Historien om vestlig klassisk musikk kan deles inn i seks hovedperioder. Renessansetiden er den andre av disse, som knytter middelalderens tid, som kom før, og barokkperioden som skulle følge.
Denne guiden vil skissere noen av tidens historie, musikalske egenskaper og viktige komponister, for å gi deg en dypere forståelse av renessansetiden. Vi gir deg også noen YouTube-lenker til relevante brikker, slik at du kan bli kjent med lyden av musikken litt bedre.
Renaissance Music Era
Renaissance betyr bokstavelig talt «gjenfødelse ”.
Den musikalske renessansetiden varte fra 1400-1600AD og var en tid med enorm vekst og utvikling, med musikk som ble mer uttrykksfull, variert og kompleks.
Komponister hadde større frihet til å skriv som de ville og teknologisk utvikling betydde at musikken deres kunne nå flere mennesker.
Sosial endring
Religiøs musikk var fortsatt allestedsnærværende i renessanseperioden, men kirkens tilbakegang i innflytelse betydde at komponister fikk mer kunstnerisk frihet og fikk lov til å skrive kreativ musikk for sin egen skyld.
Det hadde nylig vekk interesse for gamle kulturer, og komponister begynte å hente inspirasjon fra kunsten og mytologien til det antikke Hellas. og Roma, så vel som fra astronomi og matematikk.
Når primitive måter å notati ng musikk ble utviklet i middelalderen, komponister kunne da dokumentere og dele sine stykker lettere, men de måtte likevel skrives tidkrevende for hånd.
Oppfinnelsen av trykkpressen i 1439 tillot imidlertid mye mer utbredt distribusjon, noe som førte til en rik utveksling av ideer over hele Europa.
Videre medførte veksten til en borgerlig klasse (en kultivert øvre middelklasse) at det nå var et ferdig publikum for skriftlig musikk, ettersom musikkutdannelsen blomstret og stadig flere lærte å lese musikk.
Mye mer musikk fra denne perioden overlever sammenlignet med middelalderen.
Kirke og verdslig musikk
Religiøs kormusikk var dominerende i begynnelsen av renessansetiden, med mye av den bygger på polyfonien (musikk som har to eller flere samtidige uavhengige melodiske deler) som utviklet seg på slutten av middelalderen.
Moteter og masser var to vanlige eksempler på dette, med sistnevnte som en del av kirkens liturgi.
Hellige og sekulære stiler begynte å påvirke hverandre: madrigalen (tradisjonelt en enslige ikke-religiøs sang for en rekke stemmer) ble adoptert som kirkeform, mens sekulære komponister begynte å skrive motetter.
I begynnelsen av renessanseperioden var mulighetene for sekulære komponister begrenset, og de fleste sysselsettingen kom via domstolene (husholdninger og boliger til suverene), som hyret musikere som utøvere, lærere og komponister.
Men sekulær musikk økte i popularitet etter hvert som tiden gikk, og komponister kunne nå ta oppdrag fra velstående amatører, mens den nye trykte musikken også ga økonomisk mulighet.
Den protestantiske reformasjonen betydde også at nå både katolske og protestantiske kirker krevde musikk for sine respektive tjenester.
Sekulær musikk var stort sett vokal, men perioden så utviklingen av instrumental musikk i sin egen rett.
Dette var ikke lenger musikk til dans eller akkompagnement, for eksempel, men stykker man skulle lytte til på alvor.
Dette var i tråd med et generelt skifte i renessanseperioden mot ideen om å skape kunst for kunstens skyld.
William Byrds Fantasia (en instrumentell etterligning av et motett) er et eksempel på dette:
Sekulære sangformer inkludert:
- Lied (tysk)
- Frottola (italiensk)
- Chanson (fransk)
- Madrigal (italiensk)
- Villancico ( Spansk)
Opera, en kombinasjon av teater og vokalmusikk som ville bli utrolig populær i løpet av de neste århundrene, utviklet seg i Italia på slutten av renessanseperioden.
Jacopo Peris Dafne regnes av mange for å være den aller første operaen.
Komponert rundt 1597/1598, var det et forsøk på å gjenopplive stilen til det klassiske greske dramaet.
Harmoni og Stil
Det modale harmoniske systemet fra middelalderen – musikk basert på skalaer, eller moduser – holdt seg på plass i begynnelsen av renessansetiden.
Reglene for kontrapunkt (forholdet mellom samtidige avhengige musikalske linjer) ble mer kompliserte og strenge med hensyn til hvilke intervaller som regnes som konsonant og hvilke som er dissonante.
Intervallene på en tredje og en sjette begynte å bli brukt, og dette førte til den første bruken av triader – tre-tone akkorder som understøtter mye vestlig musikk i dag.
Bortsett fra strenge regler rundt kontrapunkt hadde komponister mye mer frihet til å være uttrykksfulle.
Mange prøvde nå å inkludere følelser i musikken sin, og dette ble hjulpet av et mye større vokalområde i forhold til middelalderen, og mye større variasjon i elementer som rytme og form.
Ulykker begynte å bli lagt til i kirkemodusene, og den modale tilnærmingen begynte gradvis å bli erstattet av funksjonell tonalitet (det nøkkelsenterbaserte harmoniske systemet som ville styre musikk de neste hundre årene) fokus på akkordprogressjoner, mindre og større tonalitet og rotbevegelse basert på sirkelen av femtedeler.
Dette førte veien mot den vanlige praksisharmonien som ville bli etablert fullt ut i barokkperioden.
Det begynte å dukke opp rikere teksturer, med komponister som benyttet fire eller flere uavhengige deler. I økende grad ville de prøve å få disse delene til å blande seg sammen, med etterligning en nøkkelinnretning som ble brukt for å oppnå dette.
Arbeidet til komponister som Gregorio Allegri og Giovanni Pierluigi da Palestrina fra slutten av renessansen, skrevet for store korgrupper, er storslått og intrikat.
Notasjon og teori
Musikkscore var ennå ikke i vanlig bruk, så renessansestykker ble bare notert i individuelle deler.
Barlines var ennå ikke vanlig, og merkverdiene var generelt mye lenger enn vi ville se i dag.
Semibreves og breves var de primære rytmiske enhetene, i stedet for crotchets og minims, så et stykke musikk skrevet i løpet av denne tiden ville se veldig annerledes ut enn et moderne stykke.
Renaissance Composers
Komponister fra Nord-Frankrike og de lave landene, hvor domstolene støttet kunsten spesielt, dominerte begynnelsen på renessansetiden.
Senere vokste Italia frem og produserte mange bemerkelsesverdige komponister.
Kunstnere fra andre steder flyttet også til landet, og det var i Italia mange av barokkens første nyvinninger skulle begynne.
Viktige komponister fra renessansen inkluderer:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – en franskmann som skrev både sekulære og hellige verk
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) – en italiensk komponist av religiøse verk, og en berømt eksponent for den romerske skolen
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – en av Englands største komponister, mest kjent for sine korverk
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Flamsk komponist og musikkteoretiker
- Orlande de Lassus (1530–1594) – Franco-flamsk komponist av polyfonisk musikk
Her er et vokalstykke av des Prez:
Renessansens instrumenter
Mange instrumenter som ble brukt i renessansetiden var før ursors til moderne instrumenter, med noen av dem som utvikler seg til nye former rundt denne tiden.
Messinginstrumenter inkluderte trompeten, som på dette tidspunktet ikke hadde ventiler og som ble brukt mye i militæret, og sackbut, en tidlig versjon av trombonen som erstattet glidetrompeten.
Violen, eller viola da gamba, var et seksstrenget instrument som ble spilt med en bue mens det hvilte på gulvet, på samme måte som en moderne ‘cello.
Lyren var et annet medlem av strengfamilien: i likhet med en moderne harpe, ble den snublet med et plektrum snarere enn plukket med fingrene.
Shawm (et tre, dobbeltrørsrør), tverrfløyten og opptakeren ble ofte spilt treblåsere, mens populære keyboardinstrumenter inkluderte cembalo, klaviakkord og jomfru. ga ensembler tilgang til større serier og økt teksturell variasjon, mens ensembler også vokste i størrelse.
Stykker ble mer utfordrende og ble nå skrevet for spesifikke instrumenter for første gang.
Konklusjon
Så det avslutter vårt blikk på renessansetiden.
Vi har lært om hvordan musikk gikk frem fra middelalderen, og utviklet seg i kompleksitet og variasjon, før ny teknologi og en ny tilnærming til harmoni banet vei for barokkperioden.
Vi håper at det vil være nyttig og informativt for deg, og at det kan inspirere deg til å lytte til mer fantastiske lyder fra slike som Palestrina, Byrd og des Prez.