Historia muzyki

Muzyka średniowiecznaEdytuj

Podczas gdy życie muzyczne był niewątpliwie bogaty we wczesnym średniowieczu, o czym świadczą artystyczne przedstawienia instrumentów, pisma muzyczne i inne nagrania, jedynym repertuarem muzycznym, który przetrwał od 800 roku do dnia dzisiejszego, jest śpiewna muzyka liturgiczna Kościoła rzymskokatolickiego , którego największa część nosi nazwę chorału gregoriańskiego. Papież Grzegorz I, który nadał swoje imię repertuarowi muzycznemu i mógł być kompozytorem, jest zwykle uważany za inicjatora muzycznej części liturgii w jej obecnej formie, chociaż źródła podające szczegóły jego wkładu pochodzą z więcej ponad sto lat po jego śmierci. Wielu uczonych uważa, że legenda przesadza z jego reputacją. Większość repertuaru pieśni została skomponowana anonimowo w stuleciach od czasów Grzegorza do Karola Wielkiego.

W IX wieku miało miejsce kilka ważnych wydarzeń. Po pierwsze, Kościół dołożył wszelkich starań, aby zjednoczyć wiele tradycji śpiewów i znieść wiele z nich na rzecz liturgii gregoriańskiej. Po drugie, śpiewano najwcześniejszą muzykę polifoniczną, formę śpiewu równoległego znanego jako organum. Po trzecie, i mające największe znaczenie dla historii muzyki, notacja została wynaleziona na nowo po upływie około pięciuset lat, chociaż minęło jeszcze kilka wieków, zanim system notacji wysokości i rytmu wyewoluował z precyzją i elastycznością, które współcześni muzycy uważają za oczywiste.

Kilka szkół polifonii rozkwitło w okresie po roku 1100: szkoła organum St. Martial, której muzyka często charakteryzowała się szybkimi ruchami części nad pojedynczą ciągłą linią; szkoła polifonii Notre Dame, w skład której wchodzili kompozytorzy Léonin i Pérotin, i która wyprodukowała pierwszą muzykę na ponad dwie części około 1200; tygiel muzyczny Santiago de Compostela w Galicji, cel pielgrzymek i miejsce, gdzie w późnym średniowieczu spotykali się muzycy wielu tradycji, których muzyka przetrwała w Codex Calixtinus; oraz szkoła angielska, której muzyka przetrwała w Worcester Fragments i Old Hall Manuscript. Obok tych szkół muzyki sakralnej rozwinęła się żywa tradycja pieśni świeckiej, czego przykładem jest muzyka trubadurów, trouvères i Minnesänger. Znaczna część późniejszej świeckiej muzyki wczesnego renesansu wyewoluowała z form, idei i estetyki muzycznej trubadurów, dworskich poetów i wędrownych muzyków, których kultura została w dużej mierze zniszczona podczas krucjaty albigenskiej na początku XIII wieku.

Formy muzyki sakralnej, które rozwinęły się pod koniec XIII wieku, obejmowały motet, dyrygent, discant i clausulae. Niezwykłym wydarzeniem był Geisslerlieder, muzyka wędrujących band biczowników w dwóch okresach: w połowie XIII wieku (do czasu stłumienia ich przez Kościół); oraz okres w trakcie i bezpośrednio po Czarnej Śmierci, około 1350 roku, kiedy ich działalność została barwnie zarejestrowana i dobrze udokumentowana za pomocą zapisanej muzyki. Ich muzyka łączyła ludowe style pieśni z tekstami pokutnymi lub apokaliptycznymi. XIV wiek w historii muzyki europejskiej zdominowany jest przez styl ars nova, który umownie zaliczany jest do epoki średniowiecza w muzyce, choć miał wiele wspólnego z ideałami i estetyką wczesnego renesansu. Znaczna część zachowanej muzyki z tamtych czasów ma charakter świecki i ma tendencję do używania form fixes: ballady, virelai, lai, rondeau, które odpowiadają poetyckim formom o tych samych nazwach. Większość utworów w tych formach jest na jeden do trzech głosów, prawdopodobnie z towarzyszeniem instrumentalnym: słynni kompozytorzy to Guillaume de Machaut i Francesco Landini.

Muzyka renesansowaEdit

Początek Renesans w muzyce nie jest tak wyraźny jak początek renesansu w innych sztukach iw przeciwieństwie do innych sztuk nie rozpoczął się we Włoszech, ale w północnej Europie, a konkretnie na obszarze obejmującym obecnie środkową i północną Francję. Holandia i Belgia. Styl kompozytorów burgundzkich, jak znane jest pierwsze pokolenie szkoły francusko-flamandzkiej, był początkowo reakcją na nadmierną złożoność i maniery stylu ars subtilior z końca XIV wieku i zawierał wyraźną, dającą się śpiewać melodię i zrównoważoną polifonię w wszystkie głosy. Najbardziej znanymi kompozytorami szkoły burgundzkiej w połowie XV wieku są Guillaume Dufay, Gilles Binchois i Antoine Busnois.

W połowie XV wieku kompozytorzy i śpiewacy z Niderlandów i okolic zaczęli rozprzestrzeniać się po całej Europie, zwłaszcza we Włoszech, gdzie byli zatrudniani przez papieską kaplicę i arystokratycznych mecenasów sztuki (takich jak rodziny Medici, Este i Sforza). Nosili ze sobą swój styl: gładką polifonię, którą można było dostosować do użytku sakralnego lub świeckiego. Głównymi formami sakralnej kompozycji muzycznej w tamtych czasach były msza, motet i laude; formy świeckie obejmowały chanson, frottola, a później madrygał.

Wynalazek druku miał ogromny wpływ na upowszechnianie się stylów muzycznych i wraz z ruchem muzyków francusko-flamandzkich przyczynił się do ustanowienie pierwszego prawdziwie międzynarodowego stylu w muzyce europejskiej od czasu zjednoczenia chorału gregoriańskiego pod panowaniem Karola Wielkiego. Kompozytorami średniego pokolenia szkoły francusko-flamandzkiej byli między innymi Johannes Ockeghem, który pisał muzykę w kontrapunktualnie złożonym stylu, o zróżnicowanej fakturze i wyrafinowanym wykorzystaniu środków kanonicznych; Jacob Obrecht, jeden z najsłynniejszych kompozytorów mszy ostatnich dziesięcioleci XV wieku; oraz Josquin des Prez, prawdopodobnie najsłynniejszy kompozytor w Europie przed Palestriną, który w XVI wieku był znany jako jeden z największych artystów w jakiejkolwiek formie. Muzyka pokolenia po Josquinie badała coraz większą złożoność kontrapunktu; prawdopodobnie najbardziej ekstremalna ekspresja występuje w muzyce Nicolasa Gomberta, którego kontrapunktowe zawiłości wpłynęły na wczesną muzykę instrumentalną, taką jak canzona i ricercar, ostatecznie osiągając kulminację w barokowych formach fugalnych.

Do połowy XVI wieku styl międzynarodowy zaczął się załamywać i ujawniło się kilka bardzo zróżnicowanych trendów stylistycznych: tendencja do prostoty w muzyce sakralnej, kierowana przez Sobór Kontrreformacyjny w Trydencie, czego przykładem jest muzyka Giovanniego Pierluigiego da Palestriny; trend w kierunku złożoności i chromatyzmu madrygału, który osiągnął swój skrajny wyraz w awangardowym stylu szkoły Luzzaschi z Ferrary i u madrygalisty końca wieku Carlo Gesualdo; oraz wspaniała, dźwięczna muzyka szkoły weneckiej, która wykorzystała architekturę Bazyliki San Marco di Venezia do stworzenia antyfonalnych kontrastów. Muzyka szkoły weneckiej obejmowała rozwój orkiestracji, zdobione partie instrumentalne i partie basu continuo, z których wszystkie miały miejsce na przestrzeni kilkudziesięciu lat około 1600 roku. Znani kompozytorzy Wenecji to Gabrielis, Andrea i Giovanni, a także Claudio Monteverdi, jeden z najbardziej znaczących innowatorów u schyłku epoki.

Do końca wieku większość części Europy miała aktywne i zróżnicowane tradycje muzyczne. W Anglii kompozytorzy tacy jak Thomas Tallis i William Byrd pisali muzykę sakralną w stylu podobnym do tego, który pisano na kontynencie, podczas gdy aktywna grupa rodzimych madrygalistów dostosowała włoską formę do gustów angielskich: słynni kompozytorzy to Thomas Morley, John Wilbye i Thomas Weelkes. Hiszpania rozwinęła własne style instrumentalne i wokalne, a Tomás Luis de Victoria pisał wyrafinowaną muzykę podobną do tej z Palestriny, a wielu innych kompozytorów pisze na nową gitarę. Niemcy uprawiali formy polifoniczne zbudowane na chórach protestanckich, które zastąpiły rzymskokatolicki chorał gregoriański jako podstawę dla muzyki sakralnej, a także importowały styl szkoły weneckiej (której pojawienie się określało tam początek epoki baroku). Ponadto niemieccy kompozytorzy stworzyli ogromne ilości muzyki organowej, tworząc podstawę późniejszego barokowego stylu organowego, którego kulminacją była twórczość J.S. Kawaler. Francja rozwinęła wyjątkowy styl muzycznej dykcji, znany jako musique mesurée, używany w świeckich śpiewach, z kompozytorami takimi jak Guillaume Costeley i Claude Le Jeune.

Jeden z najbardziej rewolucyjnych ruchów w tamtych czasach miał miejsce we Florencji w latach siedemdziesiątych i osiemdziesiątych XVI wieku, z dziełem florenckiego Cameraty, który ironicznie miał reakcyjny zamiar: niezadowolony z tego, co uważali za współczesne muzyczne zepsucie, ich celem było przywrócenie muzyki starożytnych Greków. Głównymi wśród nich byli Vincenzo Galilei, ojciec astronoma i Giulio Caccini. Owocem ich pracy był deklamacyjny melodyjny styl śpiewu zwany monodią i odpowiadająca mu inscenizacja dramatyczna: forma znana dziś jako opera. Pierwsze opery, napisane około 1600 roku, również określają koniec renesansu i początek epoki baroku.

Muzyka sprzed 1600 roku była raczej modalna niż tonalna. Kilka teoretycznych osiągnięć późnego XVI wieku, takich jak prace Gioseffo Zarlino i Franchinus Gaffurius na temat skal na modach, doprowadziło bezpośrednio do rozwoju tonalności powszechnej praktyki.Skale dur i mol zaczęły dominować nad starymi trybami kościelnymi, cecha, która początkowo była najbardziej oczywista w punktach kadencji kompozycji, ale stopniowo stawała się wszechobecna. Muzyka po 1600 roku, począwszy od muzyki tonalnej epoki baroku, jest często określana jako należąca do okresu powszechnej praktyki.

Muzyka barokowaEdytuj

J.S. Bacha
Toccata i fuga

Barok przypadł na lata 1600-1750, jako barok artystyczny styl rozkwitł w całej Europie, aw tym czasie muzyka rozszerzyła się w swoim zakresie i złożoności. Muzyka baroku zaczęła się, gdy powstały pierwsze opery (dramatyczna solowa muzyka wokalna z towarzyszeniem orkiestry). W epoce baroku ważna pozostała polifoniczna muzyka kontrapunktyczna, w której zastosowano wiele, niezależnych od siebie linii melodycznych (kontrapunkt był ważny w muzyce wokalnej średniowiecza). Niemieccy, włoscy, francuscy, holenderscy, polscy, hiszpańscy, portugalscy i angielscy kompozytorzy barokowi pisali dla małych zespołów, w tym smyczkowych, dętych blaszanych i dętych drewnianych, a także dla chórów i instrumentów klawiszowych, takich jak organy piszczałkowe, klawesyn i klawikord. W tym okresie zdefiniowano kilka głównych form muzycznych, które przetrwały do późniejszych okresów, kiedy zostały rozszerzone i dalej ewoluowały, w tym fuga, wynalazek, sonata i koncert. Styl późnego baroku był polifonicznie złożony i bogato zdobiony. Ważni kompozytorzy epoki baroku to Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann i Antonio Vivaldi.

Era muzyki klasycznejEdit

Muzykę okresu klasycznego cechuje homofoniczna faktura lub oczywista melodia z akompaniamentem. Te nowe melodie były prawie jak głos i dające się śpiewać, pozwalając kompozytorom na zastąpienie śpiewaków w muzyce. Dlatego też muzyka instrumentalna szybko zastąpiła operę i inne formy śpiewu (np. Oratorium), stając się ulubieńcem muzycznej publiczności i uosobieniem wielkiej kompozycji. Jednak opera nie zniknęła: w okresie klasycznym kilku kompozytorów zaczęło produkować opery dla szerokiej publiczności w swoich językach ojczystych (poprzednie opery były generalnie w języku włoskim).

Wraz ze stopniowym przemieszczaniem się głosu w faworyzowanie mocniejszych, wyraźniejszych melodii, kontrapunkt stał się również typowym ozdobnym akcentem, często używanym pod koniec utworu lub w pojedynczej części. Zamiast tego proste wzory, takie jak arpeggia, aw muzyce fortepianowej Alberti bass (akompaniament z powtarzającym się wzorem typowym dla lewej ręki), służyły do ożywiania ruchu utworu bez tworzenia zagmatwanego dodatkowego głosu. W popularnej obecnie muzyce instrumentalnej dominowało kilka dobrze zdefiniowanych form: sonata, symfonia i koncertu, chociaż żaden z nich nie był w tym czasie specjalnie zdefiniowany ani nauczany e tak, jak są teraz w teorii muzyki. Wszystkie trzy wywodzą się z formy sonatowej, która jest zarówno formą nadrzędną całego utworu, jak i strukturą pojedynczej części. Forma sonaty dojrzewała w epoce klasycznej, stając się podstawową formą kompozycji instrumentalnych w całym XIX wieku.

Wczesny okres klasycyzmu zapoczątkowała szkoła z Mannheim, w skład której wchodzili tacy kompozytorzy jak Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz i Christian Cannabich. Wywarła głęboki wpływ na Josepha Haydna, a za jego pośrednictwem na całą późniejszą muzykę europejską. Wolfgang Amadeus Mozart był centralną postacią okresu klasycznego, a jego fenomenalna i różnorodna twórczość we wszystkich gatunkach definiuje nasze postrzeganie tego okresu. Ludwig van Beethoven i Franz Schubert byli kompozytorami przejściowymi, prowadzącymi do epoki romantyzmu, wraz z rozszerzeniem istniejących gatunków, form, a nawet funkcji muzycznych.

Muzyka romantycznaEdit

W okresie romantyzmu muzyka stała się bardziej ekspresyjna i emocjonalna, obejmując literaturę, sztukę i filozofię. Znani kompozytorzy wczesnego romantyzmu to Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti i Berlioz Pod koniec XIX wieku nastąpił dramatyczny wzrost liczebności orkiestry oraz roli koncertów jako elementu miejskiego społeczeństwa.Znani kompozytorzy drugiej połowy wieku to Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Czajkowski, Verdi i Wagner. W latach 1890-1910 trzecia fala kompozytorów, w tym Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini i Sibelius, opierała się na twórczości kompozytorów średniego romantyzmu, tworząc jeszcze bardziej złożone – i często znacznie dłuższe – dzieła muzyczne. Znakiem rozpoznawczym muzyki końca XIX wieku jest jej nacjonalistyczny zapał, którego przykładem są takie postaci jak Dvořák, Sibelius i Grieg. Inne znane postacie późnego wieku to Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy i Rimsky-Korsakov.

Muzyka XX i XXI wiekuEdytuj

Muzyka wszelkiego rodzaju również stała się coraz bardziej przenośna. W XX wieku nastąpiła rewolucja w słuchaniu muzyki, ponieważ radio zyskało popularność na całym świecie, a nowe media i technologie zostały opracowane w celu nagrywania, przechwytywania, odtwarzania i dystrybucji muzyki. Występy muzyczne stawały się coraz bardziej wizualne wraz z nadawaniem i rejestrowaniem wykonań.

Muzyka XX wieku przyniosła nową swobodę i szerokie eksperymenty z nowymi stylami i formami muzycznymi, które rzuciły wyzwanie przyjętym regułom muzyki z wcześniejszych epok. Wynalezienie wzmacniacza muzycznego i instrumentów elektronicznych, zwłaszcza syntezatora, w połowie XX wieku zrewolucjonizowało muzykę klasyczną i popularną oraz przyspieszyło rozwój nowych form muzycznych.

Jeśli chodzi o muzykę klasyczną, dwie podstawowe szkoły zdeterminowały bieg stulecia: Arnolda Schönberga i Igora Strawińskiego.