Klassisk period (musik)

Barock / Klassisk övergång c. 1730–1760Redigera

I sin bok The Classical Style hävdar författaren och pianisten Charles Rosen att från 1755 till 1775, tappade kompositörer för en ny stil som var mer effektivt dramatisk. Under högbarockperioden var det dramatiska uttrycket begränsat till representationen av individuella påverkningar (”doktrinen om tillgivenheter” eller vad Rosen kallar ”dramatisk känsla”). Till exempel, i Händels oratorium Jephtha, gör kompositören fyra känslor separat, en för varje karaktär, i kvartetten ”O, spar din dotter”. Så småningom kom denna skildring av individuella känslor som förenklade och orealistiska; kompositörer sökte att skildra flera känslor, samtidigt eller progressivt, inom en enda karaktär eller rörelse (”dramatisk handling”). Således i finalen i akt 2 i Mozarts Die Entführung aus dem Serail, flyttar älskarna ”från glädje genom misstänksamhet och upprördhet till slutlig försoning. ”

Musikaliskt sett krävde denna” dramatiska handling ”mer musikalisk variation. Medan barockmusik kännetecknades av sömlöst flöde inom enskilda rörelser och i stort sett enhetliga strukturer, försökte kompositörer efter högbarocken avbryta detta flöde med plötsliga förändringar i struktur, dynamik, harmoni eller tempo. Bland de stilistiska utvecklingen som följde efter högbarocken hette den mest dramatiska att kallas Empfindsamkeit, (ungefär ”känslig stil”), och dess mest kända utövare var Carl Philipp Emmanuel Bach. Kompositörer av denna stil använde de ovan diskuterade avbrotten på det mest plötsliga sättet, och musiken kan ibland låta ologisk. Den italienska kompositören Domenico Scarlatti tog denna utveckling vidare. Hans mer än femhundra tangentbordssonater med en rörelse innehåller också plötsliga texturförändringar, men dessa förändringar är organiserade i perioder, balanserade fraser som blev ett kännetecken för den klassiska stilen. Scarlattis strukturförändringar låter dock fortfarande plötsliga och oförberedda. De enastående prestationerna hos de stora klassiska kompositörerna (Haydn, Mozart och Beethoven) var deras förmåga att få dessa dramatiska överraskningar att låta logiskt motiverade, så att ”det uttrycksfulla och eleganta kunde gå samman. ”

Mellan JS Bachs död och Haydns och Mozarts mognad (ungefär 1750-1770) experimenterade kompositörer med dessa nya idéer, vilket kan ses i musiken från Bachs söner. . Johann Christian utvecklade en stil som vi nu kallar Roccoco, bestående av enklare strukturer och harmonier, och som var ”charmig, udramatisk och lite tom.” Som tidigare nämnts försökte Carl Philipp Emmanuel öka drama och hans musik var ”våldsam, uttrycksfull, lysande, kontinuerligt överraskande och ofta osammanhängande.” Och slutligen Wilhelm Friedemann, J.S. Bachs äldste son utvidgade barocktraditionerna på ett idiomatiskt, okonventionellt sätt.

Till en början tog den nya stilen över barockformerna – den ternära da capo aria, sinfonia och konserten – men sammansatt med enklare delar mer noterad ornamentik snarare än de improviserade ornamenten som var vanliga i barocktiden och mer eftertrycklig delning av bitar i sektioner. Men med tiden orsakade den nya estetiken radikala förändringar i hur bitarna sattes ihop och de grundläggande formella layouterna Kompositörer från denna period sökte dramatiska effekter, slående melodier och tydligare strukturer. En av de stora texturförändringarna var en förskjutning från den komplexa, täta polyfoniska stilen i barocken, där flera sammanvävda melodiska linjer spelades samtidigt och mot homofoni, en lättare konsistens som använder en tydlig enda melodilinje tillsammans med ackord.

Barockmusik använder i allmänhet många harmoniska fantasier och polyfoniska sektioner som fokuserar mindre på strukturen musikstycke, och det var mindre betoning på tydliga musikfraser. Under den klassiska perioden blev harmonierna enklare. Men styckets struktur, fraser och små melodiska eller rytmiska motiv, blev mycket viktigare än under barockperioden.

Ett annat viktigt avbrott med det förflutna var den genomgripande översynen av opera av Christoph Willibald Gluck, som skar bort en stor del av lager och improvisationsprydnader och fokuserade på punkterna för modulering och övergång.Genom att göra dessa stunder där harmonin förändras mer i fokus, möjliggjorde han kraftfulla dramatiska förändringar i musikens känslomässiga färg. För att markera dessa övergångar använde han förändringar i instrumentation (orkestrering), melodi och läge. Bland de mest framgångsrika kompositörerna under sin tid skapade Gluck många emulatorer, inklusive Antonio Salieri. Deras betoning på tillgänglighet medförde stora framgångar inom opera och i andra sångmusik som sånger, oratorier och refrängar. Dessa ansågs vara de viktigaste typerna av musik för att uppträda och åtnjöt därför störst allmänhetens framgång.

Fasen mellan barocken och uppkomsten av det klassiska (omkring 1730) var hem för olika konkurrerande musikstilar. Mångfalden av konstnärliga vägar representeras av Johann Sebastian Bachs söner: Wilhelm Friedemann Bach, som fortsatte barocktraditionen på ett personligt sätt; Johann Christian Bach, som förenklade barockstrukturer och tydligast påverkade Mozart; och Carl Philipp Emanuel Bach, som komponerade passionerad och ibland våldsamt excentrisk musik från Empfindsamkeit-rörelsen. Musikalisk kultur fångades vid ett vägskäl: mästarna i den äldre stilen hade tekniken, men allmänheten hungrade efter det nya. Detta är en av anledningarna till att CPE Bach hölls så högt: han förstod de äldre formerna ganska bra och visste hur de skulle presenteras i nya kläder, med en ökad variation i form.

1750–1775Edit

I slutet av 1750-talet fanns det blomstrande centrum av den nya stilen i Italien, Wien, Mannheim och Paris; dussintals symfonier komponerades och det fanns band av spelare förknippade med musikteatrar. Opera eller annan sångmusik åtföljd av orkester var kännetecknet för de flesta musikhändelser, med konserter och symfonier (som härrör från överturen) som instrumentala mellanrum och introduktioner för opera och kyrkogudstjänster. Under den klassiska perioden utvecklades symfonier och konserter och presenterades oberoende av sångmusik.

Den ”normala” orkesterensemblen – en strängkropp kompletterad av blåsare – och rörelser av speciell rytmisk karaktär etablerades i slutet av 1750-talet i Wien. Emellertid var längden och vikten av bitar fortfarande inställda med vissa barockegenskaper: enskilda rörelser fokuserade fortfarande på en ”affekt” (musikalisk stämning) eller hade bara en skarpt kontrasterande mittdel, och deras längd var inte signifikant större än barockrörelser. Det fanns ännu ingen tydligt förklarad teori om hur man komponerar i den nya stilen. Det var ett ögonblick moget för ett genombrott.

Den första stora mästaren i stilen var kompositören Joseph Haydn. I slutet av 1750-talet började han komponera symfonier, och 1761 hade han komponerat en triptych (Morning, Noon och Evening) i det moderna läget. Som vice kapellmeister och senare Kapellmeister utvidgades hans produktion: han komponerade över fyrtio symfonier bara på 1760-talet. Och medan hans berömmelse växte, när hans orkester utvidgades och hans kompositioner kopierades och sprids, var hans röst bara en bland många.

Medan vissa forskare föreslår att Haydn överskuggades av Mozart och Beethoven, skulle det vara svårt att överdriva Haydns centrala ställning till den nya stilen, och därför till framtiden för västerländsk konstmusik som helhet. På den tiden före Mozarts eller Beethovens framträdande och med Johann Sebastian Bach främst känd för tangentkännare. musik nådde Haydn en plats i musik som satte honom över alla andra kompositörer utom kanske barocktiden George Frideric Handel. Haydn tog befintliga idéer och ändrade radikalt hur de fungerade – tjänade honom titlarna ”symfonins fader” och ”stråkkvartettens far”.

En av de krafter som fungerade som en drivkraft för hans pressning. framåt var den första omrörningen av vad som senare skulle kallas romantik – Sturm und Drang, eller ”storm och stress” -fasen i konsten, en kort period där uppenbar och dramatisk emotionalism var en stilistisk preferens. Haydn ville därför ha mer dramatisk kontrast och mer känslomässigt tilltalande melodier, med skärpt karaktär och individualitet i sina bitar. Denna period försvann i musik och litteratur: den påverkade emellertid vad som kom efteråt och skulle så småningom bli en del av estetisk smak under senare decennier.

Farvälssymfonin, nr 45 i F♯ Mindre, exemplifierar Haydn. integrering av de olika kraven i den nya stilen, med överraskande skarpa svängar och en långsam långsam adagio för att avsluta arbetet.År 1772 slutförde Haydn sin Opus 20-uppsättning med sex stråkkvartetter, där han använde de polyfoniska tekniker som han hade samlat från förra barocktiden för att ge strukturell koherens som kunde hålla samman sina melodiska idéer. För vissa markerar detta början på den ”mogna” klassiska stilen, där reaktionsperioden mot senbarockkomplexitet gav en period av integration barock och klassiska element.

1775–1790Redigera

Haydn, som arbetat i över ett decennium som musikchef för en prins, hade mycket mer resurser och utrymme för att komponera än de flesta andra kompositörer. Hans position gav honom också förmågan att forma de krafter som skulle spela hans musik, eftersom han kunde välja skickliga musiker. Denna möjlighet slösades inte bort, eftersom Haydn, som började ganska tidigt i sin karriär, försökte driva fram tekniken att bygga och utveckla idéer i sin musik. Hans nästa viktiga genombrott var i strängkvartetterna Opus 33 (1781), där de melodiska och de harmoniska rollerna skiljer sig mellan instrumenten: det är ofta tillfälligt oklart vad som är melodi och vad som är harmoni. Detta förändrar hur ensemblet arbetar sig mellan dramatiska övergångsstunder och klimatiska sektioner: musiken flyter smidigt och utan uppenbart avbrott. Han tog sedan den här integrerade stilen och började tillämpa den på orkestermusik och sångmusik.

Haydns musikgåva var ett sätt att komponera, ett sätt att strukturera verk, vilket samtidigt överensstämde med den nya stilens styrande estetik . Men en yngre samtida, Wolfgang Amadeus Mozart, förde sitt geni till Haydns idéer och tillämpade dem på två av dagens stora genrer: opera och den virtuosa konserten. Medan Haydn tillbringade mycket av sitt yrkesliv som en domstolsförfattare. , Mozart ville ha allmänhetens framgång i städernas konsertliv, spela för allmänheten. Detta innebar att han behövde skriva operaer och skriva och framföra virtuösa verk. Haydn var inte en virtuos på internationell turnénivå, och han försökte inte heller skapa opera verk som kunde spela i många nätter framför en stor publik. Mozart ville uppnå båda. Dessutom hade Mozart också smak för mer kromatiska ackord (och större kontraster i det harmoniska språket i allmänhet), en större kärlek för att skapa en smälter av melodier i ett enda verk och en mer italiensk känslighet i musiken som helhet. Han fann, i Haydns musik och senare i sin studie av JF: s polyfoni. Bach, sättet att disciplinera och berika hans konstnärliga gåvor.

Mozart kom snabbt till Haydn, som hyllade den nya kompositören, studerade hans verk och övervägde den yngre mannen hans enda sanna kamrat i musik. I Mozart hittade Haydn ett större spektrum av instrumentering, dramatisk effekt och melodisk resurs. Inlärningsförhållandet rörde sig i båda riktningar. Mozart hade också en stor respekt för den äldre, mer erfarna kompositören och försökte lära av honom.

Mozarts ankomst till Wien 1780 medförde en acceleration i utvecklingen av den klassiska stilen. Där absorberade Mozart fusionen av italiensk glans och germansk sammanhållning som hade bryggts under de senaste 20 åren. Hans egen smak för flashiga briljanser, rytmiskt komplexa melodier och figurer, långa cantilena-melodier och virtuos blomstrar slogs samman med en uppskattning för formell koherens och intern anslutning. Det är vid denna tidpunkt som krig och ekonomisk inflation stoppade en trend för större orkestrar och tvingade upplösningen eller minskningen av många teaterorkestrar. Detta pressade den klassiska stilen inåt: mot att söka större ensemble och tekniska utmaningar – till exempel sprida melodin över träblås eller använda en melodi harmoniserad i tredjedelar. Denna process placerade en premie på liten ensemblemusik, kallad kammarmusik. Det ledde också till en trend för mer offentliga framträdanden, vilket gav stärkekvartetten och andra små ensemblegrupper ytterligare en boost.

Det var under detta decennium som allmän smak började alltmer erkänna att Haydn och Mozart hade nått en hög kompositionsstandard. När Mozart anlände vid 25 års ålder, 1781, var de dominerande stilarna i Wien igenkännbart kopplade till framväxten på 1750-talet av den tidiga klassiska stilen.I slutet av 1780-talet hade förändringar i performance-praxis, den relativa statusen för instrumental och sångmusik, tekniska krav på musiker och stilistisk enhet blivit etablerade hos kompositörerna som imiterade Mozart och Haydn. Under detta årtionde komponerade Mozart sina mest berömda operaer, hans sex sena symfonier som hjälpte till att omdefiniera genren och en rad pianokonserter som fortfarande står på toppen av dessa former.

En kompositör som var inflytelserik i sprida den mer seriösa stilen som Mozart och Haydn hade bildat är Muzio Clementi, en begåvad virtuos pianist som band med Mozart i en musikalisk ”duell” inför kejsaren där de var och en improviserade på pianot och framförde sina kompositioner. Clementis sonater för pianot cirkulerade i stor utsträckning och han blev den mest framgångsrika kompositören i London under 1780-talet. Även i London vid den här tiden var Jan Ladislav Dussek, som liksom Clementi uppmuntrade pianotillverkare att utöka sortimentet och andra funktioner i deras instrument och utnyttjade sedan fullt ut de nyligen öppnade möjligheterna. Londons betydelse under den klassiska perioden förbises ofta, men det fungerade som hemmet till Broadwoods fabrik för pianotillverkning och som bas för kompositörer som, medan mindre anmärkningsvärt än ”Wienskolan”, hade ett avgörande inflytande på vad som kom senare. De var kompositörer till många fina verk, anmärkningsvärda i sig. Londons smak för virtuositet kan mycket väl ha uppmuntrat det komplexa passeringsarbetet och utökade uttalanden om tonic och dominant.

Runt 1790–1820Redigera

När Haydn och Mozart började komponera spelades symfonier som enstaka satser – före, mellan eller som mellanrum i andra verk – och många av dem varade bara tio eller tolv minuter; instrumentgrupper hade olika spelstandarder och kontinuiteten var en central del av musikskapandet.

Under de mellanliggande åren hade musikens sociala värld haft dramatiska förändringar. Internationell publicering och turné hade vuxit explosivt och konsertsällskap bildades. Notationen blev mer specifik, mer beskrivande – och scheman för verk hade förenklats (ändå blev mer varierade i deras exakta träning. 1790, strax före Mozarts död, med sitt rykte som spred sig snabbt, var Haydn redo för en rad framgångar, särskilt hans sena oratorier och Londons symfonier. Kompositörer i Paris, Rom och hela Tyskland vände sig till Haydn och Mozart för deras idéer om form.

På 1790-talet uppstod en ny generation kompositörer, född omkring 1770. Medan de hade vuxit upp med de tidigare stilarna, hörde de i de senaste verken av Haydn och Mozart ett medel för större uttryck. 1788 bosatte Luigi Cherubini sig i Paris och 1791 komponerade Lodoiska, en opera som höjde honom till berömmelse. Dess stil återspeglar tydligt den mogna Haydn och Mozart, och dess instrumentering gav den en tyngd som ännu inte kändes i den stora operaen. Hans samtida Étienne Méhul förlängde instrumentella effekter med sin opera Euphrosine et Coradin från 1790, från vilken följde en rad framgångar. Det sista trycket mot förändring kom från Gaspare Spontini, som var djupt beundrad av framtida romantiska kompositörer som Weber, Berlioz och Wagner. Det innovativa harmoniska språket i hans operaer, deras raffinerade instrumentering och deras ”förankrade” slutna nummer (ett strukturellt mönster som senare antogs av Weber i Euryanthe och från honom överlämnades, genom Marschner, till Wagner), bildade grunden från vilken franska och Tysk romantisk opera hade sin början.

Den mest ödesdigra av den nya generationen var Ludwig van Beethoven, som lanserade sina numrerade verk 1794 med en uppsättning av tre pianotrioer, som finns kvar i repertoaren. Något yngre än de andra var Johann Nepomuk Hummel, även om det var lika uppnått på grund av hans ungdomliga studier under Mozart och hans infödda virtuositet. Hummel studerade också under Haydn; han var en vän till Beethoven och Franz Schubert. Han koncentrerade sig mer på piano än något annat instrument, och hans tid i London 1791 och 1792 genererade komposition och publicering 1793 av tre pianosonater, opus 2, som idiomatiskt använde Mozarts tekniker för att undvika den förväntade kadensen, och Clementi ”ibland modalt osäker virtuos figuration. Sammantaget kan dessa kompositörer ses som framkant för en bred stilförändring och musikens centrum. De studerade varandras verk, kopierade varandras gester i musik och uppförde sig ibland som krångliga rivaler.

De avgörande skillnaderna med den föregående vågen kan ses i den nedåtgående förskjutningen av melodier, ökande varaktigheter av rörelser, acceptansen av Mozart och Haydn som paradigmatisk, större användning av tangentbordets resurser, övergången från ”vokal ”skriva till” pianistisk ”skrivning, den växande dragningen av minor och modal tvetydighet, och den ökande betydelsen av varierande medföljande figurer för att föra” textur ”framåt som ett element i musik. Kort sagt sökte den sena klassikern musik som var internt mer komplex. Tillväxten av konsertsällskap och amatörorkestrar, som markerade vikten av musik som en del av medelklasslivet, bidrog till en blomstrande marknad för pianon, pianomusik och virtuoser att fungera som exemplar. Hummel, Beethoven och Clementi var alla kända för sin improvisation.

Barockens direkta inflytande fortsatte att blekna: den räknade basen blev mindre framträdande som ett sätt att hålla prestanda ihop, prestationsmetoderna i mitten -1800-talet fortsatte att dö ut. Samtidigt började kompletta utgåvor av barockmästare dock bli tillgängliga, och påverkan av barockstil fortsatte att växa, särskilt i den allt mer expansiva användningen av mässing. Ett annat inslag i perioden är det växande antalet föreställningar där kompositören inte var närvarande. Detta ledde till ökad detalj och specificitet i notationen; till exempel fanns det färre ”valfria” delar som stod åtskilda från huvudpartituret.

Kraften i dessa skift blev tydlig med Beethovens tredje symfoni, med namnet Eroica, vilket är italienska för ”heroisk ”, av kompositören. Som med Stravinskys” The Rite of Spring ”, kanske den inte har varit den första i alla dess innovationer, men dess aggressiva användning av alla delar av den klassiska stilen skiljer den från dess samtida verk: i längd ambition och harmoniska resurser.