Västerländsk klassisk musik kan delas in i sex huvudsakliga tidsperioder. Renässansperioden är den andra av dessa, som länkar samman medeltiden, som kom före, och barockperioden som skulle följa.
Denna guide beskriver en del av era historia, musikaliska egenskaper och viktiga kompositörer, för att ge dig en djupare förståelse av renässansperioden. Vi tillhandahåller också några YouTube-länkar till relevanta delar så att du kan lära känna musikens ljud lite bättre.
Renaissance Music Era
Renaissance betyder bokstavligen ”återfödelse” ”.
Den musikaliska renässansperioden varade från 1400-1600AD och var en tid med enorm tillväxt och utveckling, med musik som blev mer uttrycksfull, varierad och komplex.
Kompositörer hade större frihet att skriva som de ville och teknisk utveckling innebar att deras musik kunde nå fler människor.
Social förändring
Religiös musik var fortfarande allestädes närvarande under renässansperioden, men kyrkans nedgång i inflytande innebar att kompositörer fick mer konstnärlig frihet och fick skriva kreativ musik för sin egen skull.
Det har nyligen skett ett intresse för forntida kulturer och kompositörer började hämta inspiration från det antika Greklands konst och mytologi. och Rom, liksom från astronomi och matematik.
När primitiva sätt att notera ng musik utvecklades under medeltiden, kompositörer kunde sedan dokumentera och dela sina delar lättare, men de var fortfarande tvungna att skriva tidskrävande för hand.
Uppfinningen av tryckpressen 1439 möjliggjorde dock mycket mer omfattande distribution, vilket ledde till ett rikt utbyte av idéer över hela Europa.
Dessutom innebar tillväxten av en borgerlig klass (en odlad övre medelklass) att det nu fanns en färdig publik för skriftlig musik, eftersom musikutbildningen blomstrade och allt fler lärde sig att läsa musik.
Mycket mer musik från denna period överlever jämfört med medeltiden.
Kyrka och sekulär musik
Religiös körmusik var dominerande i början av renässansperioden, med mycket av den bygger på polyfonin (musik som har två eller flera oberoende melodiska delar samtidigt) som utvecklades i slutet av medeltiden.
Moteter och massor var två vanliga exempel på detta, med de senare som en del av kyrkans liturgi.
Heliga och sekulära stilar började påverka varandra: madrigalen (traditionellt en ensamkommande icke-religiös sång för ett antal röster) antogs som en kyrklig form, medan sekulära kompositörer började skriva motetter.
I början av renässansperioden var möjligheterna för sekulära kompositörer begränsade, och de flesta anställda kom från domstolarna (hushåll och bostäder för suveräna), som anställde musiker som artister, lärare och kompositörer.
Men sekulär musik ökade i popularitet med tiden och kompositörer kunde nu ta uppdrag från rika amatörer, medan den nya tryckta musiken också gav ekonomisk möjlighet.
Den protestantiska reformationen innebar också att nu både katolska och protestantiska kyrkor krävde musik för sina respektive tjänster.
Sekulär musik var till stor del vokal, men perioden såg instrumentalmusikens utveckling egen rätt.
Det här var till exempel inte längre musik för dans eller ackompanjemang, utan delar att lyssna på på allvar.
Detta var i linje med en generell förändring under renässansperioden mot idén att skapa konst för konstens skull.
William Byrds Fantasia (en instrumentell imitation av ett motet) är ett exempel på detta:
Ingår i sekulära sångformer:
- Lied (tyska)
- Frottola (italienska)
- Chanson (franska)
- Madrigal (italienska)
- Villancico ( Spanska)
Opera, en kombination av teater och sångmusik som skulle bli oerhört populär under de följande århundradena, utvecklades i Italien i slutet av renässansperioden.
Jacopo Peris Dafne anses av många vara den allra första opera.
Komponerad omkring 1597/1598 var det ett försök att återuppliva stilen med det klassiska grekiska dramaet.
Harmoni och Stil
Medeltidens modala harmoniska system – musik baserad på skalor eller lägen – förblev på plats i början av renässansåldern.
Reglerna för kontrapunkt (förhållandet mellan samtidiga ömsesidigt beroende musiklinjer) blev mer komplicerade och strängare med avseende på vilka intervall som anses vara konsonant och vilka som är dissonanta.
Intervall mellan en tredjedel och en sjätte började användas, och detta ledde till den första användningen av triader – tre-ton ackord som ligger till grund för mycket västerländsk musik idag.
Bortsett från strikta regler kring kontrapunkt hade kompositörer mycket mer frihet att vara uttrycksfulla.
Många försökte nu inkludera känslor i sin musik, och detta fick hjälp av ett mycket större röstomfång jämfört med medeltiden och mycket större variation i element som rytm och form.
Olycksfall började läggas till i kyrkans lägen, och den modala metoden började gradvis ersättas med funktionell tonalitet (det nyckelcentrumbaserade harmoniska systemet som skulle styra musik de närmaste hundra åren), med en fokusera på ackordprogressioner, mindre och större tonalitet och rotrörelse baserad på cirkeln av femtedelar.
Detta ledde vägen mot den gemensamma praxisharmonin som skulle upprättas helt under barocktiden.
Rikare texturer började dyka upp, med kompositörer som använde fyra eller flera oberoende delar. De skulle alltmer försöka få dessa delar att smälta samman, med imitation en nyckelanordning som användes för att uppnå detta.
Det sena renässansarbetet av kompositörer som Gregorio Allegri och Giovanni Pierluigi da Palestrina, skrivet för stora korgrupper, är storartat och invecklat.
Notation och teori
Musikpartituren var ännu inte vanligt, så renässansstycken noterades bara i enskilda delar.
Barlines var ännu inte vanliga och notvärdena var i allmänhet mycket längre än vad vi skulle se idag.
Semibreves och breves var de primära rytmiska enheterna, snarare än crotchets och minims, så ett musikstycke skrivet under denna tid skulle se väldigt annorlunda ut än ett modernt stykke.
Renaissance Composers
Komponister från norra Frankrike och de låga länderna, där domstolarna stödde konsten särskilt, dominerade början på renässansåldern.
Senare växte Italien fram och producerade många anmärkningsvärda kompositörer.
Konstnärer från andra håll flyttade också till landet, och det var i Italien som många av barockperiodens första innovationer skulle börja.
Viktiga renässanskompositörer inkluderar:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – en franskman som skrev både sekulära och heliga verk
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) – en italiensk kompositör av religiösa verk, och en berömd exponent för den romerska skolan
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – en av Englands största kompositörer, mest känd för sina korverk
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Flamsk kompositör och musikteoretiker
- Orlande de Lassus (1530–1594) – Franskt-flamländsk kompositör av polyfonisk musik
Här är en sångstycke av des Prez:
Renässansens instrument
Många instrument som användes under renässansens tid var tidigare ursors till moderna instrument, med några av dem att utvecklas till nya former runt denna tid.
Mässingsinstrument inkluderade trumpeten, som vid denna tidpunkt inte hade några ventiler och som användes i stor utsträckning i militären, och sackbut, en tidig version av trombonen som ersatte glidtrumpeten.
Violen, eller viola da gamba, var ett sexsträngat instrument som spelades med en båge medan det vilade på golvet, på samma sätt som en modern cello.
Lyren var en annan medlem i strängfamiljen: liknar en miniatyrmodell harpa snoddes den med ett plektrum snarare än att plockas med fingrarna.
Shawm (ett dubbelrörsrör av trä), tvärflöjten och inspelaren spelades vanligen träblåsinstrument, medan populära tangentinstrument inkluderade cembalo, klavichord och jungfru.
Teknikutveckling inom instrumenttillverkning gav ensembler tillgång till större intervall och ökad texturell variation, medan ensembler också växte i storlek.
Stycken blev mer utmanande och skrevs nu för specifika instrument för första gången.
Slutsats
Så det avslutar vår blick på renässansperioden.
Vi har lärt oss hur musiken utvecklades framåt från medeltiden och utvecklades i komplexitet och variation, innan ny teknik och ett nytt synsätt på harmoni banade väg för barocktiden.
Vi hoppas att det kommer att visa sig användbart och informativt för dig och att det kan inspirera dig att lyssna på mer underbara ljud från sådana som Palestrina, Byrd och des Prez.