Musikhistoria

Medeltida musikRedigera

Medan musiklivet var utan tvekan rik på den tidiga medeltiden, vilket bekräftas av konstnärliga skildringar av instrument, skrifter om musik och andra skivor, det enda repertoar av musik som har överlevt från före 800 och fram till idag är den romerska katolska kyrkans slättlånga liturgiska musik. , vars största del kallas gregoriansk sång. Påven Gregorius I, som gav sitt namn till det musikaliska repertoaret och kanske själv har varit en kompositör, påstås vanligtvis vara upphovsmannen till den musikaliska delen av liturgin i sin nuvarande form, även om källorna som ger detaljer om hans bidrag härrör från mer än hundra år efter hans död. Många forskare tror att hans rykte har överdrivits av legenden. Det mesta av sångrepertoaret komponerades anonymt under århundradena mellan Gregory och Charlemagne.

Under 800-talet ägde flera viktiga utvecklingar rum. För det första gjorde kyrkan ett stort försök att förena de många sångtraditionerna och undertrycka många av dem till förmån för den gregorianska liturgin. För det andra sjöngs den tidigaste polyfoniska musiken, en form av parallell sång som kallas organum. För det tredje och av störst betydelse för musikhistorien uppfanns notationen på nytt efter ett förlopp på cirka fem hundra år, även om det skulle ta flera århundraden till innan ett system av tonhöjd och rytmnotation utvecklades med den precision och flexibilitet som moderna musiker tar för givet.

Flera polyfoniskolor blomstrade under perioden efter 1100: St. Martial School of Organum, vars musik ofta kännetecknades av en snabbt rörlig del över en enda ihållande linje; Notre Dame-skolan för polyfoni, som omfattade kompositörerna Léonin och Pérotin, och som producerade den första musiken i mer än två delar omkring 1200; den musikaliska smältkroppen av Santiago de Compostela i Galicien, en pilgrimsdestination och plats där musiker från många traditioner samlades i slutet av medeltiden, vars musik överlever i Codex Calixtinus; och den engelska skolan, vars musik överlever i Worcester Fragments och Old Hall Manuskript. Vid sidan av dessa skolor med helig musik utvecklades en livlig tradition av sekulär sång, vilket exemplifieras i musiken från trubadurerna, trouvèresna och Minnesänger. Mycket av den senare sekulära musiken från tidig renässans utvecklades från trubadurernas former, idéer och musikaliska estetik, kyrkliga poeter och omväxlande musiker vars kultur till stor del utrotades under det Albigensiska korståget i början av 1200-talet.

Former av helig musik som utvecklades under slutet av 1200-talet inkluderade motetten, conductus, discant och clausulae. En ovanlig utveckling var Geisslerlieder, musiken från vandrande band av flagellanter under två perioder: mitten av 1200-talet (tills de undertrycktes av kyrkan); och perioden under och omedelbart efter Black Death, omkring 1350, då deras aktiviteter spelades in tydligt och väldokumenterades med noterad musik. Deras musik blandade folksångstilar med bot eller apokalyptiska texter. 1300-talet i europeisk musikhistoria domineras av ars novas stil, som enligt konvention är grupperad med den medeltida eran inom musik, även om den hade mycket gemensamt med tidiga renässansideal och estetik. Mycket av tidens överlevande musik är sekulär och tenderar att använda formens fixar: balladen, virelai, lai, rondeau, som motsvarar poetiska former med samma namn. De flesta verk i dessa former är för en till tre röster, troligen med instrumental ackompanjemang: berömda kompositörer inkluderar Guillaume de Machaut och Francesco Landini.

RenässansmusikRedigera

Början av Renässansen i musik är inte så tydligt markerad som början på renässansen i andra konstarter, och till skillnad från andra konstarter började den inte i Italien utan i norra Europa, särskilt i det område som för närvarande består av centrala och norra Frankrike, Nederländerna och Belgien. De burgundiska kompositörernas stil, som den första generationen av den fransk-flamländska skolan är känd, var till en början en reaktion mot den överdrivna komplexiteten och stilen i den sena 1300-talets ars subtilior och innehöll tydlig, sjungande melodi och balanserad polyfoni alla röster. De mest kända kompositörerna i den burgundiska skolan i mitten av 1400-talet är Guillaume Dufay, Gilles Binchois och Antoine Busnois.

I mitten av 1400-talet började kompositörer och sångare från de låga länderna och angränsande områden sprida sig över hela Europa, särskilt till Italien, där de var anställda av det påvliga kapellet och de aristokratiska konstnärerna. (som familjerna Medici, Este och Sforza). De bar sin stil med sig: slät polyfoni som kunde anpassas för helig eller sekulär användning efter behov. De viktigaste formerna av helig musikalisk komposition vid den tiden var mässan, motetten och berömmen; sekulära former inkluderade chanson, frottola och senare madrigalen.

Uppfinningen av tryckning hade ett oerhört inflytande över spridningen av musikstilar, och tillsammans med rörelsen för de fransk-flamländska musikerna bidrog de till inrättandet av den första riktigt internationella stilen i europeisk musik sedan föreningen av den gregorianska sången under Karl den store. Kompositörer från medelgenerationen i den fransk-flamländska skolan inkluderade Johannes Ockeghem, som skrev musik i en kontrapunktiskt komplex stil, med varierad konsistens och en detaljerad användning av kanoniska apparater; Jacob Obrecht, en av de mest berömda masskomponisterna under de senaste decennierna av 1400-talet; och Josquin des Prez, förmodligen den mest kända kompositören i Europa före Palestrina, och som under 1500-talet var känd som en av de största artisterna i någon form. Musik i generationen efter Josquin utforskade den ökande kontrapunktens komplexitet; kanske det mest extrema uttrycket är i Nicolas Gombert-musiken, vars kontrapunktala komplexitet påverkade tidig instrumental musik, som canzona och ricercar, som slutligen kulminerade i barockfugalformer.

I mitten av 1500-talet , den internationella stilen började bryta ner, och flera mycket olika stilistiska trender blev uppenbara: en trend mot enkelhet i helig musik, enligt instruktioner från Counter-Reformation Council of Trent, exemplifierad i musiken av Giovanni Pierluigi da Palestrina; en trend mot komplexitet och kromatism i madrigalen, som nådde sitt extrema uttryck i den avantgardistiska stilen vid Ferrara School of Luzzaschi och madrigalisten Carlo Gesualdo från slutet av århundradet; och den grandiosa, klangliga musiken från den venetianska skolan, som använde arkitekturen i basilikan San Marco di Venezia för att skapa antifonala kontraster. Musiken från den venetianska skolan inkluderade utvecklingen av orkestrering, ornamenterade instrumentdelar och kontinuerliga baspartier, som alla inträffade inom ett spann av flera decennier runt 1600. Berömda kompositörer i Venedig inkluderade Gabrielis, Andrea och Giovanni samt Claudio Monteverdi, en av de mest betydelsefulla innovatörerna i slutet av eran.

De flesta delar av Europa hade aktiva och väl differentierade musiktraditioner i slutet av seklet. I England skrev kompositörer som Thomas Tallis och William Byrd helig musik i en stil som liknar den som skrivs på kontinenten, medan en aktiv grupp av hemodlade madrigalister anpassade den italienska formen för engelska smaker: kända kompositörer inkluderade Thomas Morley, John Wilbye och Thomas Weelkes. Spanien utvecklade egna instrumental- och sångstilar, med Tomás Luis de Victoria som skrev förfinad musik som liknade Palestrina, och många andra kompositörer som skrev för den nya gitarren. Tyskland odlade polyfoniska former byggda på de protestantiska koralerna, som ersatte den romersk-katolska gregorianska sången som grund för helig musik och importerade stilen med den venetianska skolan (vars utseende definierade början på barocktiden där). Dessutom skrev tyska kompositörer enorma mängder orgelmusik, vilket skapade grunden för den senare barock orgelstilen som kulminerade i J.S. Bach. Frankrike utvecklade en unik musikstilsdikt som kallas musique mesurée, som används i sekulära chansons, med kompositörer som Guillaume Costeley och Claude Le Jeune framträdande i rörelsen.

En av de mest revolutionära rörelserna i eran tog plats i Florens på 1570- och 1580-talet, med arbetet av den florentinska Camerata, som ironiskt nog hade en reaktionär avsikt: missnöjd med vad de såg som samtida musikaliska fördärv, deras mål var att återställa musiken från de antika grekerna. Huvudsaklig bland dem var Vincenzo Galilei, astronomens far, och Giulio Caccini. Frukterna av deras arbete var en deklamatorisk melodisk sångstil som kallas monodi och en motsvarande iscensatt dramatisk form: en form som i dag kallas opera. De första operaerna, skrivna runt 1600, definierar också slutet på renässansen och början på barocktiderna.

Musik före 1600 var snarare än tonal. Flera teoretiska utvecklingar sent på 1500-talet, såsom skrifterna om skalor på lägen av Gioseffo Zarlino och Franchinus Gaffurius, ledde direkt till utvecklingen av normal praxis tonalitet.De stora och mindre skalorna började dominera över de gamla kyrkliga lägena, en egenskap som först var tydligast vid kadenta punkter i kompositioner, men blev gradvis genomgripande. Musik efter 1600, som börjar med tonmusiken från barocktiden, kallas ofta för att tillhöra den vanliga övningsperioden.

BarockmusikRedigera

J.S. Bach med Toccata och fuga

Barocktiden ägde rum från 1600 till 1750, som barockkonstnär. stil blomstrade över hela Europa och under denna tid utvidgades musiken i sitt sortiment och komplexitet. Barockmusik började när de första operaerna (dramatisk solo-sångmusik tillsammans med orkester) skrevs. Under barocktiden förblev polyfonisk kontrapuntal musik, där flera, oberoende melodilinjer användes samtidigt, viktigt (kontrapunkt var viktigt i medeltidens sångmusik). Tyska, italienska, franska, nederländska, polska, spanska, portugisiska och engelska barockkompositörer skrev för små ensembler inklusive stråkar, mässing och träblåsare, liksom för körer och tangentinstrument som rörorgel, cembalo och klavichord. Under denna period definierades flera stora musikformer som varade i senare perioder när de utvidgades och utvecklades ytterligare, inklusive fuga, uppfinningen, sonaten och konserten. Den sena barockstilen var polyfoniskt komplex och rikt utsmyckad. Viktiga kompositörer från barocktiden inkluderar Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann och Antonio Vivaldi.

Klassisk musik era Redigera

Den klassiska periodens musik kännetecknas av homofonisk struktur, eller en uppenbar melodi med ackompanjemang. Dessa nya melodier tenderade att vara nästan röstliknande och sjungande, vilket gör att kompositörer faktiskt kan ersätta sångare som fokus för musiken. Instrumentalmusik ersatte därför snabbt opera och andra sjungna former (som oratorium) som favorit för den musikaliska publiken och symbolen för den stora kompositionen. Operan försvann dock inte: under den klassiska perioden började flera kompositörer producera operaer för allmänheten på sina modersmål (tidigare operor var vanligtvis på italienska).

Tillsammans med röstens gradvisa förskjutning i mot starkare, tydligare melodier, blev kontrapunkten vanligtvis en dekorativ blomning, som ofta användes i slutet av ett verk eller för en enda sats. I stället blev enkla mönster, såsom arpeggios och, i pianomusik, Alberti-bas (ett ackompanjemang) med ett upprepat mönster vanligtvis i vänster hand), användes för att liva upp styckets rörelse utan att skapa en förvirrande ytterligare röst. Den nu populära instrumentalmusiken dominerades av flera väldefinierade former: sonaten, symfonin och konsert, men ingen av dessa definierades specifikt eller undervisades vid tidpunkten som de är nu i musikteori. Alla tre härrör från sonatform, som är både den överliggande formen av ett helt verk och strukturen för en enda rörelse. Sonatform mognades under den klassiska eran för att bli den primära formen för instrumentkompositioner under hela 1800-talet.

Den tidiga klassiska perioden inleddes av Mannheimskolan, som inkluderade kompositörer som Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz och Christian Cannabich. Det utövade ett djupt inflytande på Joseph Haydn och, genom honom, på all efterföljande europeisk musik. Wolfgang Amadeus Mozart var den centrala figuren i den klassiska perioden, och hans fenomenala och varierade produktion inom alla genrer definierar vår uppfattning om perioden. Ludwig van Beethoven och Franz Schubert var övergångskompositörer som ledde in i den romantiska perioden med sin utvidgning av befintliga genrer, former och till och med musikfunktioner.

Romantisk musikRedigera