La historia de la música clásica occidental se puede dividir en seis períodos de tiempo principales. El período del Renacimiento es el segundo de ellos, que une la época medieval, que vino antes, y el período barroco que le seguiría.
Esta guía esbozará parte de la historia de la época, las características musicales y los compositores importantes, para brindarle una comprensión más profunda del período del Renacimiento. También proporcionaremos algunos enlaces de YouTube a piezas relevantes para que pueda conocer un poco mejor el sonido de la música.
The Renaissance Music Era
Renaissance significa literalmente «renacimiento ”.
El período del Renacimiento musical duró desde 1400-1600 d.C. y fue una época de gran crecimiento y desarrollo, con la música volviéndose más expresiva, variada y compleja.
Los compositores tenían más libertad para escribir como quisieran y los desarrollos tecnológicos significaron que su música podría llegar a más personas.
Cambio social
La música religiosa todavía era omnipresente en el período del Renacimiento, pero la disminución de la influencia de la iglesia significó que los compositores obtuvieron más libertad artística y se les permitió escribir música creativa por sí misma.
Recientemente se ha resurgido el interés por las culturas antiguas, y los compositores comenzaron a inspirarse en el arte y la mitología de la antigua Grecia y Roma, así como de la astronomía y las matemáticas.
Cuando formas primitivas de notati Como la música se desarrolló en el período medieval, los compositores pudieron documentar y compartir sus piezas más fácilmente, pero aún así tuvieron que ser escritas a mano, que consumían mucho tiempo.
Sin embargo, la invención de la imprenta en 1439 permitió una distribución mucho más amplia, lo que dio lugar a un rico intercambio de ideas en toda Europa.
Además, el crecimiento de una clase burguesa (una clase media alta culta) significó que ahora había una audiencia preparada para la música escrita, a medida que la educación musical florecía y un número creciente de personas aprendía a leer música.
Sobrevive mucha más música de este período en comparación con la época medieval.
Música religiosa y secular
La música coral religiosa fue dominante al comienzo del período del Renacimiento, con gran parte de se basa en la polifonía (música que tiene dos o más partes melódicas independientes simultáneas) que se desarrolló al final del período medieval.
Los motetes y las misas fueron dos ejemplos comunes de esto, y estos últimos formaron parte de la liturgia de la iglesia.
Los estilos sagrado y secular comenzaron a influirse entre sí: el madrigal (tradicionalmente una canción no religiosa sin acompañamiento para varias voces) se adoptó como una forma de iglesia, mientras que los compositores seculares comenzaron a escribir motetes.
Al comienzo del período del Renacimiento, las oportunidades para los compositores seculares eran limitadas, y la mayor parte del empleo provenía de los tribunales (hogares y residencias de soberanos), que contrataban músicos como intérpretes, profesores y compositores.
Pero la música secular aumentó en popularidad a medida que pasaba el tiempo, y los compositores ahora podían recibir comisiones de aficionados adinerados, mientras que la nueva música impresa también brindaba oportunidades financieras.
La reforma protestante también significó que ahora tanto las iglesias católica como las protestantes requerían música para sus respectivos servicios.
La música secular era en gran parte vocal, pero el período vio el desarrollo de la música instrumental en su derecho propio.
Esto ya no era música para bailar o para acompañar, por ejemplo, sino piezas para escuchar en serio.
Esto estaba en consonancia con un cambio general en el período del Renacimiento hacia la idea de crear arte por el arte.
Fantasia de William Byrd (una imitación instrumental de un motete) es un ejemplo de esto:
Formas de canciones seculares incluidas:
- Lied (alemán)
- Frottola (italiano)
- Chanson (francés)
- Madrigal (italiano)
- Villancico ( Español)
La ópera, una combinación de teatro y música vocal que se volvería increíblemente popular durante los siglos siguientes, se desarrolló en Italia al final del período del Renacimiento.
Dafne de Jacopo Peri es considerada por muchos como la primera ópera.
Compuesto alrededor de 1597/1598, fue un intento de revivir el estilo del drama clásico griego.
Armonía y Estilo
El sistema armónico modal del período medieval – la música basada en escalas, o modos – permaneció en su lugar al comienzo de la era del Renacimiento.
Las reglas para el contrapunto (la relación entre líneas musicales interdependientes simultáneas) se volvieron más complicadas y estrictas con respecto a qué intervalos se consideran consonantes y cuáles disonantes.
Se empezaron a utilizar intervalos de una tercera y una sexta, y esto llevó al primer uso de las tríadas, acordes de tres notas que sustentan gran parte de la música occidental actual.
Aparte de la reglas estrictas en torno al contrapunto, los compositores tenían mucha más libertad para ser expresivos.
Muchos ahora intentaron incluir emoción en su música, y esto fue ayudado por un rango vocal mucho mayor en comparación con el período medieval, y una variedad mucho mayor en elementos como el ritmo y la forma.
Los accidentales comenzaron a agregarse a los modos de iglesia, y el enfoque modal comenzó a ser reemplazado gradualmente por la tonalidad funcional (el sistema armónico basado en el centro clave que gobernaría la música durante los próximos cientos de años), con un concéntrese en las progresiones de acordes, la tonalidad menor y mayor y el movimiento fundamental basado en el círculo de quintas.
Esto abrió el camino hacia la armonía de práctica común que se establecería plenamente en el período barroco.
Comenzaron a surgir texturas más ricas, con compositores que utilizaban cuatro o más partes independientes. Cada vez más, tratarían de hacer que estas partes se fusionaran, con la imitación como un dispositivo clave que se utilizó para ayudar a lograrlo.
La obra de la era tardía del Renacimiento de compositores como Gregorio Allegri y Giovanni Pierluigi da Palestrina, escrita para grandes grupos corales, es grandiosa e intrincada.
Notación y teoría
Las partituras musicales aún no eran de uso común, por lo que las piezas del Renacimiento solo se anotaban en partes individuales.
Las barras de compás aún no eran algo común y los valores de las notas eran generalmente mucho más largos de lo que veríamos hoy.
Semibreves y breves eran las unidades rítmicas primarias, en lugar de crotchets y minims, por lo que una pieza de música escrita durante este tiempo se vería muy diferente a una pieza moderna.
Renaissance Composers
Los compositores del norte de Francia y los Países Bajos, donde las cortes eran particularmente partidarios de las artes, dominaron el comienzo de la era del Renacimiento.
Más tarde, Italia creció en prominencia, produciendo muchos compositores notables.
Artistas de otros lugares también se mudaron al país, y fue en Italia donde comenzarían muchas de las primeras innovaciones del período barroco.
Entre los compositores del Renacimiento importantes se incluyen:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – un francés que escribió tanto obras seculares como sagradas
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) – un compositor italiano de obras religiosas y famoso exponente de la escuela romana
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – uno de los más grandes compositores de Inglaterra, mejor conocido por sus obras corales
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Compositor flamenco y teórico de la música
- Orlande de Lassus (1530-1594) – Compositor franco-flamenco de música polifónica
Aquí hay una pieza vocal de des Prez:
Instrumentos del Renacimiento
Muchos instrumentos utilizados en la era del Renacimiento fueron prec ursores de los instrumentos modernos, y algunos de ellos se desarrollaron en nuevas formas en esta época.
Los instrumentos de metal incluían la trompeta, que en ese momento no tenía válvulas y se usaba mucho en el ejército, y el sackbut, una versión temprana del trombón que reemplazó a la trompeta deslizante.
La viola, o viola da gamba, era un instrumento de seis cuerdas que se tocaba con un arco mientras descansaba en el suelo, de manera similar a un chelo moderno.
La lira era otro miembro de la familia de cuerdas: similar a un arpa moderna en miniatura, se rasgueaba con una púa en lugar de tocarla con los dedos.
La chirimía (una flauta de madera de doble lengüeta), la flauta transversal y la flauta dulce se tocaban comúnmente como instrumentos de viento de madera, mientras que los instrumentos de teclado populares incluían el clavicémbalo, el clavicordio y el virginal.
Desarrollos tecnológicos en la fabricación de instrumentos les dio a los conjuntos acceso a rangos más amplios y una mayor variedad de texturas, mientras que los conjuntos también crecieron en tamaño.
Las piezas se volvieron más desafiantes y ahora se escribieron para instrumentos específicos por primera vez.
Conclusión
Entonces, eso concluye nuestra mirada al período del Renacimiento.
Hemos aprendido cómo la música avanzó desde el período medieval, desarrollándose en complejidad y variedad, antes de que la nueva tecnología y un nuevo enfoque de la armonía allanaran el camino para el período barroco.
Esperamos que le resulte útil e informativo, y que pueda inspirarle a escuchar más sonidos maravillosos de gente como Palestrina, Byrd y des Prez.