Historię zachodniej muzyki klasycznej można podzielić na sześć głównych okresów. Okres renesansu jest drugim z nich, łącząc epokę średniowiecza, która nastąpiła wcześniej, i barok, który miał nastąpić.
Ten przewodnik przedstawi niektóre z historii epoki, cechy muzyczne i ważnych kompozytorów, aby lepiej zrozumieć okres renesansu. Udostępnimy również kilka linków na YouTube do odpowiednich utworów, abyś mógł trochę lepiej poznać brzmienie muzyki.
Era muzyki renesansowej
Renesans dosłownie oznacza „odrodzenie ”.
Okres muzycznego renesansu trwał od 1400-1600 n.e. i był czasem ogromnego wzrostu i rozwoju, kiedy muzyka stała się bardziej ekspresyjna, różnorodna i złożona.
Kompozytorzy mieli więcej swobody piszą tak, jak chcieli, a rozwój technologiczny sprawił, że ich muzyka mogła dotrzeć do większej liczby ludzi.
Zmiana społeczna
Muzyka religijna była nadal wszechobecna w okresie renesansu, ale spadek wpływów kościoła oznaczał, że kompozytorzy uzyskali większą swobodę artystyczną i pozwolono im pisać kreatywną muzykę dla ich własnego dobra.
Ostatnio nastąpiło odrodzenie zainteresowania starożytnymi kulturami, a kompozytorzy zaczęli czerpać inspirację ze sztuki i mitologii starożytnej Grecji i Rzym, a także z astronomii i matematyki.
Kiedy prymitywne sposoby notati Muzyka powstawała w średniowieczu, kompozytorzy mogli wtedy łatwiej dokumentować i udostępniać swoje utwory, ale nadal musiały one być czasochłonnie pisane ręcznie.
Jednak wynalezienie prasy drukarskiej w 1439 roku umożliwiło znacznie szerszą dystrybucję, co doprowadziło do bogatej wymiany pomysłów w całej Europie.
Co więcej, rozwój klasy burżuazyjnej (kulturalnej wyższej klasy średniej) oznaczał, że teraz była gotowa publiczność dla muzyki pisanej, w miarę jak rozwijała się edukacja muzyczna i coraz więcej osób uczyło się czytać nuty.
Znacznie więcej muzyki z tego okresu przetrwało w porównaniu z epoką średniowiecza.
Muzyka kościelna i świecka
Religijna muzyka chóralna dominowała na początku renesansu, a większość opiera się na polifonii (muzyce, która ma dwie lub więcej niezależnych części melodycznych jednocześnie), która rozwinęła się pod koniec średniowiecza.
Motety i msze były tego dwoma typowymi przykładami, przy czym ten ostatni stanowił część liturgii kościoła.
Święte i świeckie style zaczęły na siebie wpływać: madrygał (tradycyjnie niereligijna pieśń bez akompaniamentu na wiele głosów) został przyjęty jako forma kościelna, podczas gdy kompozytorzy świeccy zaczęli pisać motety.
Na początku renesansu możliwości kompozytorów świeckich były ograniczone, a większość miejsc pracy pochodziła z sądów (gospodarstwa domowe i rezydencje władców), które zatrudniały muzyków jako wykonawców, nauczycieli i kompozytorów.
Jednak wraz z upływem czasu popularność muzyki świeckiej rosła, a kompozytorzy mogli teraz przyjmować zamówienia od bogatych amatorów, podczas gdy nowa drukowana muzyka dawała również możliwości finansowe.
Reformacja protestancka oznaczała również, że teraz zarówno kościoły katolickie, jak i protestanckie wymagały muzyki do swoich nabożeństw.
Muzyka świecka była głównie wokalna, ale w tym okresie nastąpił rozwój muzyki instrumentalnej. własne prawo.
Na przykład nie była to już muzyka do tańca lub akompaniamentu, ale utwory, których należy słuchać na poważnie.
Było to zgodne z ogólnym przesunięciem w okresie renesansu w kierunku idei tworzenia sztuki dla sztuki.
Fantasia Williama Byrda (instrumentalna imitacja motetu) jest tego przykładem:
Zawiera świeckie formy pieśni:
- Lied (niemiecki)
- Frottola (włoski)
- Chanson (francuski)
- Madrigal (włoski)
- Villancico ( Hiszpański)
Opera, połączenie muzyki teatralnej i wokalnej, która stała się niezwykle popularna w następnych stuleciach, rozwinęła się we Włoszech pod koniec okresu renesansu.
Dafne Jacopo Peri jest przez wielu uważane za pierwszą operę.
Skomponowany około 1597/1598, był próbą ożywienia stylu klasycznego dramatu greckiego.
Harmonia i Styl
Modalny system harmoniczny okresu średniowiecza – muzyka oparta na skalach lub modach – pozostał na swoim miejscu na początku epoki renesansu.
Reguły kontrapunktu (relacja między jednoczesnymi współzależnymi liniami muzycznymi) stały się bardziej skomplikowane i surowe, jeśli chodzi o to, które interwały są uważane za zgodne, a które są dysonansowe.
Zaczęto używać interwałów tercji i szóstej, co doprowadziło do pierwszego użycia triad – trójdźwiękowych akordów, które stanowią dziś podstawę większości zachodniej muzyki.
Oprócz ścisłe zasady dotyczące kontrapunktu, kompozytorzy mieli znacznie większą swobodę ekspresji.
Wielu próbowało teraz zawrzeć emocje w swojej muzyce, a pomogło to znacznie szerszemu zakresowi wokalnemu w porównaniu z okresem średniowiecza oraz znacznie większej różnorodności elementów takich jak rytm i forma.
Przypadki zaczęły być dodawane do trybów kościelnych, a podejście modalne stopniowo zaczęło być zastępowane przez tonalność funkcjonalną (system harmoniczny oparty na kluczowym centrum, który będzie rządził muzyką przez następne kilkaset lat) skup się na progresji akordów, tonacji molowej i durowej oraz ruchu prymy opartym na kręgu kwint.
Doprowadziło to do powstania powszechnej praktyki harmonii, która w pełni została ustanowiona w okresie baroku.
Zaczęły się pojawiać bogatsze faktury, a kompozytorzy wykorzystali cztery lub więcej niezależnych partii. Coraz częściej starali się połączyć te części ze sobą, a imitacja była kluczowym narzędziem, które pomogło to osiągnąć.
Późnorenesansowe dzieło kompozytorów, takich jak Gregorio Allegri i Giovanni Pierluigi da Palestrina, napisane dla dużych grup chóralnych, jest wspaniałe i zawiłe.
Notacja i teoria
Partytury muzyczne nie były jeszcze w powszechnym użyciu, więc utwory renesansowe były notowane tylko w poszczególnych częściach.
Słupki nie były jeszcze powszechne, a wartości nut były generalnie znacznie dłuższe niż widzielibyśmy dzisiaj.
Semibreves i breves były głównymi jednostkami rytmicznymi, a nie ćwierćnutami i minimami, więc utwór muzyczny napisany w tym czasie wyglądałby zupełnie inaczej niż utwór współczesny.
Kompozytorzy renesansu
Początek epoki renesansu zdominowali kompozytorzy z północnej Francji i Niderlandów, gdzie sądy szczególnie wspierały sztukę.
W późniejszym okresie Włochy zyskały na znaczeniu, produkując wielu znanych kompozytorów.
Artyści z innych części świata również przenieśli się do kraju i to właśnie we Włoszech zaczęło się wiele z pierwszych innowacji okresu baroku.
Ważni kompozytorzy renesansu to:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – Francuz, który pisał zarówno dzieła świeckie, jak i sakralne
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) – włoski kompozytor dzieł religijnych, słynny propagator szkoły rzymskiej
- Thomas Tallis (1505-1585) – jeden z największych kompozytorów Anglii, najbardziej znany ze swoich dzieł chóralnych
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco – Flamandzki kompozytor i teoretyk muzyki
- Orlande de Lassus (1530–1594) – francusko-flamandzki kompozytor muzyki polifonicznej
Oto utwór wokalny des Preza:
Instrumenty renesansu
Wiele instrumentów używanych w epoce renesansu zachęcają do nowoczesnych instrumentów, przy czym niektóre z nich w tym czasie przybrały nowe formy.
Instrumenty dęte blaszane obejmowały trąbkę, która w tym momencie nie miała zaworów i była szeroko używana w wojsku, oraz sackbut, wczesną wersję puzonu, która zastąpiła trąbkę przesuwną.
Wiolonczela lub viola da gamba to sześciostrunowy instrument, na którym gra się smyczkiem, gdy spoczywa na podłodze, podobnie jak współczesna wiolonczela.
Lira była kolejnym członkiem rodziny strun: podobnie jak współczesna miniaturowa harfa, brzdąkało w nią plektron, a nie szarpane palcami.
Szałwia (drewniana, podwójnie stroikowa piszczałka), flet poprzeczny i flet prosty były powszechnie używane na instrumentach dętych drewnianych, podczas gdy popularne instrumenty klawiszowe to klawesyn, klawikord i dziewica.
Rozwój technologiczny w produkcji instrumentów dało zespołom dostęp do większych zakresów i zwiększonej różnorodności teksturalnej, a zespoły również się powiększały.
Utwory stały się trudniejsze i po raz pierwszy zostały napisane dla konkretnych instrumentów.
Zakończenie
To kończy nasze spojrzenie na okres renesansu.
Dowiedzieliśmy się, jak muzyka posunęła się naprzód od średniowiecza, rozwijając się w złożoności i różnorodności, zanim nowa technologia i nowe podejście do harmonii utorowały drogę dla baroku.
Mamy nadzieję, że okaże się to dla Ciebie przydatne i pouczające oraz że może zainspirować Cię do słuchania wspaniałych dźwięków takich artystów jak Palestrina, Byrd i des Prez.