Musikgeschichte

Mittelalterliche MusikEdit

Während des Musiklebens war zweifellos reich im frühen Mittelalter, was durch künstlerische Darstellungen von Instrumenten, Schriften über Musik und anderen Schallplatten belegt wird. Das einzige Repertoire an Musik, das von vor 800 bis heute erhalten geblieben ist, ist die einfache liturgische Musik der römisch-katholischen Kirche Der größte Teil davon heißt Gregorianischer Gesang. Papst Gregor I., der dem musikalischen Repertoire seinen Namen gab und möglicherweise selbst Komponist war, wird gewöhnlich als Urheber des musikalischen Teils der Liturgie in seiner gegenwärtigen Form bezeichnet, obwohl die Quellen, die Einzelheiten zu seinem Beitrag enthalten, aus mehr stammen als hundert Jahre nach seinem Tod. Viele Gelehrte glauben, dass sein Ruf von der Legende übertrieben wurde. Der größte Teil des Gesangsrepertoires wurde in den Jahrhunderten zwischen Gregor und Karl dem Großen anonym komponiert.

Während des 9. Jahrhunderts fanden mehrere wichtige Entwicklungen statt. Erstens unternahm die Kirche große Anstrengungen, um die vielen Gesangstraditionen zu vereinheitlichen und viele von ihnen zugunsten der gregorianischen Liturgie zu unterdrücken. Zweitens wurde die früheste polyphone Musik gesungen, eine Form des parallelen Gesangs, die als Organum bekannt ist. Drittens, und von größter Bedeutung für die Musikgeschichte, wurde die Notation nach etwa fünfhundert Jahren neu erfunden, obwohl es noch einige Jahrhunderte dauern würde, bis sich ein System der Tonhöhen- und Rhythmusnotation entwickelte, das die Präzision und Flexibilität aufweist, die moderne Musiker für selbstverständlich halten.

In der Zeit nach 1100 blühten mehrere Polyphonieschulen auf: die St. Martial School of Organum, deren Musik oft durch einen sich schnell bewegenden Teil über eine einzige anhaltende Linie gekennzeichnet war; die Notre-Dame-Schule der Polyphonie, zu der die Komponisten Léonin und Pérotin gehörten und die um 1200 die erste Musik für mehr als zwei Teile produzierte; der musikalische Schmelztiegel von Santiago de Compostela in Galizien, ein Pilgerziel und Ort, an dem im Spätmittelalter Musiker vieler Traditionen zusammenkamen, deren Musik im Codex Calixtinus erhalten ist; und die englische Schule, deren Musik in den Worcester-Fragmenten und im Old Hall-Manuskript erhalten ist. Neben diesen Schulen für geistliche Musik entwickelte sich eine lebendige Tradition weltlicher Lieder, wie die Musik der Troubadours, Trouvères und Minnesänger zeigt. Ein Großteil der späteren weltlichen Musik der frühen Renaissance entwickelte sich aus den Formen, Ideen und der musikalischen Ästhetik der Troubadoure, höfischen Dichter und Wandermusiker, deren Kultur während des albigensischen Kreuzzugs im frühen 13. Jahrhundert weitgehend ausgerottet wurde.

Zu den Formen der geistlichen Musik, die sich im späten 13. Jahrhundert entwickelten, gehörten Motette, Conductus, Discant und Clausulae. Eine ungewöhnliche Entwicklung waren die Geisslerlieder, die Musik wandernder Flagellantengruppen in zwei Perioden: Mitte des 13. Jahrhunderts (bis sie von der Kirche unterdrückt wurden); und die Zeit während und unmittelbar nach dem Schwarzen Tod, um 1350, als ihre Aktivitäten anschaulich aufgezeichnet und mit notierter Musik gut dokumentiert wurden. Ihre Musik mischte Volksliedstile mit Buß- oder apokalyptischen Texten. Das 14. Jahrhundert in der europäischen Musikgeschichte wird vom Stil der Ars Nova dominiert, der gemäß Konvention mit dem Mittelalter in der Musik gruppiert ist, obwohl er viel mit den Idealen und der Ästhetik der frühen Renaissance gemein hat. Ein Großteil der überlebenden Musik der Zeit ist weltlich und tendiert dazu, die Formfixes zu verwenden: die Ballade, die Virelai, die Lai, das Rondeau, die gleichnamigen poetischen Formen entsprechen. Die meisten Stücke in diesen Formen sind für ein bis drei Stimmen, wahrscheinlich mit instrumentaler Begleitung: Berühmte Komponisten sind Guillaume de Machaut und Francesco Landini.

Renaissance-MusikEdit

Der Beginn des Die Renaissance in der Musik ist nicht so deutlich gekennzeichnet wie der Beginn der Renaissance in den anderen Künsten, und im Gegensatz zu den anderen Künsten begann sie nicht in Italien, sondern in Nordeuropa, insbesondere in dem Gebiet, das derzeit Mittel- und Nordfrankreich umfasst Niederlande und Belgien. Der Stil der burgundischen Komponisten, wie die erste Generation der französisch-flämischen Schule genannt wird, war zunächst eine Reaktion auf die übermäßige Komplexität und den artigen Stil des Ars subtilior des späten 14. Jahrhunderts und enthielt eine klare, singbare Melodie und eine ausgewogene Polyphonie alle Stimmen. Die bekanntesten Komponisten der burgundischen Schule Mitte des 15. Jahrhunderts sind Guillaume Dufay, Gilles Binchois und Antoine Busnois.

Mitte des 15. Jahrhunderts verbreiteten sich Komponisten und Sänger aus den Niederlanden und angrenzenden Gebieten in ganz Europa, insbesondere nach Italien, wo sie von der päpstlichen Kapelle und den aristokratischen Förderern der Künste beschäftigt wurden (wie die Medici, die Este und die Sforza Familien). Sie trugen ihren Stil mit sich: glatte Polyphonie, die je nach Bedarf für den heiligen oder weltlichen Gebrauch angepasst werden konnte. Hauptformen der geistlichen Musikkomposition waren zu dieser Zeit die Messe, die Motette und die Laude; Zu den weltlichen Formen gehörten das Chanson, die Frottola und später das Madrigal.

Die Erfindung des Drucks hatte einen immensen Einfluss auf die Verbreitung von Musikstilen und trug zusammen mit der Bewegung der französisch-flämischen Musiker dazu bei die Etablierung des ersten wirklich internationalen Stils in der europäischen Musik seit der Vereinigung des Gregorianischen Gesangs unter Karl dem Großen. Zu den Komponisten der mittleren Generation der französisch-flämischen Schule gehörte Johannes Ockeghem, der Musik in einem kontrapunktisch komplexen Stil mit abwechslungsreicher Textur und einem ausgeklügelten Einsatz kanonischer Mittel schrieb. Jacob Obrecht, einer der bekanntesten Massenkomponisten der letzten Jahrzehnte des 15. Jahrhunderts; und Josquin des Prez, wahrscheinlich der berühmteste Komponist Europas vor Palestrina, der im 16. Jahrhundert als einer der größten Künstler jeglicher Art bekannt war. Musik in der Generation nach Josquin untersuchte die zunehmende Komplexität des Kontrapunkts; Der vielleicht extremste Ausdruck ist die Musik von Nicolas Gombert, dessen kontrapunktische Komplexität die frühe Instrumentalmusik wie die Canzona und den Ricercar beeinflusste und schließlich in barocken fugalen Formen gipfelte.

Mitte des 16. Jahrhunderts Der internationale Stil begann zusammenzubrechen, und es zeigten sich mehrere sehr unterschiedliche Stiltrends: ein Trend zur Einfachheit der geistlichen Musik, wie er vom Konter der Gegenreformation von Trient geleitet wurde, der in der Musik von Giovanni Pierluigi da Palestrina veranschaulicht wurde; ein Trend zu Komplexität und Chromatik im Madrigal, der seinen extremen Ausdruck im Avantgarde-Stil der Ferrara-Schule von Luzzaschi und des Madrigalisten Carlo Gesualdo aus dem späten Jahrhundert erreichte; und die grandiose, klangvolle Musik der venezianischen Schule, die die Architektur der Basilika San Marco di Venezia verwendete, um antiphonale Kontraste zu erzeugen. Die Musik der venezianischen Schule umfasste die Entwicklung von Orchestrierungen, verzierten Instrumentalparts und Continuo-Bass-Parts, die alle innerhalb eines Zeitraums von mehreren Jahrzehnten um 1600 auftraten. Zu den berühmten Komponisten in Venedig gehörten Gabrielis, Andrea und Giovanni sowie Claudio Monteverdi, einer der bedeutendsten Innovatoren am Ende der Ära.

Die meisten Teile Europas hatten Ende des Jahrhunderts aktive und gut differenzierte Musiktraditionen. In England schrieben Komponisten wie Thomas Tallis und William Byrd geistliche Musik in einem ähnlichen Stil wie auf dem Kontinent, während eine aktive Gruppe einheimischer Madrigalisten die italienische Form an den englischen Geschmack anpasste: berühmte Komponisten waren Thomas Morley und John Wilbye und Thomas Weelkes. Spanien entwickelte eigene Instrumental- und Gesangsstile, wobei Tomás Luis de Victoria raffinierte Musik ähnlich der von Palestrina schrieb und zahlreiche andere Komponisten für die neue Gitarre schrieben. Deutschland kultivierte polyphone Formen, die auf den protestantischen Chören aufgebaut waren, die den römisch-katholischen Gregorianischen Gesang als Grundlage für geistliche Musik ersetzten, und importierte den Stil der venezianischen Schule (deren Erscheinung den Beginn der Barockzeit dort definierte). Darüber hinaus schrieben deutsche Komponisten enorme Mengen an Orgelmusik und bildeten die Grundlage für den späteren barocken Orgelstil, der in der Arbeit von J.S. Bach. Frankreich entwickelte einen einzigartigen Stil der musikalischen Diktion, der als musique mesurée bekannt ist und in weltlichen Chansons verwendet wird, wobei Komponisten wie Guillaume Costeley und Claude Le Jeune in der Bewegung eine herausragende Rolle spielten.

Eine der revolutionärsten Bewegungen dieser Zeit Platz in Florenz in den 1570er und 1580er Jahren, mit dem Werk der Florentiner Camerata, die ironischerweise eine reaktionäre Absicht hatten: Unzufrieden mit dem, was sie als zeitgenössische musikalische Verkommenheiten betrachteten, war ihr Ziel, die Musik der alten Griechen wiederherzustellen. Unter ihnen befanden sich hauptsächlich Vincenzo Galilei, der Vater des Astronomen, und Giulio Caccini. Die Früchte ihrer Arbeit waren ein deklamatorischer melodischer Gesangsstil, der als Monodie bekannt ist, und eine entsprechende inszenierte dramatische Form: eine Form, die heute als Oper bekannt ist. Die ersten Opern, die um 1600 geschrieben wurden, definieren auch das Ende der Renaissance und den Beginn der Barockzeit.

Musik vor 1600 war eher modal als tonal. Mehrere theoretische Entwicklungen Ende des 16. Jahrhunderts, wie die Schriften von Gioseffo Zarlino und Franchinus Gaffurius über Skalen auf Modi, führten direkt zur Entwicklung der Tonalität der gängigen Praxis.Die Dur- und Moll-Tonleitern überwogen die alten kirchlichen Modi, ein Merkmal, das an den Kadenzpunkten der Kompositionen zunächst am offensichtlichsten war, sich jedoch allmählich durchsetzte. Musik nach 1600, beginnend mit der Klangmusik des Barock, wird oft als zur üblichen Übungszeit gehörend bezeichnet.

BarockmusikEdit

J.S. Bach
Toccata und Fuge

Die Barockzeit fand von 1600 bis 1750 als Barockkünstler statt Der Stil blühte in ganz Europa und in dieser Zeit erweiterte sich die Bandbreite und Komplexität der Musik. Die Barockmusik begann, als die ersten Opern (dramatische Solo-Vokalmusik, begleitet von Orchester) geschrieben wurden. Während des Barock blieb die polyphone kontrapunktische Musik, in der mehrere simultane unabhängige Melodielinien verwendet wurden, wichtig (Kontrapunkt war in der Vokalmusik des Mittelalters wichtig). Deutsche, italienische, französische, niederländische, polnische, spanische, portugiesische und englische Barockkomponisten schrieben für kleine Ensembles wie Streicher, Blechbläser und Holzbläser sowie für Chöre und Tasteninstrumente wie Pfeifenorgel, Cembalo und Clavichord. In dieser Zeit wurden mehrere wichtige Musikformen definiert, die bis in spätere Perioden andauerten, als sie erweitert und weiterentwickelt wurden, darunter die Fuge, die Erfindung, die Sonate und das Konzert. Der spätbarocke Stil war polyphon komplex und reich verziert. Wichtige Komponisten aus der Barockzeit sind Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, Georg Friedrich Händel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann und Antonio Vivaldi / h3>

Die Musik der Klassik zeichnet sich durch homophone Textur oder eine offensichtliche Melodie mit Begleitung aus. Diese neuen Melodien waren in der Regel fast stimmhaft und singbar, so dass Komponisten die Sänger als Mittelpunkt der Musik ersetzen konnten. Instrumentalmusik ersetzte daher schnell die Oper und andere gesungene Formen (wie das Oratorium) als Liebling des Musikpublikums und Inbegriff großartiger Komposition. Die Oper verschwand jedoch nicht: Während der klassischen Periode begannen mehrere Komponisten, Opern für die breite Öffentlichkeit in ihrer Muttersprache zu produzieren (frühere Opern waren in der Regel in italienischer Sprache).

Zusammen mit der allmählichen Verschiebung der Stimme in Für stärkere, klarere Melodien wurde der Kontrapunkt typischerweise auch zu einem dekorativen Schnörkel, der oft gegen Ende eines Werks oder für einen einzelnen Satz verwendet wurde. Stattdessen einfache Muster wie Arpeggios und in der Klaviermusik Alberti-Bass (eine Begleitung) mit einem wiederholten Muster (typisch in der linken Hand) wurden verwendet, um die Bewegung des Stücks zu beleben, ohne eine verwirrende zusätzliche Stimme zu erzeugen. Die heute beliebte Instrumentalmusik wurde von mehreren genau definierten Formen dominiert: der Sonate, der Symphonie und der Konzert, obwohl keines davon speziell definiert oder zu der Zeit unterrichtet wurde e wie sie jetzt in der Musiktheorie sind. Alle drei leiten sich von der Sonatenform ab, die sowohl die darüber liegende Form eines gesamten Werks als auch die Struktur eines einzelnen Satzes ist. Die Sonatenform reifte während der Klassik und wurde im 19. Jahrhundert zur Hauptform instrumentaler Kompositionen.

Die frühe Klassik wurde von der Mannheimer Schule eingeläutet, zu der Komponisten wie Johann Stamitz und Franz Xaver Richter gehörten , Carl Stamitz und Christian Cannabich. Es übte einen tiefgreifenden Einfluss auf Joseph Haydn und durch ihn auf alle nachfolgenden europäischen Musikstücke aus. Wolfgang Amadeus Mozart war die zentrale Figur der Klassik, und sein phänomenales und vielfältiges Schaffen in allen Genres bestimmt unsere Wahrnehmung der Zeit. Ludwig van Beethoven und Franz Schubert waren Übergangskomponisten, die mit ihrer Erweiterung bestehender Genres, Formen und sogar Funktionen der Musik in die Romantik führten.

Romantische MusikEdit

In der Romantik wurde die Musik ausdrucksvoller und emotionaler und umfasste Literatur, Kunst und Philosophie. Berühmte frühromantische Komponisten sind Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti und Berlioz Im späten 19. Jahrhundert nahm die Größe des Orchesters und die Rolle der Konzerte als Teil der städtischen Gesellschaft dramatisch zu.Berühmte Komponisten aus der zweiten Hälfte des Jahrhunderts sind Johann Strauss II., Brahms, Liszt, Tschaikowsky, Verdi und Wagner. Zwischen 1890 und 1910 baute eine dritte Welle von Komponisten, darunter Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini und Sibelius, auf den Werken mittelromantischer Komponisten auf, um noch komplexere – und oft viel längere – musikalische Werke zu schaffen. Ein herausragendes Kennzeichen der Musik des späten 19. Jahrhunderts ist ihre nationalistische Leidenschaft, wie beispielsweise Persönlichkeiten wie Dvořák, Sibelius und Grieg. Weitere bekannte Persönlichkeiten des späten Jahrhunderts sind Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy und Rimsky-Korsakov.

Musik des 20. und 21. JahrhundertsEdit

Musik aller Art wurde auch zunehmend tragbar. Das 20. Jahrhundert erlebte eine Revolution im Musikhören, als das Radio weltweit an Popularität gewann und neue Medien und Technologien entwickelt wurden, um Musik aufzunehmen, aufzunehmen, zu reproduzieren und zu verbreiten. Musikdarbietungen wurden mit der Ausstrahlung und Aufzeichnung von Aufführungen zunehmend visuell.

Musik des 20. Jahrhunderts brachte eine neue Freiheit und ein breites Experimentieren mit neuen Musikstilen und -formen, die die akzeptierten Regeln der Musik früherer Perioden in Frage stellten. Die Erfindung der Musikverstärkung und der elektronischen Instrumente, insbesondere des Synthesizers, Mitte des 20. Jahrhunderts revolutionierte die klassische und populäre Musik und beschleunigte die Entwicklung neuer Musikformen.

Bei der klassischen Musik handelt es sich um zwei Grundschulen bestimmte den Verlauf des Jahrhunderts: den von Arnold Schönberg und den von Igor Strawinsky.