Periodo clásico (música)

Transición barroca / clásica c. 1730–1760Edit

En su libro The Classical Style, el autor y pianista Charles Rosen afirma que entre 1755 y 1775 los compositores para un nuevo estilo que fuera más efectivamente dramático. En el período del Alto Barroco, la expresión dramática se limitaba a la representación de los afectos individuales (la «doctrina de los afectos», o lo que Rosen denomina «sentimiento dramático»). Por ejemplo, en el oratorio Jephtha de Handel, el compositor representa cuatro emociones por separado, una para cada personaje, en el cuarteto «O, perdona a tu hija». Con el tiempo, esta descripción de las emociones individuales llegó a considerarse simplista y poco realista; los compositores buscaron retratar múltiples emociones, simultánea o progresivamente, dentro de un solo personaje o movimiento («acción dramática»). Así, en el final del segundo acto de Die Entführung aus dem Serail de Mozart, los amantes pasan «de la alegría a través de la sospecha y la indignación a reconciliación final «.

Musicalmente hablando, esta» acción dramática «requería más variedad musical. Mientras que la música barroca se caracterizaba por un flujo continuo dentro de los movimientos individuales y texturas en gran parte uniformes, los compositores posteriores al Alto Barroco buscaron interrumpir este flujo con cambios abruptos de textura, dinámica, armonía o tempo. Entre los desarrollos estilísticos que siguieron al Alto Barroco, el más dramático llegó a llamarse Empfindsamkeit, (más o menos «estilo sensible»), y su practicante más conocido fue Carl Philipp Emmanuel Bach. Los compositores de este estilo emplearon las interrupciones mencionadas anteriormente de la manera más abrupta, y la música puede sonar ilógica a veces. El compositor italiano Domenico Scarlatti llevó estos desarrollos más lejos. Sus más de quinientas sonatas de teclado de un solo movimiento también contienen cambios bruscos de textura, pero estos cambios se organizan en períodos, frases equilibradas que se convierten en un sello distintivo del estilo clásico. Sin embargo, los cambios de textura de Scarlatti todavía suenan repentinos y sin preparación. El logro sobresaliente de los grandes compositores clásicos (Haydn, Mozart y Beethoven) fue su capacidad para hacer que estas sorpresas dramáticas suenen lógicamente motivadas, de modo que «lo expresivo y lo elegante júntense las manos «.

Entre la muerte de JS Bach y la madurez de Haydn y Mozart (aproximadamente 1750-1770), los compositores experimentaron con estas nuevas ideas, que se pueden ver en la música de los hijos de Bach . Johann Christian desarrolló un estilo que ahora llamamos rococó, que comprende texturas y armonías más simples, y que era «encantador, poco dramático y un poco vacío». Como se mencionó anteriormente, Carl Philipp Emmanuel buscó aumentar el drama, y su música era «violenta, expresiva, brillante, continuamente sorprendente ya menudo incoherente». Y finalmente Wilhelm Friedemann, J.S. El hijo mayor de Bach extendió las tradiciones barrocas de una manera idiomática y poco convencional.

Al principio, el nuevo estilo se apoderó de las formas barrocas —el ternario da capo aria, la sinfonía y el concierto— pero compuesto con partes más simples , ornamentación más notada, en lugar de los adornos improvisados que eran comunes en la época barroca, y una división más enfática de las piezas en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma en que se ensamblaban las piezas y en los diseños formales básicos Los compositores de este período buscaron efectos dramáticos, melodías sorprendentes y texturas más claras. Uno de los grandes cambios de textura fue el alejamiento del estilo polifónico complejo y denso del barroco, en el que se tocaban simultáneamente múltiples líneas melódicas entrelazadas, y hacia homofonía, una textura más ligera que utiliza una única línea melódica clara acompañada de acordes.

La música barroca generalmente utiliza muchas fantasías armónicas y secciones polifónicas que se centran menos en la estructura. de la pieza musical, y hubo menos énfasis en frases musicales claras. En el período clásico, las armonías se volvieron más simples. Sin embargo, la estructura de la pieza, las frases y los pequeños motivos melódicos o rítmicos, cobraron mucha más importancia que en el período barroco.

Otra ruptura importante con el pasado fue la revisión radical de la ópera de Christoph Willibald Gluck, quien eliminó gran parte de las capas y los ornamentos de improvisación y se centró en los puntos de modulación y transición.Al hacer estos momentos en los que la armonía cambia más de enfoque, permitió poderosos cambios dramáticos en el color emocional de la música. Para resaltar estas transiciones, utilizó cambios en la instrumentación (orquestación), melodía y modo. Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck generó muchos emuladores, incluido Antonio Salieri. Su énfasis en la accesibilidad trajo grandes éxitos en la ópera y en otras músicas vocales como canciones, oratorios y coros. Estos fueron considerados los tipos de música más importantes para la interpretación y, por lo tanto, gozaron de mayor éxito de público.

La fase entre el barroco y el auge del clásico (alrededor de 1730) fue el hogar de varios estilos musicales en competencia. La diversidad de caminos artísticos está representada en los hijos de Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, quien continuó la tradición barroca de manera personal; Johann Christian Bach, quien simplificó las texturas del barroco e influyó más claramente en Mozart; y Carl Philipp Emanuel Bach, que compuso música apasionada ya veces violentamente excéntrica del movimiento Empfindsamkeit. La cultura musical estaba atrapada en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público estaba hambriento de lo nuevo. Esta es una de las razones por las que CPE Bach fue tenido en tan alta estima: entendía bastante bien las formas antiguas y sabía cómo presentarlas con un nuevo atuendo, con una variedad mejorada de formas.

1750–1775Edit

A finales de la década de 1750 había centros florecientes del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París; se compusieron decenas de sinfonías y hubo bandas de músicos asociados con los teatros musicales. La ópera u otra música vocal acompañada por orquesta fue la característica de la mayoría de los eventos musicales, con conciertos y sinfonías (que surgen de la obertura) que sirven como interludios instrumentales e introducciones para óperas y servicios religiosos. A lo largo del período Clásico, las sinfonías y los conciertos se desarrollaron y se presentaron independientemente de la música vocal.

El conjunto de orquesta «normal», un cuerpo de cuerdas complementado por vientos, y movimientos de carácter rítmico particular se establecieron a finales de la década de 1750 en Viena. Sin embargo, la longitud y el peso de las piezas todavía se establecieron con algunas características barrocas: los movimientos individuales todavía se centraban en un «afecto» (estado de ánimo musical) o tenían solo una sección central muy contrastante, y su duración no era significativamente mayor que los movimientos barrocos. Aún no existía una teoría claramente enunciada sobre cómo componer con el nuevo estilo. Era un momento propicio para un gran avance.

El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn. A finales de la década de 1750 comenzó a componer sinfonías y, en 1761, había compuesto un tríptico (Mañana, mediodía y noche) sólidamente en el modo contemporáneo. Como vice-maestro de capilla y más tarde maestro de capilla, su producción se expandió: compuso más de cuarenta sinfonías solo en la década de 1760. Y mientras su fama crecía, a medida que su orquesta se expandía y sus composiciones se copiaban y diseminaban, su voz era solo una entre muchas.

Si bien algunos estudiosos sugieren que Haydn fue eclipsado por Mozart y Beethoven, sería Es difícil exagerar la centralidad de Haydn en el nuevo estilo y, por lo tanto, en el futuro de la música artística occidental en su conjunto. En ese momento, antes de la preeminencia de Mozart o Beethoven, y con Johann Sebastian Bach conocido principalmente por los conocedores del teclado En la música, Haydn alcanzó un lugar en la música que lo colocó por encima de todos los demás compositores excepto quizás George Frideric Handel de la época barroca. Haydn tomó las ideas existentes y alteró radicalmente su funcionamiento, lo que le valió los títulos de «padre de la sinfonía» y «padre del cuarteto de cuerdas».

Una de las fuerzas que funcionó como impulso para su impresión El avance fue la primera conmoción de lo que más tarde se llamaría romanticismo: el Sturm und Drang, o fase de «tormenta y estrés» en las artes, un período corto en el que el emocionalismo obvio y dramático fue una preferencia estilística. En consecuencia, Haydn quería un contraste más dramático y melodías más atractivas emocionalmente, con un carácter e individualidad afilados en sus piezas. Este período se desvaneció en la música y la literatura: sin embargo, influyó en lo que vino después y eventualmente sería un componente del gusto estético en décadas posteriores.

The Farewell Symphony, No. 45 en F♯ Minor, ejemplifica a Haydn «s integración de las diferentes demandas del nuevo estilo, con sorprendentes giros bruscos y un largo adagio lento para terminar el trabajo.En 1772, Haydn completó su conjunto Opus 20 de seis cuartetos de cuerda, en el que desplegó las técnicas polifónicas que había reunido de la época barroca anterior para proporcionar una coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el comienzo del estilo clásico «maduro», en el que el período de reacción contra la complejidad del barroco tardío cedió a un período de integración de elementos barrocos y clásicos.

1775-1790Editar

Haydn, habiendo trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y posibilidades de composición que la mayoría de los demás compositores. Su posición también le dio la capacidad de moldear las fuerzas que tocarían su música, ya que podía seleccionar músicos expertos. Esta oportunidad no se desperdició, ya que Haydn, que comenzó muy temprano en su carrera, buscó impulsar la técnica de construir y desarrollar ideas en su música. Su siguiente avance importante fue en los cuartetos de cuerda Opus 33 (1781), en los que los roles melódicos y armónicos se alternan entre los instrumentos: a menudo no está claro por un momento qué es melodía y qué es armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto se abre camino entre los momentos dramáticos de transición y las secciones climáticas: la música fluye suavemente y sin interrupciones obvias. Luego tomó este estilo integrado y comenzó a aplicarlo a la música orquestal y vocal.

El don de Haydn a la música fue una forma de componer, una forma de estructurar las obras, que estaba al mismo tiempo de acuerdo con la estética imperante del nuevo estilo. . Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart, llevó su genio a las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la época: la ópera y el virtuoso concierto. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida laboral como compositor de la corte. , Mozart quería el éxito público en la vida de conciertos de las ciudades, tocando para el público en general. Esto significaba que necesitaba escribir óperas y escribir e interpretar piezas virtuosas. Haydn no era un virtuoso a nivel de giras internacionales; ni buscaba crear ópera obras que pudieran tocar durante muchas noches frente a una gran audiencia. Mozart quería lograr ambas cosas. Además, Mozart también tenía un gusto por los acordes más cromáticos (y mayores contrastes en el lenguaje armónico en general), un mayor amor por crear una mezcla de melodías en una sola obra, y una sensibilidad más italiana en la música en su conjunto. Encontró, en la música de Haydn y más tarde en su estudio de la polifonía de JS Bach, el medio para disciplinar y enriquecer sus dotes artísticas.

Mozart rápidamente llamó la atención de Haydn, quien saludó al nuevo compositor, estudió sus obras y consideró el joven era su único verdadero compañero en la música. En Mozart, Haydn encontró una mayor variedad de instrumentos, efectos dramáticos y recursos melódicos. La relación de aprendizaje se movía en ambas direcciones. Mozart también tenía un gran respeto por el compositor mayor y más experimentado, y trató de aprender de él.

La llegada de Mozart a Viena en 1780 trajo una aceleración en el desarrollo del estilo clásico. Allí, Mozart absorbió la fusión del brillo italiano y la cohesión germánica que se había estado gestando durante los 20 años anteriores. Su propio gusto por los resplandores llamativos, las melodías y figuras rítmicamente complejas, las melodías largas en cantilenas y las florituras virtuosas se fusionó con el aprecio por la coherencia formal y la conexión interna. Es en este punto que la guerra y la inflación económica detuvieron la tendencia hacia orquestas más grandes y forzaron la disolución o reducción de muchas orquestas de teatro. Esto presionó el estilo clásico hacia adentro: hacia la búsqueda de mayores desafíos técnicos y de conjunto, por ejemplo, esparciendo la melodía a través de instrumentos de viento de madera o usando una melodía armonizada en tercios. Este proceso dio prioridad a la música de pequeños conjuntos, llamada música de cámara. También condujo a una tendencia hacia una actuación más pública, lo que dio un nuevo impulso al cuarteto de cuerdas y otras agrupaciones de conjuntos pequeños.

Fue durante esta década que el gusto del público comenzó, cada vez más, a reconocer que Haydn y Mozart había alcanzado un alto nivel de composición. Cuando Mozart llegó a los 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena estaban claramente conectados con el surgimiento en la década de 1750 del estilo clásico temprano.A fines de la década de 1780, los cambios en la práctica de la interpretación, la posición relativa de la música instrumental y vocal, las demandas técnicas de los músicos y la unidad estilística se habían establecido en los compositores que imitaban a Mozart y Haydn. Durante esta década, Mozart compuso sus óperas más famosas, sus seis sinfonías tardías que ayudaron a redefinir el género y una serie de conciertos para piano que aún se encuentran en la cima de estas formas.

Un compositor que fue influyente en Difundiendo el estilo más serio que habían formado Mozart y Haydn está Muzio Clementi, un talentoso pianista virtuoso que empató con Mozart en un «duelo» musical ante el emperador en el que cada uno improvisó en el piano e interpretó sus composiciones. Las sonatas para piano de Clementi circularon ampliamente y se convirtió en el compositor más exitoso de Londres durante la década de 1780. También en Londres en ese momento estaba Jan Ladislav Dussek, quien, como Clementi, alentó a los pianistas a ampliar el rango y otras características de sus instrumentos, y luego explotó plenamente las posibilidades recién abiertas. La importancia de Londres en el período clásico a menudo se pasa por alto, pero sirvió como hogar de la fábrica de Broadwood para la fabricación de pianos y como base para compositores que, aunque menos notable que la «Escuela de Viena», tuvo una influencia decisiva en lo que vino después. Fueron compositores de muchas obras excelentes, notables por derecho propio. El gusto de Londres por el virtuosismo bien puede haber alentado el trabajo de pasajes complejos y las declaraciones extendidas sobre tónica y dominante.

Alrededor de 1790–1820Editar

Cuando Haydn y Mozart comenzaron a componer, se tocaron sinfonías como movimientos únicos, antes, entre o como interludios dentro de otras obras, y muchos de ellos duraron solo diez o doce minutos; los grupos instrumentales tenían diferentes estándares de ejecución y el continuo era una parte central de la creación musical.

En los años intermedios, el mundo social de la música había experimentado cambios dramáticos. La publicación y las giras internacionales habían crecido de manera explosiva y se formaron sociedades de conciertos. La notación se volvió más específica, más descriptiva, y los esquemas de las obras se habían simplificado (pero se habían vuelto más En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, con su reputación extendiéndose rápidamente, Haydn estaba preparado para una serie de éxitos, en particular sus últimos oratorios y sinfonías de Londres. Compositores de París, Roma y de toda Alemania acudieron a Haydn y Mozart por sus ideas sobre la forma.

En la década de 1790, surgió una nueva generación de compositores, nacidos alrededor de 1770. Si bien habían crecido con los estilos anteriores, escucharon en las obras recientes de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuso Lodoiska, ópera que lo llevó a la fama. Su estilo refleja claramente a los maduros Haydn y Mozart, y su instrumentación le dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera. Su contemporáneo Étienne Méhul amplió los efectos instrumentales con su ópera Euphrosine et Coradin de 1790, de la que siguió una serie de éxitos. El impulso final hacia el cambio vino de Gaspare Spontini, profundamente admirado por futuros compositores románticos como Weber, Berlioz y Wagner. El innovador lenguaje armónico de sus óperas, su refinada instrumentación y sus números cerrados «encadenados» (patrón estructural que luego fue adoptado por Weber en Euryanthe y de él transmitido, a través de Marschner, a Wagner), formaron la base a partir de la cual el francés y La ópera romántica alemana tuvo sus inicios.

El más fatídico De la nueva generación fue Ludwig van Beethoven, quien lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos de piano, que permanecen en el repertorio. Algo más joven que los demás, aunque igualmente logrado debido a sus estudios juveniles con Mozart y su virtuosismo nativo, era Johann Nepomuk Hummel. Hummel también estudió con Haydn; era amigo de Beethoven y Franz Schubert. Se concentró más en el piano que en cualquier otro instrumento, y su paso por Londres en 1791 y 1792 generó la composición y publicación en 1793 de tres sonatas para piano, opus 2, que utilizaba idiomáticamente las técnicas de Mozart para evitar la cadencia esperada, y Clementi Es a veces una figuración virtuosa modalmente incierta. En conjunto, estos compositores pueden considerarse la vanguardia de un amplio cambio de estilo y el centro de la música. Se estudiaron las obras de los demás, se copiaron los gestos de los demás en la música y, en ocasiones, se comportaron como rivales pendencieros.

Las diferencias cruciales con la ola anterior se pueden ver en el cambio a la baja en las melodías, el aumento de la duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmáticos, el mayor uso de los recursos del teclado, el cambio de «vocal «escritura a escritura» pianística «, la creciente atracción de la menor y de la ambigüedad modal, y la creciente importancia de las figuras acompañantes variables para llevar la» textura «hacia adelante como un elemento en la música. En resumen, el Clásico tardío buscaba música internamente más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y las orquestas de aficionados, que marcó la importancia de la música como parte de la vida de la clase media, contribuyó a un mercado en auge de pianos, música de piano y virtuosos para servir como modelos. Hummel, Beethoven y Clementi eran famosos por su improvisación.

La influencia directa del Barroco continuó desvaneciéndose: el bajo figurado se hizo menos prominente como un medio para mantener unida la interpretación, las prácticas de interpretación de los medios -El siglo XVIII siguió desapareciendo. Sin embargo, al mismo tiempo, comenzaron a estar disponibles ediciones completas de maestros barrocos y la influencia del estilo barroco continuó creciendo, particularmente en el uso cada vez más amplio del latón. Otro rasgo del período es el creciente número de actuaciones en las que el compositor no estuvo presente. Esto condujo a un mayor detalle y especificidad en la notación; por ejemplo, había menos partes «opcionales» separadas de la partitura principal.

La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la Tercera Sinfonía de Beethoven, que recibió el nombre Eroica, que en italiano significa «heroica «, por el compositor. Al igual que con El rito de la primavera de Stravinsky, puede que no haya sido la primera en todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de cada parte del estilo clásico lo distingue de sus obras contemporáneas: en longitud , ambición y recursos armónicos.