Están sucediendo muchas cosas en este fresco de la pared del altar de la Capilla Sixtina. Narrativas dentro de otras narrativas que contienen imágenes suficientes para durar un buen rato a los estudiosos. Con tanta información y hechos para empantanarte en El Juicio Final de Miguel Ángel, ¿cómo hacemos cara o cruz a una obra tan dinámica e intrigante? Parte de la interpretación y la comprensión de la obra maestra de Miguel Ángel reside en la historia que rodea a la Iglesia católica en el siglo XVI.
Fue creado por Michelangelo Buonarroti en la Capilla Sixtina
Aproximadamente 25 años antes de completar El juicio final, Miguel Ángel (1475-1564) completó los frescos del techo (1508-1512) de la Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano.
El contenido de estilo narrativo abarca un tamaño de 133 x 46 pies; no es poca cosa para un hombre que fue un maestro escultor y no un pintor. Las historias del Antiguo Testamento llenan el techo, desde profetas, antepasados de Cristo y la historia de la salvación de Israel.
Según Giorgio Vasari, el Papa Julio II se acercó a Miguel Ángel para pintar el techo por mera instigación artística de otros artistas italianos. Estos artistas deseaban ver a Miguel Ángel, ya un escultor establecido, caer de bruces o cansarse del proyecto y al Papa, saliendo de Italia todos juntos. Por ser principalmente un escultor, el maestro completó una de las obras maestras más conocidas del mundo del arte.
Fue una respuesta a la Reforma Protestante
Poco después de la finalización de estos frescos, en 1517, la Reforma Protestante tomó forma bajo el liderazgo de Martín Lutero en el norte de Europa. El Juicio Final fue la respuesta del Papa Pablo III a la incertidumbre dentro de la Iglesia Católica. Con la intención de dar «miedo», la narrativa fue abrumadora para cualquiera que la viera: un recordatorio del regreso pendiente de Cristo y que los seguidores de la Iglesia tendrían que responder por sus pecados.
El Juicio Final se encuentra en la sala del altar donde el Papa dirigiría la misa. E históricamente, el Colegio Cardenalicio eligió al nuevo Papa en esta área. Este era el público al que se dirigía la pintura: un grupo muy selecto de personas que entenderían los temas religiosos pesados.
Es una pintura épica con tanta fuerza y significado psicológico; un total de 180 desde el enfoque con los frescos del techo.
Las figuras se mueven hacia arriba, levantadas por ángeles; las almas condenadas son derribadas por demonios y empujadas por ángeles. La propia narrativa de Cristo presenta tres veces en una pieza continua. Él cuelga de la cruz en la parte inferior central; Asciende al cielo en la esquina superior izquierda; Desciende del cielo en medio de la pintura, que es el foco directo en la pared del altar. Además, hay una línea clara de las escenas del cielo y el infierno, un gesto diagonal invisible. Hay caos y orden en una escena extensa.
Los espectadores se quedaron mudos por su belleza
El movimiento dinámico, a mayor escala que la vida real, y el significado general del fresco se unen para formar uno de los más famosos del Renacimiento. pinturas para haber existido.En palabras de Giorgio Vasari:
«e … lo abrí a la vista en el año de 1541, creo que el día de Navidad, para maravilla de toda Roma, no, del mundo entero; y yo, que estaba ese año en Venecia, y fui a Roma para verla, me quedé mudo por su belleza «.
– Giorgio Vasari, en The Lives of The Más excelentes pintores, escultores y arquitectos, págs. 390-91.
Hay un autorretrato de Miguel Ángel escondido en un lugar inesperado
Los autorretratos en las principales obras de arte no son algo inusual. Sin embargo, lo que intriga a los historiadores del arte y a los espectadores por igual es la representación de Miguel Ángel en la piel desollada de San Bartolomé. Al mismo tiempo, transmite una sensación de tragedia y horror. tiempo. Y, en última instancia, hace que el espectador se pregunte cuál era el estado mental de Miguel Ángel durante los años previos a la finalización de esta obra de arte.
Causó un gran escándalo
Aunque las proporciones de las figuras están desequilibradas , y más bien denso, la desnudez fue lo que molestó a la Iglesia. Pero según Vasari, los problemas comenzaron antes de que Miguel Ángel incluso terminara el fresco:
«Cuando Miguel Ángel completó aproximadamente las tres cuartas partes del trabajo, el Papa Pablo fue a ver y Messer Biagio da Cesena, el maestro de ceremonias, estaba con él, y cuando le preguntaron qué pensaba de ella, respondió que no le parecía correcto tener tantas figuras desnudas en la capilla del Papa. Miguel Ángel, y para vengarse, tan pronto como se marchó, lo pintó en el personaje de Minos con una gran serpiente retorcida alrededor de sus piernas. Tampoco las súplicas de Messer Biagio, ni al Papa ni al mismo Miguel Ángel, sirvieron para persuadirlo de llévatelo ”.
– Giorgio Vasari, en Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, págs. 387.
Alrededor de la época de A la muerte del artista, el Papa encargó a Daniele da Volterrato que fuera detrás de la obra de Miguel Ángel y cubriera las figuras desnudas con pa entradas de tela.
Obras a las que se hace referencia:
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