고전 시대 (음악)

바로크 / 클래식 전환 c. 1730–1760 편집

그의 책 The Classical Style에서 작가이자 피아니스트 인 Charles Rosen은 1755 년부터 1775 년까지 작곡가들이 모색했다고 주장합니다. 보다 효과적으로 드라마틱 한 새로운 스타일을 위해. 하이 바로크 시대에 극적인 표현은 개인의 감정 표현 ( “애정의 교리”또는 로젠이 “극적인 감정”이라고 부르는 것)으로 제한되었습니다. 예를 들어, Handel의 오라토리오 Jephtha에서 작곡가는 4 중주 “O, 너의 딸을 살려라”에서 각 캐릭터에 대해 하나씩 4 개의 감정을 개별적으로 렌더링합니다. 결국 개별 감정의 묘사는 단순하고 비현실적으로 보이게되었습니다. 작곡가들은 하나의 캐릭터 또는 움직임 ( “극적인 행동”) 내에서 동시에 또는 점진적으로 여러 감정을 묘사합니다. 따라서 Mozart의 Die Entführung aus dem Serail 2 막의 피날레에서 연인들은 “기쁨에서 의심과 분노를 통해 최종 화해. “

음악적으로 말하면이”극적인 액션 “에는 더 많은 음악적 다양성이 필요했습니다. 바로크 음악은 개별적인 움직임과 대체로 균일 한 텍스처 내에서 매끄러운 흐름이 특징 인 반면, High Baroque 이후 작곡가는 텍스처, 다이내믹, 하모니 또는 템포의 갑작스러운 변화로이 흐름을 중단하려고했습니다. High Baroque 이후의 문체 개발 중 가장 극적인 것은 Empfindsamkeit (대략 “민감한 스타일”)로 불리게되었으며 가장 잘 알려진 실무자는 Carl Philipp Emmanuel Bach였습니다. 이 스타일의 작곡가들은 위에서 논의한 중단을 가장 갑작스럽게 사용했으며 음악은 때때로 비논리적으로 들릴 수 있습니다. 이탈리아의 작곡가 Domenico Scarlatti는 이러한 발전을 더욱 발전 시켰습니다. 그의 500 개가 넘는 단일 동작 건반 소나타에도 갑작스러운 질감의 변화가 포함되어 있지만 이러한 변화는 고전적인 스타일의 특징이 된 시대, 균형 잡힌 문구로 구성됩니다. 그러나 Scarlatti의 질감 변화는 여전히 갑작스럽고 준비되지 않은 것처럼 들립니다. 위대한 클래식 작곡가 (Haydn, Mozart 및 Beethoven)의 뛰어난 업적은 이러한 극적인 놀라움을 논리적으로 동기 부여 된 소리로 만들어 “표현력과 우아함이 손을 잡으세요. “

JS 바흐의 죽음과 하이든과 모차르트의 성숙 (대략 1750-1770) 사이에 작곡가들은 바흐의 아들들의 음악에서 볼 수있는 이러한 새로운 아이디어를 실험했습니다. . Johann Christian은 더 단순한 질감과 하모니로 구성된 “매력적이고 비극적이며 약간 비어있는”스타일을 현재 우리가 Roccoco라고 부르는 스타일을 개발했습니다. 앞서 언급했듯이 Carl Philipp Emmanuel은 드라마를 늘리려 고했으며 그의 음악은 “폭력적이고, 표현력이 풍부하고, 훌륭하고, 지속적으로 놀랍고, 종종 일관성이 없었습니다.” 그리고 마지막으로 Wilhelm Friedemann, J.S. 바흐의 장남은 관용적이고 색다른 방식으로 바로크 전통을 확장했습니다.

처음에는 새로운 스타일이 바로크 양식 (삼진 다 카포 아리아, 신포니아 및 협주곡)을 대신했지만 더 단순한 부분으로 구성되었습니다. , 바로크 시대에 흔히 볼 수 있었던 즉석 장식보다 더 많이 표기된 장식이고, 조각을 섹션으로 더 강하게 나누었습니다. 그러나 시간이 지남에 따라 새로운 미학은 조각을 조립하는 방법과 기본 형식 레이아웃에 급진적 인 변화를 가져 왔습니다. 이시기의 작곡가들은 극적인 효과, 눈에 띄는 멜로디, 더 선명한 질감을 추구했습니다. 큰 텍스처 변화 중 하나는 바로크의 복잡하고 조밀 한 폴리 포닉 스타일에서 벗어나 여러 줄의 멜로디 라인을 동시에 연주하는 것입니다. 호모포니, 코드와 함께 선명한 단일 멜로디 라인을 사용하는 더 가벼운 텍스처입니다.

바로크 음악은 일반적으로 구조에 덜 초점을 맞춘 많은 하모닉 판타지와 폴리 포닉 섹션을 사용합니다. 음악적 표현에 대한 강조가 적고 명확한 음악적 표현이 덜 강조되었습니다. 고전 시대에는 하모니가 더 단순 해졌습니다. 그러나 작품의 구조, 구절, 작은 선율 또는 리드미컬 한 동기가 바로크 시대보다 훨씬 더 중요해졌습니다.

과거와의 또 다른 중요한 단절은 크리스토프 윌리 발드 글럭 (Christoph Willibald Gluck)이 오페라를 급진적으로 개편 한 것이 었는데, 그는 많은 레이어링과 즉흥적 인 장식을 잘라 내고 변조와 전환점에 초점을 맞추 었습니다.하모니가 변화하는 순간을 더욱 집중시킴으로써 그는 음악의 감성적 인 색채에 강력한 극적인 변화를 가능하게했다. 이러한 전환을 강조하기 위해 그는 악기 (오케스트레이션), 멜로디 및 모드의 변경 사항을 사용했습니다. 당시 가장 성공적인 작곡가 중 한 명인 Gluck은 Antonio Salieri를 비롯한 많은 에뮬레이터를 탄생 시켰습니다. 접근성에 대한 그들의 강조는 오페라와 노래, 오라토리오, 코러스와 같은 다른 성악에서 큰 성공을 거두었습니다. 이들은 공연에서 가장 중요한 종류의 음악으로 간주되어 대중에게 가장 큰 성공을 거두었습니다.

바로크와 클래식 (1730 년경)의 부상 사이의 단계는 다양한 경쟁 음악 스타일의 본거지였습니다. 예술적 경로의 다양성은 요한 세바스티안 바흐의 아들들로 대표됩니다. 바로크 양식의 전통을 개인적인 방식으로 이어온 빌헬름 프리 데만 바흐; 바로크 양식의 질감을 단순화하고 모차르트에 가장 분명하게 영향을 준 Johann Christian Bach; 그리고 Empfindsamkeit 운동의 열정적이고 때로는 격렬하게 기이 한 음악을 작곡 한 Carl Philipp Emanuel Bach. 음악 문화는 교차로에서 잡혔습니다. 이전 스타일의 마스터는 기술을 가지고 있었지만 대중은 새로운 것을 갈망했습니다. 이것이 CPE Bach가 그토록 높은 평가를받은 이유 중 하나입니다. 그는 이전 형식을 아주 잘 이해했으며 향상된 다양한 형식으로 새로운 복장으로 표현하는 방법을 알고있었습니다.

1750–1775Edit

1750 년대 후반에는 이탈리아, 비엔나, 만하임 및 파리에 새로운 스타일의 중심지가 번성했습니다. 수십 개의 교향곡이 작곡되었고 뮤지컬 극장과 관련된 연주자 밴드가있었습니다. 오페라 또는 오케스트라가 동반하는 기타 성악은 대부분의 음악 행사의 특징이었으며, 협주곡과 교향곡 (전곡에서 발생)은 오페라와 교회 예배를위한 기악의 막간과 서론으로 사용되었습니다. 고전 기간 동안 교향곡과 협주곡이 성악과 별도로 개발되고 발표되었습니다.

“일반적인”오케스트라 앙상블 (바람에 의해 보충되는 현악기)과 움직임 특별한 리드미컬 한 캐릭터는 1750 년대 후반 비엔나에서 설립되었습니다. 그러나 작품의 길이와 무게는 여전히 몇 가지 바로크 특성으로 설정되었습니다. 개별 동작은 여전히 하나의 “영향”(음악적 분위기)에 초점을 맞추거나 뚜렷하게 대조되는 중간 부분이 하나 뿐이며 길이는 바로크 동작보다 크게 크지 않았습니다. 새로운 스타일로 구성하는 방법에 대한 명확한 이론은 아직 없습니다. 돌파구가 될 무르 익은 순간이었습니다.

스타일의 첫 번째 거장은 작곡가 Joseph Haydn입니다. 1750 년대 후반에 그는 교향곡을 작곡하기 시작했고 1761 년에 그는 현대 모드에서 단단하게 삼부작 (아침, 정오, 저녁)을 작곡했습니다. 부통령 Kapellmeister와 나중에 Kapellmeister로서 그의 출력은 확장되었습니다. 그는 1760 년대에만 40 개 이상의 교향곡을 작곡했습니다. 그리고 그의 오케스트라가 확장되고 그의 작곡이 복사되고 전파됨에 따라 그의 명성이 커졌지 만 그의 목소리는 많은 사람들 중 하나에 불과했습니다.

일부 학자들은 하이든이 모차르트와 베토벤에 의해 가려 졌다고 제안하지만, 새로운 스타일과 서양 예술 음악의 미래에 대한 하이든의 중심성을 과장하기는 어렵습니다. 당시 모차르트 나 베토벤의 탁월함 이전과 주로 키보드 전문가로 알려진 요한 세바스티안 바흐와 함께 음악, 하이든은 아마도 바로크 시대의 조지 프리 데릭 헨델을 제외하고는 그를 다른 모든 작곡가들보다 우위에 두는 음악계에 도달했습니다. 하이든은 기존의 아이디어를 취하여 기능을 근본적으로 변경하여 “교향곡의 아버지”와 “현악 4 중주의 아버지”라는 칭호를 얻었습니다.

그의 압박을 촉진하는 힘 중 하나입니다. 포워드는 나중에 낭만주의라고 불리는 것, 즉 Sturm und Drang, 즉 예술의 “폭풍과 스트레스”단계의 첫 번째 감동이었습니다. 단기간에 명백하고 극적인 감정주의가 문체 선호가있었습니다. 따라서 하이든은 그의 작품에서 날카로 워진 성격과 개성과 함께 더 극적인 대조와 감정적으로 더 매력적인 멜로디를 원했습니다. 이 기간은 음악과 문학에서 사라졌습니다. 그러나 이후에 영향을 미쳤으며 이후 수십 년 동안 미적 취향의 구성 요소가 될 것입니다.

F♯ Minor의 45 번 Farewell Symphony는 하이든을 예증합니다. “놀라운 날카로운 회전과 긴 느린 아다지오와 함께 새로운 스타일의 다양한 요구 사항을 통합하여 작업을 끝냅니다.1772 년 하이든은 현악 사중주 6 개로 구성된 Opus 20 세트를 완성했으며, 여기에서 이전 바로크 시대에서 수집 한 폴리 포닉 기법을 사용하여 그의 멜로디 아이디어를 결합 할 수있는 구조적 일관성을 제공했습니다. 일부에게 이것은 “성숙한”고전 스타일의 시작을 표시합니다.이시기는 후기 바로크의 복잡성에 대한 반응 기간이 바로크와 고전적 요소의 통합 기간으로 이어졌습니다.

1775–1790Edit

왕자의 음악 감독으로 10 년 넘게 일한 하이든은 대부분의 다른 작곡가보다 작곡에 훨씬 더 많은 자원과 범위를 가졌습니다. 그의 지위는 또한 그는 숙련 된 음악가를 선택할 수 있었기 때문에 그의 음악을 연주 할 힘을 형성 할 수있는 능력을 부여했습니다. 그의 경력 초기에 시작된 Haydn은 자신의 음악에서 아이디어를 구축하고 개발하는 기술을 추진하려고했기 때문에이 기회는 낭비되지 않았습니다. 그의 다음으로 중요한 돌파구는 Opus 33 현악 4 중주 (1781)로, 멜로디와 하모닉 역할이 악기 사이에서 분리됩니다. 멜로디와 화음이 무엇인지는 순간적으로 불분명 한 경우가 많습니다. 이로 인해 극적인 전환 순간과 절정 섹션 사이에서 앙상블이 작동하는 방식이 바뀝니다. 음악이 매끄럽고 뚜렷한 중단없이 흐릅니다. 그런 다음 그는이 통합 된 스타일을 오케스트라와 성악에 적용하기 시작했습니다.

Haydn의 음악에 대한 선물은 작곡 방법이자 작업을 구성하는 방법이었으며 동시에 새로운 스타일의 지배적 인 미학에 부합했습니다. . 그러나 젊은 현대인 볼프강 아마데우스 모차르트 (Wolfgang Amadeus Mozart)는 그의 천재성을 하이든의 아이디어에 가져와 그날의 두 가지 주요 장르 인 오페라와 거장 협주곡에 적용했습니다. 하이든은 그의 직장 생활의 대부분을 궁중 작곡가로 보냈습니다. , Mozart는 일반 대중을 위해 연주하는 도시의 콘서트 생활에서 대중의 성공을 원했습니다. 이는 그가 오페라를 쓰고 거장 작품을 쓰고 연주해야 함을 의미했습니다. 하이든은 국제 투어 수준에서 거장이 아니었고 오페라를 창조하려고하지도 않았습니다. 많은 청중 앞에서 밤새 연주 할 수있는 작품. 모차르트는 두 가지를 모두 달성하기를 원했습니다. 또한 모차르트는 더 많은 색채 화음 (일반적으로 조화 언어에서 더 큰 대비)을 좋아했고, 멜로디를 만드는 데 더 큰 사랑을 받았습니다. 한 작품에서, 그리고 음악 전체에 대한 이탈리아 인의 감성을 발견했습니다. 그는 하이든의 음악에서 발견했고 나중에는 JS의 폴리포니 연구에서 바흐, 그의 예술적 재능을 훈련하고 풍요롭게하는 수단.

모차르트는 신인 작곡가를 환영하고 그의 작품을 연구하고 청년은 그의 유일한 진정한 음악 동료입니다. 모차르트에서 하이든은 더 넓은 범위의 악기, 극적인 효과 및 멜로디 자료를 발견했습니다. 학습 관계는 양방향으로 이동했습니다. 모차르트는 또한 나이가 많고 경험이 많은 작곡가에 대해 큰 존경심을 보였습니다. 그에게서 배우고 자했습니다.

모차르트가 1780 년 비엔나에 도착하여 고전 양식의 발전을 가속화했습니다. 그곳에서 모차르트는 지난 20 년 동안 양조해온 이탈리아의 광채와 게르만 응집력의 융합을 흡수했습니다. 화려한 광채, 리드미컬하게 복잡한 멜로디와 인물, 긴 칸틸 레나 멜로디, 거장 번영에 대한 그의 취향은 형식적 일관성과 내부 연결성에 대한 감사와 합쳐졌습니다. 이 시점에서 전쟁과 경제적 인플레이션이 대규모 오케스트라에 대한 추세를 멈 췄고 많은 연극 오케스트라의 해체 또는 축소를 강요했습니다. 이것은 클래식 스타일을 안쪽으로 밀어 붙였습니다. 예를 들어 목관 악기에 멜로디를 분산 시키거나 3 분의 1로 조화 된 멜로디를 사용하는 등 더 큰 앙상블과 기술적 도전을 추구하는 방향으로 향했습니다. 이 과정은 실내악이라고 불리는 작은 앙상블 음악에 프리미엄을 두었습니다. 또한 더 많은 대중 공연을위한 추세로 이어졌고 현악 4 중주 및 기타 소규모 앙상블 그룹이 더욱 강화되었습니다.

이 10 년 동안 대중의 취향이 점점 더 하이든과 모차르트를 인식하기 시작했습니다. 높은 수준의 구성에 도달했습니다. 1781 년 모차르트가 25 세에 도착했을 때 비엔나의 지배적 인 스타일은 1750 년대 초기 고전 스타일의 출현과 잘 연결되어있었습니다.1780 년대 말까지 모차르트와 하이든을 모방 한 작곡가들은 연주 연습의 변화, 기악 및 성악의 상대적 위치, 음악가에 대한 기술적 요구, 문체 적 통일성이 확립되었습니다. 이 10 년 동안 모차르트는 가장 유명한 오페라, 장르를 재정의하는 데 도움이 된 6 개의 후기 교향곡, 이러한 형식의 정점에있는 피아노 협주곡을 작곡했습니다.

영향력이있는 한 작곡가 모차르트와 하이든이 형성 한보다 진지한 스타일을 퍼뜨리는 것은 재능있는 거장 피아니스트 인 무지 오 클레멘티 (Muzio Clementi)는 황제 이전에 음악 “결투”에서 모차르트와 함께 피아노를 즉흥 연주하고 작곡을 수행했습니다. Clementi의 피아노 소나타는 널리 퍼졌고 1780 년대 런던에서 가장 성공적인 작곡가가되었습니다.이 당시 런던에서도 Clementi와 마찬가지로 피아노 제작자에게 음역과 기타 기능을 확장하도록 장려 한 Jan Ladislav Dussek이있었습니다. 클래식 시대에 런던의 중요성은 간과되는 경우가 많지만 피아노 제조를위한 Broadwood 공장의 본거지이자 작곡가의 기반 역할을했습니다. “비엔나 학교”보다 주목할만한 것은 나중에 오는 것에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 그들은 그 자체로 주목할만한 많은 훌륭한 작품의 작곡가였습니다. 런던의 기교에 대한 취향은 복잡한 구절 작업을 장려하고 강장제와 지배적에 대한 진술을 확장했을 수 있습니다.

1790 ~ 1820 년경 편집

하이든과 모차르트가 작곡을 시작했을 때 교향곡이 연주되었습니다. 단일 악장 (전, 사이 또는 다른 작품의 중간)으로, 그 중 많은 부분이 10 분 또는 12 분 동안 만 지속되었습니다. 악기 그룹은 다양한 연주 기준을 가지고 있었고 연속체는 음악 제작의 중심 부분이었습니다.

그 사이에 음악의 사회적 세계는 극적인 변화를 겪었습니다. 국제 출판 및 투어링이 폭발적으로 성장하고 콘서트 사회가 형성되었습니다. 표기법이 더 구체적이고 설명 적이며 작품의 도식이 단순화되었습니다 (아직 더 모차르트가 죽기 직전 인 1790 년, 그의 명성이 급속도로 퍼지면서 하이든은 특히 그의 후기 오라토리오와 런던 교향곡과 같은 일련의 성공을 거두었습니다. 파리, 로마 및 독일 전역의 작곡가들은 형식에 대한 아이디어를 얻기 위해 하이든과 모차르트를 선택했습니다.

1790 년대에는 1770 년경에 태어난 새로운 세대의 작곡가가 등장했습니다. 그들은 초기 스타일로 성장했지만 Haydn과 Mozart의 최근 작품에서 더 큰 표현을위한 수단을 들었습니다. 1788 년 루이지 체 루비니는 파리에 정착했고 1791 년에는 그를 명성을 얻은 오페라로도 이스카를 작곡했습니다. 그 스타일은 성숙한 하이든과 모차르트를 분명히 반영하고 있으며, 그 악기는 아직 그랜드 오페라에서 느껴지지 않았던 무게감을주었습니다. 그의 동시대 Étienne Méhul은 1790 년 오페라 Euphrosine et Coradin으로 기악 효과를 확장했으며, 이후 일련의 성공을 거두었습니다. 변화를 향한 마지막 추진은 Weber, Berlioz 및 Wagner와 같은 미래의 낭만적 인 작곡가들로부터 깊은 존경을 받았던 Gaspare Spontini로부터 나왔습니다. 그의 오페라의 혁신적인 하모닉 언어, 세련된 악기 및 “연쇄 된”폐쇄 수 (나중에 Euryanthe의 Weber에 의해 채택되고 Marschner를 통해 Wagner에게 전달 된 구조적 패턴)는 프랑스어와 독일의 낭만적 인 오페라가 시작되었습니다.

가장 운명적인 새로운 세대의 루드비히 판 베토벤은 1794 년에 레퍼토리에 남아있는 3 개의 피아노 트리오 세트로 그의 번호가 매겨진 작품을 시작했습니다. 모차르트 밑에서 공부 한 어린 시절과 그의 토착 적 재능으로 인해 똑같이 성취되었지만 다른 사람들보다 다소 젊었지만 Johann Nepomuk Hummel은이었습니다. Hummel도 Haydn 밑에서 공부했습니다. 그는 베토벤과 프란츠 슈베르트의 친구였습니다. 그는 다른 어떤 악기보다 피아노에 더 집중했고 1791 년과 1792 년 런던에서 보낸 시간은 1793 년 3 개의 피아노 소나타 opus 2의 작곡과 출판을 만들어 냈습니다.이 곡은 관용적으로 예상되는 케이던스를 피하는 모차르트의 기법을 사용했습니다. “때때로 모달 적으로 불확실한 거장 형상입니다. 종합 해보면이 작곡가들은 스타일의 광범위한 변화의 선봉이자 음악의 중심으로 볼 수 있습니다. 그들은 서로의 작품을 연구하고, 서로의 몸짓을 음악으로 모방했으며, 때로는 다투는 라이벌처럼 행동했습니다.

이전 웨이브와의 결정적인 차이점은 멜로디의 하향 이동, 움직임의 지속 시간 증가, 모차르트와 하이든의 패러다임 수용, 키보드 리소스의 더 많은 사용, “보컬 “”피아니스트 “작문에 대한 글쓰기, 미성년자 및 모달 모호성의 증가, 음악의 한 요소로서”텍스처 “를 앞으로 가져 오기위한 다양한 동반 인물의 중요성 증가. 요컨대, 후기 Classical은 내부적으로 더 복잡한 음악을 찾고있었습니다. 콘서트 사회와 아마추어 오케스트라의 성장은 중산층 생활의 일부로서 음악의 중요성을 강조하면서 피아노, 피아노 음악 및 거장이 모범이 될 수있는 급성장하는 시장에 기여했습니다. Hummel, Beethoven, Clementi는 모두 즉흥 연주로 유명했습니다.

바로크의 직접적인 영향은 계속해서 희미 해졌습니다. -18 세기는 계속 쇠퇴했습니다. 그러나 동시에 바로크 양식의 완전한 판을 사용할 수있게되었고 바로크 양식의 영향이 계속 커졌습니다. 이 기간의 또 다른 특징은 작곡가가 없었던 공연의 증가입니다. 이로 인해 표기법의 세부 사항과 특이성이 증가했습니다. 예를 들어, 메인 악보와 분리 된 “선택적”부분이 더 적었습니다.

이러한 변화의 힘은 베토벤 교향곡 3 번에서 분명해졌습니다. 이탈리아어로 “영웅”을 뜻하는 Eroica “, 작곡가. Stravinsky의 The Rite of Spring과 마찬가지로, 모든 혁신에서 처음이 아닐 수도 있지만 클래식 스타일의 모든 부분을 공격적으로 사용하여 현대 작품과 차별화되었습니다. , 야망 및 조화 자원도 있습니다.