Die Geschichte der westlichen klassischen Musik kann in sechs Hauptzeiträume unterteilt werden. Die Renaissance ist die zweite davon und verbindet das vorhergehende Mittelalter mit der folgenden Barockzeit.
In diesem Leitfaden werden einige der Geschichte, musikalischen Merkmale und wichtigen Komponisten der Epoche beschrieben. um Ihnen ein tieferes Verständnis der Renaissance zu geben. Wir werden auch einige YouTube-Links zu relevanten Stücken bereitstellen, damit Sie den Klang der Musik ein wenig besser kennenlernen können.
Die Renaissance-Musik-Ära
Renaissance bedeutet wörtlich „Wiedergeburt“ ”.
Die musikalische Renaissance dauerte von 1400 bis 1600 n. Chr. Und war eine Zeit enormen Wachstums und großer Entwicklung, in der Musik ausdrucksvoller, vielfältiger und komplexer wurde.
Komponisten hatten mehr Freiheit dazu Schreiben, wie es ihnen gefiel, und technologische Entwicklungen bedeuteten, dass ihre Musik mehr Menschen erreichen konnte.
Sozialer Wandel
Religiöse Musik war in der Renaissance noch allgegenwärtig, aber der Einflussverlust der Kirche bedeutete dies Komponisten erlangten mehr künstlerische Freiheit und durften um ihrer selbst willen kreative Musik schreiben.
Das Interesse an alten Kulturen hatte in jüngster Zeit wieder zugenommen, und Komponisten ließen sich von der Kunst und Mythologie des antiken Griechenland inspirieren und Rom sowie aus der Astronomie und Mathematik.
Wenn primitive Wege der Notati Musik wurde im Mittelalter entwickelt, Komponisten konnten ihre Stücke dann leichter dokumentieren und teilen, aber sie mussten immer noch zeitaufwändig von Hand geschrieben werden.
Die Erfindung der Druckmaschine im Jahr 1439 ermöglichte jedoch eine weitaus breitere Verbreitung, was zu einem intensiven Gedankenaustausch in ganz Europa führte.
Darüber hinaus bedeutete das Wachstum einer bürgerlichen Klasse (einer kultivierten oberen Mittelklasse), dass es jetzt ein vorgefertigtes Publikum für geschriebene Musik gab, da die Musikausbildung florierte und immer mehr Menschen lernten, Musik zu lesen.
Im Vergleich zum Mittelalter ist viel mehr Musik aus dieser Zeit erhalten.
Kirchen- und weltliche Musik
Zu Beginn der Renaissance dominierte religiöse Chormusik mit einem Großteil von Es baut auf der Polyphonie (Musik mit zwei oder mehr gleichzeitig unabhängigen melodischen Teilen) auf, die sich am Ende des Mittelalters entwickelte.
Motetten und Messen waren zwei gängige Beispiele dafür, wobei letztere Teil der Liturgie der Kirche waren.
Heilige und weltliche Stile begannen sich gegenseitig zu beeinflussen: Das Madrigal (traditionell ein unbegleitetes nicht-religiöses Lied für eine Reihe von Stimmen) wurde als Kirchenform angenommen, während weltliche Komponisten begannen, Motetten zu schreiben.
Zu Beginn der Renaissance waren die Möglichkeiten für weltliche Komponisten begrenzt, wobei die meisten Beschäftigungen über die Gerichte (Haushalte und Wohnhäuser von Souveränen) kamen, die Musiker als Interpreten, Lehrer und Komponisten anstellten.
Aber weltliche Musik wurde im Laufe der Zeit immer beliebter, und Komponisten konnten nun Aufträge von wohlhabenden Amateuren entgegennehmen, während die neue gedruckte Musik auch finanzielle Möglichkeiten bot.
Die protestantische Reformation bedeutete auch, dass nun sowohl katholische als auch protestantische Kirchen Musik für ihre jeweiligen Gottesdienste benötigten.
Die weltliche Musik war größtenteils lautstark, aber in dieser Zeit entwickelte sich die Instrumentalmusik eigenes Recht.
Dies war zum Beispiel keine Musik mehr zum Tanzen oder Begleiten, sondern Stücke, die man sich ernsthaft anhören sollte.
Dies stand im Einklang mit einer allgemeinen Verschiebung in der Renaissance hin zu der Idee, Kunst um der Kunst willen zu schaffen.
William Byrds Fantasie (eine instrumentale Nachahmung einer Motette) ist ein Beispiel dafür:
Weltliche Liedformen enthalten:
- Lied (deutsch)
- Frottola (italienisch)
- Chanson (französisch)
- Madrigal (italienisch)
- Villancico ( Spanisch)
Oper, eine Kombination aus Theater und Vokalmusik, die in den folgenden Jahrhunderten unglaublich populär wurde, entwickelte sich in Italien am Ende der Renaissance.
Jacopo Peris Dafne wird von vielen als die allererste Oper angesehen.
Es wurde um 1597/1598 komponiert und war ein Versuch, den Stil des klassischen griechischen Dramas wiederzubeleben.
Harmonie und Stil
Das modale harmonische System des Mittelalters – Musik, die auf Skalen oder Modi basiert – blieb zu Beginn der Renaissance erhalten.
Die Regeln für den Kontrapunkt (die Beziehung zwischen gleichzeitig voneinander abhängigen Musiklinien) wurden komplizierter und strenger in Bezug darauf, welche Intervalle als konsonant und welche dissonant angesehen werden.
Intervalle von einem Drittel und einem Sechstel wurden verwendet, und dies führte zur ersten Verwendung von Triaden – Drei-Noten-Akkorden, die heute viel westliche Musik untermauern.
Abgesehen von der Nach strengen Regeln bezüglich des Kontrapunkts hatten Komponisten viel mehr Freiheit, sich auszudrücken.
Viele versuchten nun, Emotionen in ihre Musik einzubeziehen, was durch einen im Vergleich zum Mittelalter viel größeren Stimmumfang und eine viel größere Vielfalt an Elementen wie Rhythmus und Form unterstützt wurde.
Zufälle wurden zu den kirchlichen Modi hinzugefügt, und der modale Ansatz wurde allmählich durch funktionale Tonalität (das auf dem Schlüsselzentrum basierende harmonische System, das die Musik für die nächsten paar hundert Jahre regieren sollte) ersetzt, mit a Konzentrieren Sie sich auf Akkordfolgen, Moll- und Dur-Tonalität und Grundbewegung basierend auf dem Quintenkreis.
Dies führte zu der Harmonie der gängigen Praxis, die im Barock vollständig hergestellt werden sollte.
Es entstanden reichere Texturen, wobei Komponisten vier oder mehr unabhängige Teile verwendeten. Zunehmend würden sie versuchen, diese Teile miteinander zu verschmelzen, wobei Nachahmung ein Schlüsselgerät war, das verwendet wurde, um dies zu erreichen.
Das für große Chorgruppen geschriebene Werk von Komponisten wie Gregorio Allegri und Giovanni Pierluigi da Palestrina aus der Spätrenaissance ist großartig und kompliziert.
Notation und Theorie
Partituren wurden noch nicht allgemein verwendet, daher wurden Renaissance-Stücke nur in einzelnen Teilen notiert.
Taktstriche waren noch nicht alltäglich, und Notenwerte waren im Allgemeinen viel länger als wir heute sehen würden.
Semibreves und Breves waren die primären rhythmischen Einheiten und nicht Crotchets und Minims. Ein Musikstück, das in dieser Zeit geschrieben wurde, würde also ganz anders aussehen als ein modernes Stück.
Renaissance Composers
Komponisten aus Nordfrankreich und den Niederlanden, wo die Gerichte die Künste besonders unterstützten, dominierten den Beginn der Renaissance.
Später gewann Italien an Bedeutung und brachte viele bemerkenswerte Komponisten hervor.
Künstler aus anderen Ländern zogen ebenfalls in das Land, und in Italien begannen viele der ersten Innovationen des Barock.
Wichtige Komponisten der Renaissance sind:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – ein Franzose, der sowohl weltliche als auch heilige Werke schrieb
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) – ein italienischer Komponist religiöser Werke, und a berühmter Vertreter der römischen Schule
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – einer der größten Komponisten Englands, bekannt für seine Chorwerke
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Flemischer Komponist und Musiktheoretiker
- Orlande de Lassus (1530–1594) – französisch-flämischer Komponist polyphoner Musik
Hier ist ein Vokalstück von des Prez:
Instrumente der Renaissance
Viele Instrumente, die in der Renaissance verwendet wurden, waren Pre-Instrumente ursoren für moderne Instrumente, von denen sich einige um diese Zeit zu neuen Formen entwickeln.
Zu den Blechbläsern gehörten die Trompete, die zu diesem Zeitpunkt keine Ventile hatte und ausgiebig im Militär eingesetzt wurde, und der Sackbut, eine frühe Version der Posaune, die die Schiebetrompete ersetzte.
Die Bratsche oder Viola da Gamba war ein sechssaitiges Instrument, das mit einem Bogen gespielt wurde, während es auf dem Boden ruhte, ähnlich einem modernen Cello.
Die Leier war ein weiteres Mitglied der Saitenfamilie: Ähnlich wie eine moderne Miniaturharfe wurde sie eher mit einem Plektrum als mit den Fingern gezupft.
Der Schalmei (eine hölzerne Doppelrohrpfeife), die Querflöte und die Blockflöte wurden üblicherweise als Holzblasinstrumente gespielt, während beliebte Tasteninstrumente Cembalo, Clavichord und Virginal waren.
Technologische Entwicklungen im Instrumentenbau gab den Ensembles Zugang zu größeren Bereichen und erhöhte die strukturelle Vielfalt, während die Ensembles ebenfalls an Größe zunahmen.
Stücke wurden anspruchsvoller und wurden nun zum ersten Mal für bestimmte Instrumente geschrieben.
Fazit
Damit ist unser Blick auf die Renaissance abgeschlossen.
Wir haben erfahren, wie sich die Musik aus dem Mittelalter in ihrer Komplexität und Vielfalt weiterentwickelt hat, bevor neue Technologien und ein neuer Ansatz zur Harmonie den Weg für die Barockzeit ebneten.
Wir hoffen, dass es sich für Sie als nützlich und informativ erweisen wird und Sie dazu inspirieren könnte, wundervollere Klänge von Palestrina, Byrd und des Prez zu hören.