Historien om vestlig klassisk musik kan opdeles i seks hovedperioder. Renæssanceperioden er den anden af disse, der forbinder middelalderens tid, som kom før, og den barokperiode, der skulle komme.
Denne vejledning skitserer nogle af æraens historie, musikalske karakteristika og vigtige komponister, for at give dig en dybere forståelse af renæssanceperioden. Vi giver også nogle YouTube-links til relevante stykker, så du kan kende lyden af musikken lidt bedre.
Renaissance Music Era
Renaissance betyder bogstaveligt talt “genfødsel ”.
Den musikalske renæssanceperiode varede fra 1400-1600AD og var en tid med enorm vækst og udvikling, hvor musikken blev mere udtryksfuld, varieret og kompleks.
Komponister havde mere frihed til skriv som de havde lyst til, og teknologisk udvikling betød, at deres musik kunne nå ud til flere mennesker.
Social forandring
Religiøs musik var stadig allestedsnærværende i renæssanceperioden, men kirkens tilbagegang i indflydelse betød, at komponister fik mere kunstnerisk frihed og fik lov til at skrive kreativ musik for sin egen skyld.
Der havde for nylig været en genoplivning af interessen for gamle kulturer, og komponister begyndte at hente inspiration fra det antikke Grækenlands kunst og mytologi. og Rom såvel som fra astronomi og matematik.
Når primitive måder at notati ng musik blev udviklet i middelalderen, komponister var derefter i stand til at dokumentere og dele deres stykker lettere, men de var stadig nødt til at blive tidskrævende skrevet ud med hånden.
Opfindelsen af trykpressen i 1439 tillod imidlertid meget mere udbredt distribution, hvilket førte til en rig udveksling af ideer i hele Europa.
Desuden betød væksten af en borgerlig klasse (en kultiveret øvre middelklasse), at der nu var et færdigt publikum til skriftlig musik, da musikuddannelsen blomstrede og et stigende antal lærte at læse musik.
Meget mere musik fra denne periode overlever sammenlignet med middelalderen.
Kirke og verdslig musik
Religiøs kormusik var dominerende i begyndelsen af renæssanceperioden med meget af det bygger på polyfonien (musik, der har to eller flere samtidige uafhængige melodiske dele), der udviklede sig i slutningen af middelalderen.
Moteter og masser var to almindelige eksempler på dette, hvor sidstnævnte var en del af kirkens liturgi.
Hellige og sekulære stilarter begyndte at påvirke hinanden: madrigalen (traditionelt en ikke-ledsaget ikke-religiøs sang for en række stemmer) blev vedtaget som en kirkeform, mens verdslige komponister begyndte at skrive motetter.
I begyndelsen af renæssanceperioden var mulighederne for sekulære komponister begrænsede, idet de fleste beskæftigelser kom via domstolene (husholdninger og suveræne boliger), som hyrede musikere som kunstnere, lærere og komponister.
Men sekulær musik steg i popularitet, efterhånden som tiden gik, og komponister kunne nu tage kommissioner fra velhavende amatører, mens den nye trykte musik også gav økonomisk mulighed.
Den protestantiske reformation betød også, at både katolske og protestantiske kirker nu krævede musik til deres respektive tjenester.
Sekulær musik var stort set vokal, men perioden oplevede udviklingen af instrumentalmusik i sin egen ret.
Dette var for eksempel ikke længere musik til dans eller akkompagnement, men stykker, som man skulle lytte alvorligt til.
Dette var i overensstemmelse med et generelt skift i renæssanceperioden mod ideen om at skabe kunst for kunstens skyld.
William Byrds Fantasia (en instrumental efterligning af et motet) er et eksempel på dette:
Sekulære sangformer inkluderet:
- Lied (tysk)
- Frottola (italiensk)
- Chanson (fransk)
- Madrigal (italiensk)
- Villancico ( Spansk)
Opera, en kombination af teater og vokalmusik, der ville blive utrolig populær i de følgende århundreder, udviklet i Italien i slutningen af renæssanceperioden.
Jacopo Peris Dafne betragtes af mange for at være den allerførste opera.
Komponeret omkring 1597/1598 var det et forsøg på at genoplive stilen med det klassiske græske drama.
Harmoni og Stil
Det middelalderlige harmoniske system fra middelalderen – musik baseret på skalaer eller tilstande – forblev på plads i begyndelsen af renæssancetiden.
Reglerne for kontrapunkt (forholdet mellem samtidige indbyrdes afhængige musikalske linjer) blev mere komplicerede og strenge med hensyn til hvilke intervaller der betragtes som konsonant og hvilke der er dissonante.
Intervaller på en tredjedel og en sjette begyndte at blive brugt, og dette førte til den første brug af triader – tre-tone akkorder, der understøtter meget vestlig musik i dag.
Bortset fra strenge regler omkring kontrapunkt havde komponister meget mere frihed til at være udtryksfulde.
Mange forsøgte nu at inkludere følelser i deres musik, og dette blev hjulpet af et langt større vokalområde i forhold til middelalderen og meget større variation i elementer som rytme og form.
Utilsigtede begyndte at blive tilføjet til kirkens tilstande, og den modale tilgang begyndte gradvis at blive erstattet af funktionel tonalitet (det nøglecenterbaserede harmoniske system, der ville styre musik i de næste par hundrede år) med et fokusere på akkordfremskridt, mindre og større tonalitet og rodbevægelse baseret på en femtedelcirkel.
Dette førte vejen mod den fælles praksis-harmoni, der ville blive etableret fuldt ud i barokperioden.
Der begyndte at opstå rigere teksturer med komponister, der benyttede fire eller flere uafhængige dele. I stigende grad ville de forsøge at få disse dele til at blande sig sammen med imitation en nøglenhed, der blev brugt til at hjælpe med at opnå dette.
Arbejdet med komponister som Gregorio Allegri og Giovanni Pierluigi da Palestrina fra sen renæssance-æraen, skrevet til store korgrupper, er storslået og indviklet.
Notation og teori
Musikpartiturerne var endnu ikke i almindelig brug, så renæssancestykker blev kun noteret i individuelle dele.
Barlines var endnu ikke almindelige, og noteværdier var generelt meget længere end vi ville se i dag.
Semibreves og breves var de primære rytmiske enheder snarere end crotchets og minims, så et stykke musik skrevet i løbet af denne tid ville se meget anderledes ud end et moderne stykke.
Renaissance Composers
Komponister fra det nordlige Frankrig og de lave lande, hvor domstolene støttede kunsten specielt, dominerede begyndelsen på renæssancetiden.
Senere voksede Italien frem og producerede mange bemærkelsesværdige komponister.
Kunstnere fra andre steder flyttede også til landet, og det var i Italien, at mange af barokkens første innovationer ville begynde.
Vigtige renæssancekomponister inkluderer:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – en franskmand, der skrev både verdslige og hellige værker
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) – en italiensk komponist af religiøse værker og en berømt eksponent for den romerske skole
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – en af Englands største komponister, bedst kendt for sine korværker
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Flamsk komponist og musikteoretiker
- Orlande de Lassus (1530–1594) – Franco-flamsk komponist af polyfonisk musik
Her er et vokalstykke af des Prez:
Renæssancens instrumenter
Mange instrumenter, der blev brugt i renæssancetiden, var før ursors til moderne instrumenter, hvor nogle af dem udvikler sig til nye former omkring denne tid.
Messinginstrumenter omfattede trompeten, som på dette tidspunkt ikke havde nogen ventiler og blev brugt i vid udstrækning i militæret, og sackbut, en tidlig version af trombonen, der erstattede glidentrompeten.
Violen, eller viola da gamba, var et seksstrenget instrument, der blev spillet med en bue, mens det hvilede på gulvet på samme måde som en moderne ‘cello.
Lyren var et andet medlem af strengfamilien: svarende til en moderne mini-harpe blev den kvalt med et plektrum snarere end plukket med fingrene.
Shawm (et træ, dobbeltrøret rør), den tværgående fløjte og blokfløjten blev ofte spillet træblæsere, mens populære keyboardinstrumenter inkluderede cembalo, klavichord og jomfru.
Teknologisk udvikling inden for instrumentfremstilling gav ensembler adgang til større områder og øget teksturel variation, mens ensembler også voksede i størrelse.
Stykker blev mere udfordrende og blev nu skrevet for bestemte instrumenter for første gang.
Konklusion
Så det slutter vores kig på renæssanceperioden.
Vi har lært om, hvordan musik bevægede sig fremad fra middelalderen og udviklede sig i kompleksitet og variation, inden ny teknologi og en ny tilgang til harmoni banede vejen for barokperioden.
Vi håber, at det vil være nyttigt og informativt for dig, og at det kan inspirere dig til at lytte til mere vidunderlige lyde fra folk som Palestrina, Byrd og des Prez.