XXX Live Nude Girls (2003)
Jennifer Walshe zapytała dziewczyny, jak bawią się lalkami Barbie i zmieniła konfesjonały w operę horroru, w której zabawki wyzwalają mroczną zabawę seksualną i akty okaleczenia. Walshe jest miłośnikiem tego typu rzeczy: szarpie plastikową powłokę komercyjnej kultury, parodiując, a następnie systematycznie rozcinając archetypy. KM
Przeczytaj naszą recenzję | obejrzyj produkcję z 2016 BIFEM
City Noir (2009)
Żywy portret Los Angeles autorstwa Adamsa, przedstawiony w filmie noir z lat czterdziestych i pięćdziesiątych, to trójczęściowa symfonia a także koncert na orkiestrę. To bezpośrednie celebrowanie orkiestrowej wirtuozerii, które odwołuje się do wielu amerykańskich idiomów, nigdy nie będąc zbyt konkretnym. W żadnym wypadku nie jest to jego najlepsze dzieło orkiestrowe (te powstały w ubiegłym wieku), ale efektowna, ekstrawertyczna wizytówka. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Słuchaj na Spotify
23 James MacMillan
Płodny szkocki kompozytor wywarł wpływ na muzykę chóralną, czerpiąc Katolickie korzenie, ostatnio w V Symfonii, Le grand Inconnu oraz w jego responsoriach Tenebrae. Jego Stabat Mater na chór i orkiestrę smyczkową, prawykonana i zamówiona przez Harry’ego Christophers and the Sixteen, poruszyła wyobraźnię publiczności, a jej przesłanie było bezpośrednie, bezpośrednie, promienne i pełne pasji. FM
Przeczytaj naszą recenzję | Obejrzyj światową premierę występu w Watykanie
22 Linda Catlin Smith
Trzyma materiał między palcami, testuje włókna. Zostawia przestrzeń wokół materiału, aby spojrzeć na to w ten czy inny sposób, a następnie zanurza się głęboko. Muzyka Catlin Smith jest powolna i cicha, ale jednocześnie bujna. Bardziej niż jakikolwiek minimalista, czerpie inspiracje z Couperina, Debussy’ego i obrazów Agnes Martin. Rezultaty są rzadkie, mocne i zmysłowe; cichy nie musi oznaczać miękkiego. KM
Przeczytaj naszą recenzję
The Blue Notebooks (2004)
Napisane w okresie poprzedzającym inwazję na Irak w 2003 roku, The Blue Notebooks to medytacja Maxa Richtera na temat przemocy i wojna, nagrana w ciągu trzech godzin. Cykl pieśni łączy narracja Tilda Swinton, ale najbardziej fascynujące utwory nie wymagają słów. Organum to pogrzebowe solo organowe, Shadow Journal to ambient house, ale centralnym elementem jest On the Nature of Daylight (od czasu użycia w niezliczonych filmach i ścieżkach dźwiękowych programów telewizyjnych), w którym stale rozszerzające się warstwy strun są wykorzystywane do wywoływania szarpania za serce. JL
Richter pisze o swoim składzie | Słuchaj na Spotify.
20 Caroline Shaw
Caroline Shaw’s Partita, napisane dla jej własnego oktetu wokalnego Roomful of Teeth, to eksplozja wkuwającej energię mowy, piosenki i praktycznie każdej rozszerzonej techniki wokalnej, o której można pomyśleć, w czterech „klasycznych” ruchach tanecznych. Może to zniszczyć uroczyste, twarde wyobrażenia o wielkości, ale to musi być najbardziej radosna praca na tej liście. EJ
Przeczytaj więcej tutaj | Posłuchaj na Spotify.
Duet na wiolonczelę i orkiestrę (2015)
Wolna wiolonczela kręci się pomiędzy dwoma nutami, niezłomny podróżnik na drodze przepełnionej gwarem uwodzenia (mosiężne fanfary, żarliwe smyczki). Podróż trwa pół godziny, podsumowuje zdecydowane życie kursu w jasnych i bolesnych czasach. Miller jest mistrzem sadzenia nasion i wprawiania w ruch fascynującego procesu, a następnie kontynuowania go z najwspanialszym przekonaniem. KM
Przeczytaj recenzję | Posłuchaj fragmentu.
18 Brett De an
Australijski Brett Dean, altowiolista w Filharmonii Berlińskiej, zanim zajął się kompozycją, odnalazł swój głos operowy u Hamleta. Genialna przeróbka Szekspira (libretto Matthew Jocelyn), którą otwiera fragmentaryczny „Być albo nie być…”, miała swoją premierę w Glyndebourne w 2017 roku z Allanem Claytonem w roli tytułowej i Barbarą Hannigan jako Ofelią. FM
Przeczytaj recenzję | Obejrzyj zwiastun
17 Steve Reich
To zajęło kwintesencję Nowy Yorku kompozytorowi całe 10 lat przetworzył horror 11 września i skomponował ten dysonansowy treon, który ustawia struny piłowania Rzeszy przeciwko zmanipulowanym głosom. Nagrania przerażonych kontrolerów ruchu lotniczego i naocznych świadków są splecione i zapętlone, a tonalność ich wypowiedzi jest replikowana czasem wręcz kpiąco) przez Kronos Quartet, zanim dojdziemy do swego rodzaju zamknięcia modlitwą kantora.JL
Przeczytaj recenzję | Obejrzyj występ na żywo.
16 Rebecca Saunders
Muzyka Rebecci Saunders zawsze tworzy poezję emocjonalną i gwałtowną, a jednocześnie zmysłowo rezonującą. Skomponowany we współpracy z sopranistką Juliet Fraser, Skin czerpie inspirację z Samuela Becketta, zamieniając pisarski obraz kurzu jako „skóry pokoju” w 25-minutowe wypatroszenie dźwięków, które może stworzyć solista i zespół. Saunders zagrzebuje się w wewnętrzny świat instrumentów, wewnątrz słojów głosu Frasera – drapie się i krzyczy, oddycha i wzdycha – i znajduje odkrywczy świat podwyższonych uczuć. TS
Posłuchaj występu na żywo
Little Match Girl Passion (2007)
Połącz opowieść Hansa Christiana Andersena o Dziewczynce z zapałkami z Pasją według św. Mateusza Bacha, a otrzymasz jedno z najbardziej oryginalnych dzieł wokalnych ostatnich czasów. Fragmenty historii Andersena i św. gospel przeplata się z gęsto splecionym wokalem, czasem bez akompaniamentu, czasem przerywanym dyskretną perkusją i często kojąco tonalnym i przejmująco poruszającym. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj na Spotify
14 Pascal Dusapin
Opera Dusapina przedstawia na nowo ostatnią rozmowę Orfeusza i Eurydyki na pograniczu życia i śmierci, jako medytację nad ideą namiętności jako wyrazu pożądania i cierpienia. Partytura subtelnie nawiązuje do Monteverdiego i francuskiego baroku, ale świat dźwięków, który tworzy, jest wyjątkowo własny Dusapina: napięty, cicho hipnotyzujący i surowo piękny. TA
Przeczytaj recenzję | Posłuchaj pracy
Lost Highway (2003)
Nieco zaskakujący film Davida Lyncha – w którym zabija muzyka jazzowa jego żona wpada w psychogenną fugę i staje się zupełnie inną osobą – doskonale nadawała się do adaptacji tego ekscentrycznego austriackiego kompozytora, którego twórczość łączona gatunkowo eksploruje pojęcia tożsamości. Wciągająca produkcja, wystawiona przez Angielską Operę Narodową w Young Vic, wykorzystała film, ćwierkającą muzykę elektroakustyczną i przerażający, androgyniczny głos Davida Mossa, aby jeszcze bardziej zmylić sytuację. JL
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj utworu
Koncert wiolonczelowy (2009)
Seria koncertów na zachodnie i wschodnie instrumenty solowe przebiega jak kręgosłup przez orkiestrową muzykę Unsuk Chin. Ale utwór na wiolonczelę jest chyba najbardziej oryginalny i zabawnie niepokojący ze wszystkich, obsadzony w czterech genialnych częściach, które nigdy do końca nie pasują do typu, robiąc wszystko, czego oczekuje się od koncertu, w świeży i niekonwencjonalny sposób. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj na Spotify
The Importance of Being Earnest (2012)
W roli Lady Bracknell oddanej basowi, kłótnia między Gwendolen i Cecily prowadzona przez megafony i przy akompaniamencie tłuczonych okularów i większość tekstu dostarczanego z szybkością karabinu maszynowego, to operowe podejście do Oscara Wilde’a nie jest dla osób o słabych nerwach. Ale w jakiś sposób świetnie oddaje absurdy sztuki, dodając warstwę surrealizmu, która jest całkowicie własna Barry’ego. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj na Spotify
10 John Luther Adams
Monumentalny orkiestrowy palindrom, uczynił z Johna Luthera Adamsa kompozytora o międzynarodowej renomie, porywające przedstawienie wody w nieodpartym ruchu, w tradycji muzyki Wagnera, Debussy’ego i Sibeliusa. Ale zamiar Adamsa to znacznie więcej niż zwykły opis – to ostrzeżenie przed tym, co nas czeka i nasze morza, jeśli nie będziemy o nie dbać. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Słuchaj na Spotify
9 Heiner Goebbels
Powieść Gertrude Stein, japońska muzyka ludowa i album Beach Boys Odgłosy zwierząt nie są najbardziej oczywistymi źródłami jednej z wyjątkowo osobistych fuzji słów, muzyki i obrazu Goebbelsa. Ale, jak często w jego sztukach teatralnych, najbardziej nieprawdopodobne składniki łączą się w magiczny sposób, tworząc dowcipny, aluzyjny dramatyczny świat inny niż wszystkie, z dźwiękami lat 60. kontrapunktowanymi przez chaotyczny surrealizm Steina. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj nagrania na YouTube
Kwartet smyczkowy nr 4 (2003)
Ten utwór z 2003 roku przeznaczony dla elektroniki na żywo i kwartetu smyczkowego jest napisany w cyklach, a nie ruchach, z myślą o umieraniu precz, odnowienie i kontynuacja. Harvey eksperymentuje z technologią, aby odkryć nowe możliwości słuchowe i utrzymać przy życiu tradycyjną formę. Pisał wszystkie swoje kwartety dla Arditti, wiedząc, że sprostają każdemu wyzwaniu, jakie im postawił. Rezultat jest elokwentny i liryczny.FM
Przeczytaj recenzję | Posłuchaj pracy
7 Louis Andriessen
Po współpracy z reżyserami Robertem Wilsonem i Peterem Greenawayem przy poprzednich pracach scenicznych, Andriessen zwrócił się do Hala Hartleya o jego „operę filmową w pięciu częściach”, seria refleksji nad epizodami z Boskiej komedii Dantego. Film Hartleya był częścią oryginalnej inscenizacji, ale cudownie poliglotowa ścieżka dźwiękowa Andriessena, z wieloma odniesieniami historycznymi i żywiołowym uściskiem jazzu i muzyki ludowej, stoi sama. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj na Spotify
L’Amour de Loin (2000)
Rozgrywający się w XII-wiecznej Francji , pierwsza opera urodzonego w Finlandii Saariaho, której premiera odbyła się w Salzburgu w 2000 roku, jest nawiedzoną opowieścią o poszukiwaniach wyidealizowanej miłości przez trubadura, a także o kontemplacji życia, tęsknoty i śmierci. Na podstawie La Vida breve Jaufre Rudela, z librettem francusko-libańskiego pisarza Amina Maaloufa, muzyka ma echa średniowieczne i bliskowschodnie, ale mieni się charakterystycznym i hipnotyzującym głosem Saariaho.FM
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj na Spotify
The Tempest (2003)
Zaczyna się geometryczną burzą, a kończy pocieszającą chaconne. Burza Thomasa Adèsa była katalizatorem dla jego stworzenia języka muzycznego, który jest jednocześnie niezwykle znajomy i urzekająco dziwny. Był to utwór, który natychmiast spełnił oczekiwania wobec tego, co Adès zrobiłby z pełnymi zasobami Royal Opera House, kiedy miał premierę w 2004 roku – i je przekroczył. TS
Przeczytaj naszą recenzję | Posłuchaj na Spotify
Fin de Partie (2018)
Choć często wydawało się, że Kurtág nigdy nie ukończy opery o Końcowej grze Samuela Becketta, na punkcie której miał obsesję od ponad połowy wieku, ostatecznie pojawił się w 93 roku kompozytora. Surowe, całkowicie wierne wykonanie oryginału, przeważnie recytatywne i wzmocnione typowo zwięzłym, szorstkim pismem orkiestrowym. Jest to destylacja bezkompromisowo bezpośredniej muzyki, którą Kurtág komponował przez całą swoją karierę. AC
Przeczytaj naszą recenzję | Obejrzyj produkcję
3 Harrison Birtwistle
Po operach o Punchu, Orfeuszu, Gawainie i King Kongu, pół-człowiek, pół-byk, bohater Minotaura jest prawdopodobnie najbardziej sympatycznym bohaterem Birtwistle’a. „Heroes”. Jego scena śmierci, stworzona specjalnie dla basisty Johna Tomlinsona, to majestatyczna scenografia operowa, punkt kulminacyjny dzieła, w którym wybuchy orkiestrowej przemocy równoważone są przez liryczną piękność i ostrą przejrzystość. AC
Przeczytaj naszą recenzję.
Napisane na skórze (2012)
Pierwsza pełnowymiarowa opera George’a Benjamina, ze słowami Martina Crimpa, pojawiła się w 2012 roku, pozornie ponadczasowa pod każdym względem, jej ostatecznie makabryczna historia opowiedziana w porywający sposób dla współczesnej publiczności poprzez napiętą, precyzyjną i często olśniewająco piękną partyturę. Przemyślana inscenizacja Katie Mitchell była dopiero początkiem: żadna opera nie dała tylu różnych przedstawień w tak wielu teatrach. EJ
Przeczytaj naszą recenzję | Obejrzyj produkcję
Let Me Tell You (2013)
Kiedy zaczął się XXI wiek, pomysł, że Hans Abrahamsen skomponuje jedno z arcydzieł następnych 20 lat, wydawałby się niezwykły . W tamtym czasie przez prawie dekadę słyszano bardzo mało jego muzyki – przeżył blokadę twórczą, którą od tamtej pory opisuje jako „sparaliżowany przez białą księgę”, z której ostatecznie uratował się, komponując serię aranżacji, zarówno jego wcześniejszych partytur, jak i utworów innych, w tym Bacha i Debussy’ego.
Urodzony w 1952 roku w Kopenhadze Abrahamsen rozpoczął karierę jako członek grupy młodych duńskich kompozytorów, którzy zareagowali na to, co uważali za nadmierną złożoność europejskiej nowej muzyki, którą słyszeli i który szukał znacznie prostszego stylu. Eksplorował minimalizm i przez pewien czas studiował u György Ligetiego, a wkrótce stał się jednym z młodszych europejskich kompozytorów do obejrzenia, a jego utwory w latach 80. popierał dyrygent / takich kompozytorów jak Hans Werner Henze i Oliver Knussen. Po wczesnych sukcesach przyszła długa cisza – w ciągu ośmiu lat ukończył tylko jeden krótki utwór, ale wrócił do kompozycji z ukończonym koncertem fortepianowym w 2000 roku, w którym zaczął wymyślać dla siebie całkowicie oryginalny i całkowicie osobisty świat dźwiękowy.
Na liście tej mogłaby równie łatwo znaleźć się praca, która jako pierwsza wykorzystała ten nowo wynaleziony świat, Schnee, niezwykły godzinny utwór z 2008 roku, jak i porywający cykl pieśni orkiestrowych Let Me Tell You, który nastąpił po nim pięć lat później. Zawiłe symetrie i zabarwione mikrotonowo kanony Schnee definiują lodowaty, kruchy świat, który Abrahamsen sam sobie mapował i który stworzył idealne środowisko dla scenografii fragmentów powieści Paula Griffithsa o tym samym tytule, dla którego stworzył piosenki.
Podobnie jak książka Griffiths, Let Me Tell You jest portretem Ofelii, ale takim, który opowiada jej historię z jej perspektywy, a nie ze sposobu, w jaki jest przedstawiona w Hamlecie Szekspira. Jest to scena operowa w równym stopniu, co cykl pieśni, jedna z szybujących wersów i drżących pianisimos, która wykorzystuje jąkające się powtórzenia, stile concitato, które Monteverdi wprowadził do opery cztery wieki temu, aby wyrazić gniew lub niepokój. Pisanie wokalne jest zadziwiająco pewne. Trudno uwierzyć, że było to pierwsze dzieło wokalne Abrahamsena na dużą skalę i wydaje się idealnie dopasowane do sopranistki Barbary Hannigan, dla której został stworzony, i ze względu na jej cenną zdolność unoszenia się eterycznie i bez wysiłku ponad czasami zabronionymi, czasami zachwycająco pięknymi krajobrazami dźwiękowymi. którą orkiestra tworzy pod nią. Jest takie uczucie, powiedział Hannigan o cyklu: „Muzyka zawsze tam była”, a poczucie, że Let Me Tell You jest czymś ponadczasowym i całkowicie nieuniknionym, nadaje temu wyjątkową moc. AC
Posłuchaj praca