함한 제 3의 작곡가가 중반 낭만주의 작곡가의 작품을 기반으로하여 훨씬 더 복잡하고 종종 훨씬 더 긴 음악 작품을 제작했습니다. 19 세기 후반 음악의 두드러진 특징은 Dvořák, Sibelius 및 Grieg와 같은 인물이 예시하는 것처럼 민족 주의적 열정입니다. 다른 유명한 후기 인물로는 Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy 및 Rimsky-Korsakov가 있습니다.

20 세기 및 21 세기 음악 편집

모든 종류의 음악 또한 점점 더 이식 가능해졌습니다. 20 세기에는 라디오가 전 세계적으로 인기를 얻고 음악을 녹음, 캡처, 재생 및 배포하기위한 새로운 미디어 및 기술이 개발됨에 따라 음악 청취에 혁명이있었습니다. 음악 공연은 공연의 방송과 녹음으로 점점 더 시각적이되었습니다.

20 세기 음악은 이전 시대의 음악 규칙에 도전 한 새로운 음악 스타일과 형식으로 새로운 자유와 광범위한 실험을 가져 왔습니다. 20 세기 중반 음악 증폭 및 전자 악기, 특히 신디사이저의 발명은 클래식 및 대중 음악에 혁명을 일으켰고 새로운 형태의 음악 개발을 가속화했습니다.

클래식 음악의 경우 두 개의 기본 학교가 있습니다. 세기의 과정을 결정했습니다 : Arnold Schoenberg와 Igor Stravinsky의 과정.