Historia de la música

Música medievalEditar

Mientras que la vida musical fue indudablemente rico en la era medieval temprana, como lo atestiguan las representaciones artísticas de instrumentos, escritos sobre música y otros registros, el único repertorio de música que ha sobrevivido desde antes del 800 hasta la actualidad es la música litúrgica de canto llano de la Iglesia Católica Romana , la mayor parte del cual se llama canto gregoriano. El Papa Gregorio I, que dio su nombre al repertorio musical y pudo haber sido él mismo compositor, se suele afirmar que es el creador de la parte musical de la liturgia en su forma actual, aunque las fuentes que dan detalles sobre su contribución datan de más que cien años después de su muerte. Muchos estudiosos creen que su reputación ha sido exagerada por la leyenda. La mayor parte del repertorio de cantos se compuso de forma anónima en los siglos transcurridos entre la época de Gregorio y Carlomagno.

Durante el siglo IX se produjeron varios desarrollos importantes. Primero, hubo un gran esfuerzo por parte de la Iglesia para unificar las muchas tradiciones del canto y reprimir muchas de ellas a favor de la liturgia gregoriana. En segundo lugar, se cantó la música polifónica más antigua, una forma de canto paralelo conocida como organum. En tercer lugar, y de mayor importancia para la historia de la música, la notación se reinventó después de un lapso de unos quinientos años, aunque pasarían varios siglos más antes de que un sistema de notación de tono y ritmo evolucionara con la precisión y flexibilidad que los músicos modernos dan por sentado.

Varias escuelas de polifonía florecieron en el período posterior a 1100: la escuela St. Martial of organum, cuya música a menudo se caracterizaba por una parte que se movía rápidamente sobre una sola línea sostenida; la escuela de polifonía de Notre Dame, que incluía a los compositores Léonin y Pérotin, y que produjo la primera música de más de dos partes hacia el año 1200; el crisol musical de Santiago de Compostela en Galicia, lugar de peregrinaje y lugar de encuentro de músicos de muchas tradiciones a finales de la Edad Media, cuya música se conserva en el Codex Calixtinus; y la escuela inglesa, cuya música se conserva en los Worcester Fragments y el Old Hall Manuscript. Junto a estas escuelas de música sacra se desarrolló una vibrante tradición de canto secular, como se ejemplifica en la música de los trovadores, trouvères y Minnesänger. Gran parte de la música secular posterior del Renacimiento temprano evolucionó a partir de las formas, ideas y la estética musical de los trovadores, poetas cortesanos y músicos itinerantes, cuya cultura fue en gran parte exterminada durante la Cruzada contra los Albigenses a principios del siglo XIII.

Las formas de música sacra que se desarrollaron a fines del siglo XIII incluyeron el motete, conductus, discant y clausulae. Un desarrollo inusual fue el Geisslerlieder, la música de bandas errantes de flagelantes durante dos períodos: mediados del siglo XIII (hasta que fueron suprimidos por la Iglesia); y el período durante e inmediatamente posterior a la Peste Negra, alrededor de 1350, cuando sus actividades fueron grabadas vívidamente y bien documentadas con música anotada. Su música mezclaba estilos de canciones populares con textos penitenciales o apocalípticos. El siglo XIV en la historia de la música europea está dominado por el estilo del ars nova, que por convención se agrupa con la era medieval en la música, aunque tenía mucho en común con los ideales y la estética del Renacimiento temprano. Gran parte de la música que sobrevive de la época es secular y tiende a utilizar las formas fijas: la balada, el virelai, el lai, el rondeau, que corresponden a formas poéticas de los mismos nombres. La mayoría de las piezas en estas formas son para una a tres voces, probablemente con acompañamiento instrumental: entre los compositores famosos se encuentran Guillaume de Machaut y Francesco Landini.

Música renacentistaEditar

El comienzo de la El Renacimiento en la música no está tan claramente marcado como el comienzo del Renacimiento en las otras artes y, a diferencia de las otras artes, no comenzó en Italia, sino en el norte de Europa, específicamente en el área que actualmente comprende el centro y norte de Francia. Holanda y Bélgica. El estilo de los compositores borgoñones, como se conoce a la primera generación de la escuela franco-flamenca, fue al principio una reacción contra la excesiva complejidad y el estilo amanerado del ars subtilior de finales del siglo XIV, y contenía una melodía clara y cantable y una polifonía equilibrada en todas las voces. Los compositores más famosos de la escuela borgoñona de mediados del siglo XV son Guillaume Dufay, Gilles Binchois y Antoine Busnois.

A mediados del siglo XV, los compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes comenzaron a extenderse por Europa, especialmente en Italia, donde fueron empleados por la capilla papal y los mecenas aristocráticos de las artes. (como las familias Medici, Este y Sforza). Llevaban su estilo con ellos: polifonía suave que podría adaptarse para uso sagrado o secular según fuera apropiado. Las principales formas de composición musical sagrada en ese momento eran la misa, el motete y el laude; Las formas seculares incluyeron la chanson, la frottola y más tarde el madrigal.

La invención de la imprenta tuvo una inmensa influencia en la difusión de los estilos musicales y, junto con el movimiento de los músicos franco-flamencos, contribuyó a el establecimiento del primer estilo verdaderamente internacional en la música europea desde la unificación del canto gregoriano bajo Carlomagno. Los compositores de la generación media de la escuela franco-flamenca incluyeron a Johannes Ockeghem, quien escribió música en un estilo contrapuntualmente complejo, con textura variada y un elaborado uso de recursos canónicos; Jacob Obrecht, uno de los compositores de masas más famosos de las últimas décadas del siglo XV; y Josquin des Prez, probablemente el compositor más famoso de Europa antes de Palestrina, y quien durante el siglo XVI fue reconocido como uno de los más grandes artistas en cualquier forma. La música de la generación posterior a Josquin exploró la creciente complejidad del contrapunto; posiblemente la expresión más extrema se encuentre en la música de Nicolas Gombert, cuyas complejidades contrapuntísticas influyeron en la música instrumental temprana, como la canzona y el ricercar, culminando finalmente en formas fugales barrocas.

A mediados del siglo XVI. , el estilo internacional comenzó a derrumbarse, y varias tendencias estilísticas muy diversas se hicieron evidentes: una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, según lo dirigido por el Concilio de Contrarreforma de Trento, ejemplificado en la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina; una tendencia hacia la complejidad y el cromatismo en el madrigal, que alcanzó su máxima expresión en el estilo vanguardista de la Escuela Ferrara de Luzzaschi y el madrigalista de finales de siglo Carlo Gesualdo; y la grandiosa y sonora música de la escuela veneciana, que utilizó la arquitectura de la Basílica San Marco di Venezia para crear contrastes antifonales. La música de la escuela veneciana incluyó el desarrollo de la orquestación, partes instrumentales ornamentadas y partes de bajo continuo, todo lo cual ocurrió en un lapso de varias décadas alrededor de 1600. Compositores famosos en Venecia incluyeron a Gabrielis, Andrea y Giovanni, así como a Claudio. Monteverdi, uno de los innovadores más importantes del final de la era.

La mayor parte de Europa tenía tradiciones musicales activas y bien diferenciadas a finales de siglo. En Inglaterra, compositores como Thomas Tallis y William Byrd escribieron música sacra en un estilo similar al escrito en el continente, mientras que un grupo activo de madrigalistas locales adaptó la forma italiana para los gustos ingleses: compositores famosos incluyeron a Thomas Morley, John Wilbye y Thomas Weelkes. España desarrolló estilos instrumentales y vocales propios, con Tomás Luis de Victoria escribiendo música refinada similar a la de Palestrina, y muchos otros compositores escribiendo para la nueva guitarra. Alemania cultivó formas polifónicas basadas en los corales protestantes, que sustituyeron al canto gregoriano católico romano como base para la música sacra, e importó el estilo de la escuela veneciana (cuya aparición definió el inicio de la era barroca allí). Además, los compositores alemanes escribieron enormes cantidades de música para órgano, sentando las bases para el estilo de órgano barroco posterior que culminó con la obra de J.S. Llevar una vida de soltero. Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como musique mesurée, utilizado en canciones seculares, con compositores como Guillaume Costeley y Claude Le Jeune prominentes en el movimiento.

Uno de los movimientos más revolucionarios de la época tomó lugar en Florencia en las décadas de 1570 y 1580, con el trabajo de la Camerata florentina, que irónicamente tenía una intención reaccionaria: insatisfechos con lo que veían como depravaciones musicales contemporáneas, su objetivo era restaurar la música de los antiguos griegos. Los principales entre ellos fueron Vincenzo Galilei, el padre del astrónomo, y Giulio Caccini. El fruto de su trabajo fue un estilo de canto melódico declamatorio conocido como monodia, y una forma dramática escenificada correspondiente: una forma conocida hoy como ópera. Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también definen el final del Renacimiento y el comienzo de las eras barrocas.

La música anterior a 1600 era más modal que tonal. Varios desarrollos teóricos a finales del siglo XVI, como los escritos sobre escalas sobre modos de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, llevaron directamente al desarrollo de la tonalidad práctica común.Las escalas mayor y menor comenzaron a predominar sobre los viejos modos de la iglesia, una característica que al principio era más evidente en los puntos cadenciales de las composiciones, pero que gradualmente se volvió omnipresente. La música posterior a 1600, comenzando con la música tonal de la época barroca, se refiere a menudo como perteneciente al período de práctica común.

Música barrocaEditar

J.S. Bach
Toccata y fuga

La época barroca se desarrolló entre 1600 y 1750, como el barroco artístico El estilo floreció en toda Europa y, durante este tiempo, la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música dramática solista acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto era importante en la música vocal de la época medieval). Compositores barrocos alemanes, italianos, franceses, holandeses, polacos, españoles, portugueses e ingleses escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, metales y vientos de madera, así como para coros e instrumentos de teclado como órgano de tubos, clavicémbalo y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto. El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se incluyen Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.

Era de la música clásicaEditar

La música del periodo clásico se caracteriza por una textura homofónica, o una melodía obvia con acompañamiento. Estas nuevas melodías tendían a ser casi vocales y cantables, lo que permitía a los compositores reemplazar a los cantantes como el foco de la música. Por lo tanto, la música instrumental reemplazó rápidamente a la ópera y otras formas cantadas (como el oratorio) como el favorito del público musical y el epítome de la gran composición. Sin embargo, la ópera no desapareció: durante el período clásico, varios compositores comenzaron a producir óperas para el público en general en sus idiomas nativos (las óperas anteriores eran generalmente en italiano).

Junto con el desplazamiento gradual de la voz en A favor de melodías más fuertes y claras, el contrapunto también se convirtió típicamente en una floritura decorativa, a menudo utilizada cerca del final de una obra o para un solo movimiento. En su lugar, patrones simples, como arpegios y, en la música de piano, el bajo Alberti (un acompañamiento con un patrón repetido típicamente en la mano izquierda), se utilizaron para animar el movimiento de la pieza sin crear una voz adicional confusa. La música instrumental ahora popular estaba dominada por varias formas bien definidas: la sonata, la sinfonía y la concierto, aunque ninguno de ellos fue definido o enseñado específicamente en el momento e como están ahora en teoría musical. Los tres derivan de la forma sonata, que es tanto la forma superpuesta de una obra completa como la estructura de un solo movimiento. La forma de la sonata maduró durante la era clásica para convertirse en la forma principal de las composiciones instrumentales a lo largo del siglo XIX.

El período clásico temprano fue introducido por la Escuela de Mannheim, que incluía a compositores como Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz y Christian Cannabich. Ejerció una profunda influencia en Joseph Haydn y, a través de él, en toda la música europea posterior. Wolfgang Amadeus Mozart fue la figura central del período clásico, y su producción fenomenal y variada en todos los géneros define nuestra percepción del período. Ludwig van Beethoven y Franz Schubert fueron compositores de transición que condujeron al período romántico, con su expansión de géneros, formas e incluso funciones existentes de la música.

Música románticaEditar

En el período romántico, la música se volvió más expresiva y emocional, y se expandió para abarcar la literatura, el arte y la filosofía. Entre los famosos compositores románticos tempranos se incluyen Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti y Berlioz. A finales del siglo XIX se produjo una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y en el papel de los conciertos como parte de la sociedad urbana.Compositores famosos de la segunda mitad del siglo incluyen a Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi y Wagner. Entre 1890 y 1910, una tercera ola de compositores, incluidos Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini y Sibelius, se basaron en el trabajo de compositores del Medio Romántico para crear obras musicales aún más complejas, y a menudo mucho más largas. Una marca destacada de la música de finales del siglo XIX es su fervor nacionalista, ejemplificado por figuras como Dvořák, Sibelius y Grieg. Otras figuras destacadas de finales del siglo XX son Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy y Rimsky-Korsakov.

Música de los siglos XX y XXIEditar

La música de todo tipo también se volvió cada vez más portátil. El siglo XX vio una revolución en la escucha de música a medida que la radio ganaba popularidad en todo el mundo y se desarrollaban nuevos medios y tecnologías para grabar, capturar, reproducir y distribuir música. Las interpretaciones musicales se volvieron cada vez más visuales con la transmisión y grabación de interpretaciones.

La música del siglo XX trajo una nueva libertad y una amplia experimentación con nuevos estilos y formas musicales que desafiaron las reglas aceptadas de la música de períodos anteriores. La invención de la amplificación musical y los instrumentos electrónicos, especialmente el sintetizador, a mediados del siglo XX revolucionó la música clásica y popular y aceleró el desarrollo de nuevas formas musicales.

En cuanto a la música clásica, dos escuelas fundamentales determinó el curso del siglo: el de Arnold Schoenberg y el de Igor Stravinsky.