XXX Live Nude Girls (2003)
Jennifer Walshe preguntó a las niñas cómo jugaban con sus muñecas Barbie y se volvió los confesionarios en una ópera de los horrores en la que los juguetes desencadenan oscuros juegos sexuales y actos de mutilación. Walshe es un genio para este tipo de cosas: se quita el barniz plástico de la cultura comercial parodiando y luego desmembrando sistemáticamente los arquetipos. KM
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City Noir (2009)
El vívido retrato de Adams de Los Ángeles, como se muestra en el cine negro de los años 40 y 50, es una sinfonía de tres movimientos de clases, y también un concierto para orquesta. Es una celebración directa del virtuosismo orquestal que hace referencia a una gran cantidad de modismos estadounidenses sin llegar a ser demasiado específico. No es su mejor obra orquestal de ninguna manera (las del siglo pasado), sino una obra maestra eficaz y extrovertida. AC
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23 James MacMillan
El prolífico compositor escocés ha tenido un impacto en la música coral, dibujando en su Roman Raíces católicas, más recientemente en su Quinta Sinfonía, Le grand Inconnu, y en sus Tenebrae Responsories. Su Stabat Mater para coro y orquesta de cuerda, estrenado y comisionado por Harry Christophers and the Sixteen, captó la imaginación del público, su mensaje directo, inmediato, radiante y apasionado. FM
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22 Linda Catlin Smith
Sujeta la tela entre los dedos y prueba las fibras. Deja espacio alrededor del material para considerarlo de esta o aquella manera, luego se hunde profundamente. La música de Catlin Smith es lenta y tranquila, pero también exuberante. Más que cualquier minimalista, se inspira en Couperin, Debussy y las pinturas de Agnes Martin. Los resultados son escasos, duros y sensuales; tranquilo no tiene por qué significar suave. KM
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The Blue Notebooks (2004)
Escrito en el período previo a la invasión de Irak en 2003, The Blue Notebooks es la meditación de Max Richter sobre la violencia y guerra, una que se registró en tres horas. El ciclo de la canción está vinculado por la narración de Tilda Swinton, pero las piezas más convincentes no requieren palabras. Organum es un solo de órgano fúnebre, Shadow Journal una pieza de ambient house, pero la pieza central es On the Nature of Daylight (ya que se usa en innumerables películas y bandas sonoras de televisión), donde se utilizan capas de cuerdas en constante expansión para un efecto desgarrador. JL de Richter escribe sobre su composición | Escúchalo en Spotify.
20 Caroline Shaw
Partita de Caroline Shaw, escrito para su propio octeto vocal Roomful of Teeth, es una explosión de discurso, canción y prácticamente todas las técnicas vocales extendidas que puedas imaginar en sus cuatro movimientos de baile «clásicos». Podría destruir las nociones solemnes y duras de grandeza, pero tiene que ser el trabajo más alegre de esta lista. EJ
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Dúo para violonchelo y orquesta (2015)
Un chelo lento gira entre dos notas, un viajero firme en un camino entretejido con una seducción brillante (fanfarrias de metal, cuerdas ardientes). El viaje dura media hora; resume una vida resuelta de mantener el rumbo en tiempos brillantes y dolorosos. Miller es un maestro de plantar una semilla y poner en marcha un proceso fascinante, y luego seguirlo con la más suntuosa convicción. KM
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18 Brett De an
El australiano Brett Dean, que tocaba la viola en la Filarmónica de Berlín antes de concentrarse en la composición, encontró su voz operística con Hamlet. Una ingeniosa reelaboración de Shakespeare (libreto de Matthew Jocelyn) que se abre con un fragmentado «Ser o no ser …», se estrenó en Glyndebourne en 2017 con Allan Clayton en el papel principal y Barbara Hannigan como Ofelia. FM
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17 Steve Reich
Tomó la quintaesencia de New Compositor de York, diez años completos para procesar los horrores del 11 de septiembre y componer esta tremenda disonante, que pone los hilos de sierra de Reich contra las voces manipuladas. Las grabaciones de los controladores de tráfico aéreo y los testigos oculares horrorizados se empalman y enlazan, las tonalidades de su discurso se replican ( a veces casi burlonamente) por el Cuarteto de Kronos, antes de que lleguemos a una especie de cierre con la oración de un cantor.JL
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16 Rebecca Saunders
La música de Rebecca Saunders siempre crea una poesía visceral y violenta, pero sensualmente resonante. Compuesto en colaboración con la soprano Juliet Fraser, Skin se inspira en Samuel Beckett, convirtiendo la imagen del escritor del polvo como «la piel de una habitación» en una evisceración de 25 minutos de los sonidos que el solista y el conjunto pueden hacer. Saunders se adentra en el mundo interior de los instrumentos, y dentro del grano de la voz de Fraser (raspaduras y gritos, respiraciones y suspiros) y encuentra un mundo revelador de sentimientos intensificados. TS
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Little Match Girl Passion (2007)
Combine el cuento de Hans Christian Andersen sobre la niña fósforo con la Pasión según San Mateo de Bach, y tendrá una de las obras vocales más originales de los últimos tiempos. Extractos de la historia de Andersen y de San Mateo gospel se entrelazan con una escritura vocal estrechamente entrelazada, que a veces no está acompañada, a veces puntuada por una percusión discreta y, a menudo, de un tono reconfortante y conmovedor. AC
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14 Pascal Dusapin
La ópera de Dusapin reinventa el coloquio final de Orfeo y Eurídice, en el límite entre la vida y la muerte, como una meditación sobre la idea de la pasión como expresión del deseo y el sufrimiento. La partitura alude sutilmente a Monteverdi y al barroco francés, pero el mundo sonoro que crea es únicamente del propio Dusapin: tenso, tranquilamente fascinante y austeramente hermoso. TA
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Lost Highway (2003)
La película un poco desconcertante de David Lynch, en la que un músico de jazz asesina su esposa, entra en una fuga psicógena y se convierte en otra persona por completo, era perfectamente adecuado para la adaptación de este excéntrico compositor austríaco, cuya obra de género a caballo explora las nociones de identidad. Una producción inmersiva, puesta en escena por la English National Opera en el Young Vic, utilizó película, una partitura electroacústica chirriante y la voz aterradora y andrógina de David Moss para confundir aún más las cosas. JL
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Concierto para violonchelo (2009)
Una serie de conciertos, para instrumentos solistas occidentales y orientales, recorre como una columna vertebral la música orquestal de Unsuk Chin. Pero la obra para violonchelo es quizás la más original y entretenida y desconcertante de todas, plasmada en cuatro movimientos brillantes que nunca se ajustan al tipo, mientras hacen todo lo que se espera de un concierto, de una manera fresca y poco convencional. AC
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La importancia de llamarse Ernesto (2012)
Con el papel de Lady Bracknell otorgado a un bajo, la fila entre Gwendolen y Cecily realizada a través de megáfonos y acompañada de cristales rotos , y la mayor parte del texto entregado con la rapidez de una ametralladora, esta versión operística de Oscar Wilde no es para los pusilánimes. Pero de alguna manera, captura brillantemente los absurdos de la obra al tiempo que agrega una capa de surrealismo que es completamente de Barry. AC
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10 John Luther Adams
El palíndromo orquestal monumental que hizo de John Luther Adams un compositor de renombre internacional es una emocionante representación del agua en un movimiento irresistible, en la tradición de la música de Wagner, Debussy y Sibelius. Pero la intención de Adams es mucho más que una mera descripción: es una advertencia de lo que nos espera a nosotros y a nuestros mares si no nos preocupamos por ellos. AC
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9 Heiner Goebbels
Una novela de Gertrude Stein, música folclórica japonesa y el álbum de Beach Boys Los sonidos de mascotas no son las fuentes más obvias para una de las fusiones personales únicas de palabras, música e imagen de Goebbels. Pero, como ocurre a menudo en sus obras de teatro, los ingredientes más inverosímiles se unen mágicamente, creando un mundo dramático ingenioso y alusivo como ningún otro, con los sonidos de la década de 1960 contrapuestos al surrealismo incoherente de Stein. AC
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String Quartet No 4 (2003)
Para electrónica en vivo y cuarteto de cuerdas, esta obra de 2003 está escrita en ciclos en lugar de movimientos, con una idea de morir de distancia, renovación y continuación. Harvey experimenta con la tecnología para descubrir nuevas posibilidades auditivas y mantener viva la forma tradicional. Escribió todos sus cuartetos para los Arditti, sabiendo que enfrentarían todos los desafíos que les presentara. El resultado es elocuente y lírico.FM
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7 Louis Andriessen
Después de colaborar con los directores Robert Wilson y Peter Greenaway en trabajos teatrales anteriores, Andriessen recurrió a Hal Hartley para su «ópera cinematográfica en cinco partes», una serie de reflexiones sobre episodios de la Divina Comedia de Dante. Una película de Hartley fue parte de la puesta en escena original, pero la maravillosa partitura políglota de Andriessen, con su gran cantidad de referencias históricas y su exuberante aceptación del jazz y la música folclórica, se destaca por sí sola. > Lea nuestra reseña | Escuche en Spotify
L’Amour de Loin (2000)
Ambientada en la Francia del siglo XII , la primera ópera de Saariaho, de origen finlandés, que se estrenó en Salzburgo en 2000, es una historia inquietante sobre la búsqueda de un trovador del amor idealizado, así como una contemplación de la vida, el anhelo y la muerte. Basado en La Vida breve de Jaufre Rudel, con libreto del escritor franco-libanés Amin Maalouf, la música tiene ecos medievales y de Oriente Medio, pero resplandece en la propia y fascinante voz de Saariaho. FM
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La tempestad (2003)
Comienza con una tormenta geométrica y termina con una chacona consoladora. La tempestad de Thomas Adès fue el catalizador de su creación de un lenguaje musical que es a la vez ricamente familiar y seductoramente extraño. Fue una pieza que inmediatamente cumplió con las expectativas de lo que Adès haría con todos los recursos de la Royal Opera House cuando se estrenó en 2004, y las trascendió. TS
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Fin de Partie (2018)
Aunque a menudo parecía que Kurtág nunca terminaría la ópera en End Game de Samuel Beckett con la que se había obsesionado durante más de medio año. siglo, finalmente apareció en el año 93 del compositor. Una interpretación austera y absolutamente fiel del original, en su mayoría entregada en recitativo y reforzada con escritura orquestal típicamente concisa y nerviosa. Es una destilación de la música directa sin concesiones que Kurtág ha compuesto a lo largo de su carrera. AC
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3 Harrison Birtwistle
Después de las óperas sobre Punch, Orpheus, Gawain y King Kong, el protagonista mitad hombre mitad toro de El Minotauro es quizás el más comprensivo de Birtwistle «héroes». Su escena de muerte, creada especialmente para el bajo John Tomlinson, es una majestuosa pieza operística, el clímax de una obra en la que las erupciones de violencia orquestal se compensan con música de belleza lírica y transparencia acre. AC
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Escrito sobre piel (2012)
La primera ópera a gran escala de George Benjamin, con palabras de Martin Crimp, llegó en 2012 aparentemente atemporal en todos los sentidos, su historia finalmente espantosa contada de manera apasionante a una audiencia moderna a través de la tensa y precisa de Benjamin. ya menudo una partitura brillantemente hermosa. La cuidada puesta en escena de Katie Mitchell fue solo el comienzo: ninguna ópera desde entonces ha tenido tantas producciones diferentes en tantos teatros. EJ
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Déjame decirte (2013)
Cuando comenzó el siglo XXI, la idea de que Hans Abrahamsen compusiera una de las obras maestras de los próximos 20 años habría parecido extraordinaria . En ese momento, se había escuchado muy poco de su música durante casi una década; había sufrido un bloqueo creativo que desde entonces describió como «paralizado por el libro blanco», y del cual finalmente se rescató componiendo una serie de arreglos. tanto de sus propias partituras anteriores como de piezas de otros, incluidos Bach y Debussy.
Nacido en 1952 en Copenhague, Abrahamsen había comenzado su carrera como miembro de un grupo de jóvenes compositores daneses que reaccionaron contra lo que consideraban un exceso de complejidad de la nueva música europea que escuchaban y que buscaba un estilo mucho más simple. Exploró el minimalismo y estudió durante un tiempo con György Ligeti, y pronto se estableció como uno de los compositores europeos más jóvenes a seguir, sus obras defendidas en la década de 1980 por el director / compositores como Hans Werner Henze y Oliver Knussen. Después de los primeros éxitos, se produjo un largo silencio: completó solo una pieza corta en ocho años, pero volvió a la composición con el concierto para piano que terminó. en 2000, en el que comenzó a inventarse un mundo sonoro totalmente original y absolutamente personal.
Esta lista podría ser encabezada fácilmente por el trabajo que explotó por primera vez este mundo recién inventado, Schnee, una extraordinaria pieza de conjunto de una hora de 2008, como por el deslumbrante ciclo de canciones orquestales Let Me Tell You que lo siguió cinco años. más tarde. Las intrincadas simetrías y los cánones con tintes microtonales de Schnee definen el mundo helado y frágil que Abrahamsen había estado trazando para sí mismo, y que pasó a proporcionar el entorno perfecto para la configuración de extractos de la novela de Paul Griffiths del mismo nombre que él hizo. las canciones.
Al igual que el libro de Griffiths, Déjame decirte es un retrato de Ofelia, pero uno que cuenta su historia desde su perspectiva más que desde la forma en que es retratada en Hamlet de Shakespeare. Es una escena operística tanto como un ciclo de canciones, una de versos altísimos y pianissimos temblorosos, y que hace uso de las repeticiones tartamudeantes, stile concitato, que Monteverdi introdujo en la ópera hace cuatro siglos para significar ira o ansiedad. La escritura vocal está asombrosamente asegurada. Es difícil creer que este fue el primer trabajo vocal a gran escala de Abrahamsen, y parece perfectamente adaptado a la soprano Barbara Hannigan, para quien fue concebido, y por su preciosa habilidad para elevarse etérea y sin esfuerzo por encima de los paisajes sonoros a veces prohibitivos, a veces deslumbrantemente hermosos. que la orquesta crea debajo de ella. Hay un sentimiento, ha dicho Hannigan sobre el ciclo: «La música siempre ha estado ahí», y la sensación de que hay algo atemporal y absolutamente inevitable en Let Me Tell You le da un poder muy especial. AC
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