Klasszikus korszak (zene)

Barokk / klasszikus átmenet c. 1730–1760Szerkesztés

A klasszikus stílus című könyvében Charles Rosen szerző és zongorista azt állítja, hogy 1755 és 1775 között a zeneszerzők tapogatóztak hatékonyabban drámai stílusú új stílushoz. A magas barokk korban a drámai kifejezés az egyes affektusok ábrázolására korlátozódott (a “szeretetek doktrínája”, vagy Rosen által “drámai érzelmek” kifejezés). Például Handel Jephtha oratóriumában a zeneszerző négy érzelmet külön-külön renderel, mindegyik karakterhez egyet-egyet, az „O, kímélje meg a lányát” kvartettben. Végül az egyéni érzelmek ezt az ábrázolását egyszerűnek és irreálisnak tekintették; a zeneszerzők arra törekedtek, hogy több érzelem egyszerre vagy progresszív ábrázolása egyetlen karakteren vagy mozgalmon belül (“drámai akció”). Így a Mozart Die Entführung aus dem Serail 2. felvonásának fináléjában a szerelmesek az örömtől a gyanún és a felháborodáson át a végső megbékélés. “

Zeneileg ez a” drámai akció “több zenei változatosságot igényelt. Míg a barokk zenét az egyes mozdulatok zökkenőmentes folyása és nagyrészt egységes textúrák jellemezték, a zeneszerzők a magas barokk után a textúra, a dinamika, a harmónia vagy a tempó hirtelen változásával igyekeztek megszakítani ezt az áramlást. A magas barokkot követő stílusbeli fejlemények közül a legdrámaibb az Empfindsamkeit nevet kapta (nagyjából “érzékeny stílus”), legismertebb gyakorlója pedig Carl Philipp Emmanuel Bach volt. Az ilyen stílusú zeneszerzők a fent tárgyalt megszakításokat használták a leghirtelenebben, és a zene időnként logikátlannak tűnhet. Domenico Scarlatti olasz zeneszerző tovább vitte ezeket a fejleményeket. Több mint ötszáz egymozdulatú billentyűzet-szonátája is hirtelen textúraváltozásokat tartalmaz, de ezek a változások időszakokra, kiegyensúlyozott kifejezésekre tagolódnak, amelyek a klasszikus stílus fémjelévé váltak. Scarlatti textúrájának változása azonban továbbra is hirtelen és felkészületlenül hangzik. A nagy klasszikus zeneszerzők (Haydn, Mozart és Beethoven) kiemelkedő eredménye az volt, hogy képesek voltak ezeket a drámai meglepetéseket logikusan motiváltan megszólaltatni, hogy „a kifejező és az elegáns képesek legyenek összefogni. “

JS Bach halála, valamint Haydn és Mozart érettsége (nagyjából 1750-1770) között a zeneszerzők kísérleteztek ezekkel az új ötletekkel, amelyek Bach fiainak zenéjében is láthatók. . Johann Christian kifejlesztett egy olyan stílust, amelyet ma Roccoco-nak hívunk, egyszerűbb textúrákból és harmóniákból áll, és amely “elbűvölő, drámai és kissé üres”. Mint korábban említettük, Carl Philipp Emmanuel a drámaiság növelésére törekedett, és zenéje “erőszakos, kifejező, ragyogó, folyamatosan meglepő és gyakran következetlen” volt. És végül Wilhelm Friedemann, J.S. Bach idősebb fia, idiotikus, rendhagyó módon bővítette a barokk hagyományokat.

Eleinte az új stílus átvette a barokk formákat – a ternary da capo áriát, a sinfóniát és a koncertet -, de egyszerűbb részekkel komponálták , a barokk korban megszokott rögtönzött dísztárgyak helyett a jelzettebb ornamentika, és a darabok határozottabb szakaszokra osztása. Idővel azonban az új esztétika gyökeres változásokat okozott a darabok összeállításában és az alapvető formai elrendezésben. A korszak zeneszerzői drámai effektusokra, frappáns dallamokra és letisztultabb textúrákra törekedtek. Az egyik nagy texturális változás a barokk komplex, sűrű polifonikus stílusától való elmozdulás volt, amelyben egyszerre több egymásba fonódó dallamos vonalat játszottak, és homofónia, könnyebb textúra, amely tiszta, egyetlen dallamsort használ, akkordokkal kísérve.

A barokk zene általában sok harmonikus fantáziát és polifonikus részt használ, amelyek kevésbé koncentrálnak a struktúrára A zenei darab előállítása kevésbé volt hangsúlyos a világos zenei mondatokon. A klasszikus időszakban a harmóniák egyszerűbbé váltak. A darab felépítése, a kifejezések és a kis dallam- vagy ritmusmotívumok azonban sokkal fontosabbá váltak, mint a barokk korban.

A múlt egy másik fontos törése Christoph Willibald Gluck operájának radikális átalakítása volt, aki elvágta a sok rétegző és improvizációs díszt, és a moduláció és az átmenet pontjaira összpontosított.Ezekkel a pillanatokkal, ahol a harmónia nagyobb hangsúlyt fektet, erőteljes drámai elmozdulásokat tett lehetővé a zene érzelmi színében. Ezen átmenetek kiemelésére a hangszerelés (hangszerelés), a dallam és a mód változásait használta. Korának legsikeresebb zeneszerzői közül Gluck számos emulátort hozott létre, köztük Antonio Salierit. A hozzáférhetőségre helyezett hangsúlyuk hatalmas sikereket hozott az operában és más vokális zenékben, például dalokban, oratóriumokban és kórusokban. Ezeket az előadás legfontosabb zenei fajtáinak tekintették, és így a legnagyobb közönségsikert aratták.

A barokk és a klasszikus felemelkedése közötti szakasz (1730 körül) különféle versengő zenei stílusoknak adott otthont. A művészi utak sokszínűségét képviselik Johann Sebastian Bach fiai: Wilhelm Friedemann Bach, aki személyes módon folytatta a barokk hagyományt; Johann Christian Bach, aki leegyszerűsítette a barokk textúráit és legegyértelműbben befolyásolta Mozartot; és Carl Philipp Emanuel Bach, aki az Empfindsamkeit mozgalom szenvedélyes és olykor erőszakosan különc zenéjét komponálta. A zenei kultúra válaszút elé került: a régebbi stílus mestereinek volt technikájuk, de a közönség éhezett az új után. Ez az egyik oka annak, hogy CPE Bachot ilyen nagyra tartották: elég jól megértette a régebbi formákat, és tudta, hogyan kell új ruhában, fokozott formaváltozattal bemutatni őket.

1750–1775Edit

Az 1750-es évek végére Olaszországban, Bécsben, Mannheimben és Párizsban virágzó, új stílusú központok működtek; több tucat szimfóniát komponáltak, és a zenés színházakhoz kapcsolódó játékosok voltak. Az opera vagy egyéb zenekar kíséretében megszólaltatott vokális zene volt a jellemző a legtöbb zenei eseményre, a koncertek és szimfóniák (amelyek a nyitányból fakadnak) szolgáltak hangszeres közjátékként és bemutatóként az operákhoz és az egyházi istentiszteletekhez. A klasszikus időszak folyamán a szimfóniák és a koncertek a vokális zenétől függetlenül alakultak ki és jelentek meg.

A “normális” zenekari együttes – fúvósokkal kiegészített vonósok – és mozdulatok különös ritmusú karaktereket az 1750-es évek vége hozta létre Bécsben. A darabok hosszát és súlyát azonban továbbra is bizonyos barokk jellemzőkkel határozták meg: az egyes mozdulatok továbbra is egy „affektusra” (zenei hangulatra) összpontosítottak, vagy csak egy élesen kontrasztos középszakaszuk volt, hosszuk pedig nem volt szignifikánsan nagyobb, mint a barokk mozdulatok. Még nem volt egyértelműen kimondott elmélet arról, hogyan lehet az új stílusban komponálni. Ez egy pillanatra megérett az áttörésre.

A stílus első nagy mestere Joseph Haydn zeneszerző volt. Az 1750-es évek végén elkezdett szimfóniákat komponálni, 1761-re pedig korabeli üzemmódban szilárdan alkotott egy triptichont (Reggel, Délben és Estében). Kapellmeister-helyettes, majd később Kapellmeister néven bővült a produkció: negyven szimfóniát komponált csak az 1760-as években. És bár híre nőtt, zenekarának bővülésével, kompozícióinak másolásával és terjesztésével a hangja csak egy volt a sok közül.

Bár egyes tudósok szerint Haydnt Mozart és Beethoven árnyékolta be, mégis nehéz túlbecsülni Haydn központi szerepét az új stílusban, tehát a nyugati művészi zene egészében. Abban az időben, Mozart vagy Beethoven kiemelkedése előtt, és Johann Sebastian Bach mellett, amelyet elsősorban a billentyűzet ismerői ismertek zene, Haydn olyan zenei helyet ért el, amely minden más zeneszerző fölé helyezte őt, kivéve talán a barokk korszak George Frideric Händelét. Haydn átvette a meglévő ötleteket, és gyökeresen megváltoztatta működésüket – megkapta neki a “szimfónia apja” és a “vonósnégyes atyja” címet.

Az egyik erő, amely lendületet adott nyomásának Az előremozdulás volt az első keverés a később romantikának nevezett Sturm und Drang, vagyis a “vihar és stressz” szakaszban a művészetben, egy rövid időszakban, amikor a nyilvánvaló és drámai emocionalizmus volt a stíluspreferencia. Haydn ennek megfelelően drámaibb kontrasztot és érzelmileg vonzóbb dallamokat akart, darabjaiban élesebb karakterrel és egyéniséggel. Ez az időszak elhalványult a zenében és az irodalomban: befolyásolta azonban az utána következő eseményeket, és végül az esztétikai ízlés egyik alkotóeleme lesz a későbbi évtizedekben.

A F F Minor 45. számú búcsúszimfóniája Haydnt példázza. “az új stílus eltérő igényeinek integrálása, meglepő éles fordulatokkal és hosszú lassú adagio-val a munka befejezéséhez.1772-ben Haydn elkészítette hat vonósnégyesből álló Opus 20 sorozatát, amelyben az előző barokk korból összegyűjtött többszólamú technikákat alkalmazta, hogy olyan szerkezeti koherenciát biztosítson, amely képes megtartani dallamötleteit. Egyesek számára ez az “érett” klasszikus stílus kezdetét jelenti, amelyben a késő barokk bonyolultsággal szembeni reakcióidő a barokk és a klasszikus elemek integrációs időszakának engedett.

1775–1790Edit

Haydn, aki több mint egy évtizedig dolgozott egy herceg zeneigazgatójaként, sokkal több erőforrással és lehetőséggel rendelkezett a zeneszerzéshez, mint a legtöbb zeneszerző. Helyzete arra is lehetőséget adott, hogy alakítsa a zenéjét játszó erőket, mivel képzett zenészeket választhatott ki. Ezt a lehetőséget nem pazarolták el, mivel Haydn, a pályafutása kezdetétől kezdve, igyekezett előremozdítani zenéjében az ötletek felépítését és fejlesztését. Következő fontos áttörése az Opus 33 vonósnégyesekben (1781) volt, amelyekben a dallamos és a harmonikus szerepek egymástól különböznek a hangszerek között: gyakran pillanatnyilag nem világos, mi a dallam és mi a harmónia. Ez megváltoztatja az együttes működését az átmenet drámai pillanatai és a klimatikus szakaszok között: a zene simán és nyilvánvaló megszakítás nélkül folyik. Ezután átvette ezt az integrált stílust, és elkezdte alkalmazni a zenekari és vokális zenére.

Haydn zenei ajándéka a zeneszerzés, a művek strukturálásának módja volt, amely egyben összhangban volt az új stílus irányító esztétikájával. . Egy fiatalabb kortárs, Wolfgang Amadeus Mozart azonban eljuttatta zsenialitását Haydn elképzeléseihez, és alkalmazta a nap két fő műfajában: az operában és a virtuóz koncerten. Míg Haydn munkájának nagy részét udvari zeneszerzőként töltötte. , Mozart nyilvános sikert kívánt a városok koncertéletében, a nagyközönség számára játszva. Ez azt jelentette, hogy operákat kellett írni, és virtuóz darabokat kellett írni és előadni. Haydn nem volt virtuóz nemzetközi turné szinten, és nem is akart operát létrehozni olyan művek, amelyek sok éjszakát játszhattak nagy közönség előtt. Mozart mindkettőt el akarta érni. Ezenkívül Mozartnak ízlése volt a kromatikusabb akkordok iránt (és általában nagyobb kontrasztok voltak a harmonikus nyelvben), nagyobb szeretettel a dallamok hősének létrehozására egyetlen műben, és a zene egészében az olaszos érzékenység. Haydn zenéjében, majd később a JS polifóniájának tanulmányozásában Bach, művészi ajándékainak fegyelmezésére és gazdagítására szolgáló eszköz.

Mozart gyorsan Haydn tudomására jutott, aki üdvözölte az új zeneszerzőt, tanulmányozta műveit, és megfontolta. a fiatalabb férfi az egyetlen igazi társa a zenében. Haydn a Mozartban a hangszerelés, a drámai hatás és a dallamforrás nagyobb körét találta meg. A tanulási kapcsolat mindkét irányba mozgott. Mozart nagyon tisztelte az idősebb, tapasztaltabb zeneszerzőt is, és tanulni akart tőle.

Mozart Bécsbe érkezése 1780-ban felgyorsult a klasszikus stílus fejlődésében. Ott Mozart elnyelte az olaszos ragyogás és a germán összetartás fúzióját, amely az elmúlt 20 évben forralt. Saját ízlése a mutatós ragyogásokhoz, a ritmikusan összetett dallamokhoz és figurákhoz, a hosszú kantilén dallamokhoz és a virtuóz virágzáshoz egyesült a formális koherencia és a belső összekapcsolódás elismerésével. Ezen a ponton a háború és a gazdasági infláció megállította a tendenciát a nagyobb zenekarok felé, és számos színházi zenekar feloszlatását vagy csökkentését kényszerítette. Ez a klasszikus stílust befelé szorította: nagyobb együttes és technikai kihívások keresése felé – például a dallam szétszórása fafúvósokon vagy a harmadokban harmonizált dallam használata. Ez a folyamat prémiumot jelentett a kis együttes zenének, az úgynevezett kamarazenének. Ez a nyilvánosabb fellépés tendenciájához is vezetett, ami további lendületet adott a vonósnégyesnek és más kis együttes csoportosulásoknak.

Ebben az évtizedben kezdett egyre inkább a közízlés felismerni, hogy Haydn és Mozart elérte az összetétel magas színvonalát. Mire Mozart 25 éves korában, 1781-ben megérkezett, Bécs domináns stílusai felismerhetően kapcsolódtak a korai klasszikus stílus 1750-es évekbeli megjelenéséhez.Az 1780-as évek végére a Mozartot és Haydnt utánzó zeneszerzőkben kialakultak az előadási gyakorlat változásai, a hangszeres és vokális zene viszonylagos helyzete, a zenészekkel szemben támasztott technikai követelmények és a stílusegység. Ebben az évtizedben Mozart komponálta leghíresebb operáit, hat kései szimfóniáját, amelyek hozzájárultak a műfaj újradefiniálásához, és egy sor zongoraversenyt, amelyek még mindig ezen formák csúcsán állnak.

Egy zeneszerző, aki befolyásos volt a a komolyabb stílust, amelyet Mozart és Haydn alkotott, Muzio Clementi, egy tehetséges virtuóz zongorista, aki a császár előtt “párbajban” kötötte meg Mozartot, amelyben mindketten improvizáltak a zongorán és előadták szerzeményeiket. Clementi zongoraszonátái széles körben mozogtak, és az 1780-as évek során London legsikeresebb zeneszerzőjévé vált. Ebben az időben Londonban volt Jan Ladislav Dussek is, aki Clementihez hasonlóan arra ösztönözte a zongoragyártókat, hogy bővítsék a hangszereiket, majd teljes mértékben kihasználták az újonnan megnyílt lehetőségeket: London figyelmen kívül hagyását a klasszikus időszakban gyakran figyelmen kívül hagyják, de ez szolgált a Broadwood zongoragyártó gyárának otthona és bázisként olyan zeneszerzők számára, figyelemre méltó, mint a “bécsi iskola”, döntő befolyással volt a későbbiekre. Számos, önálló nevezetű szép mű zeneszerzői voltak. London ízlése a virtuozitás számára ösztönözheti a bonyolult passzusmunkát és kiterjesztheti a tónusra és a dominánsra vonatkozó állításokat.

1790–1820 körüli szerkesztés

Amikor Haydn és Mozart zeneszerzésbe kezdtek, szimfóniákat játszottak mint egyes mozdulatok – más művek előtt, között vagy közbeiktatásként – és sok közülük csak tíz-tizenkét percig tartott; az instrumentális csoportok eltérő színvonalúak voltak, és a continuo a zenekészítés központi része volt.

Az eltelt évek során a zene társadalmi világában drámai változások történtek. A nemzetközi publikációk és a turnék robbanásszerűen növekedtek, és a koncerttársaságok megalakultak. A jelölés konkrétabbá, leíróbbá vált – és a művek vázlata egyszerűsödött (de egyre inkább 1790-ben, közvetlenül Mozart halála előtt, hírnevének gyors elterjedésével Haydn számos sikerre készen állt, nevezetesen késői oratóriumai és londoni szimfóniái. A párizsi, római és az egész németországi zeneszerzők Haydnhoz és Mozarthoz fordultak formai ötleteikért.

Az 1790-es években megjelent az új zeneszerző generáció, amely 1770 körül született. Míg felnőttek a korábbi stílusokkal, Haydn és Mozart legújabb műveiben meghallották a nagyobb kifejezésmódot. 1788-ban Luigi Cherubini Párizsban telepedett le, és 1791-ben komponálta a híressé vált Lodoiska operát. Stílusa egyértelműen tükrözi az érett Haydnt és Mozartot, hangszerelése olyan súlyt adott, amelyet még nem éreztek a nagyopera. Kortársa, Étienne Méhul, 1790-es Euphrosine et Coradin című operájával kiterjesztette az instrumentális effektusokat, amely sikersorozatot követett. A változás felé vezető utolsó lendületet Gaspare Spontini adta, akit olyan csodálatos jövőbeli zeneszerzők, mint Weber, Berlioz és Wagner mélyen megcsodáltak. Operáinak innovatív harmonikus nyelve, kifinomult hangszerelésük és “elvarázsolt” zárt számaik (strukturális mintázat, amelyet később Weber átvett Euryanthe-ban, és tőle Marschner révén átadta Wagnernek) képezték azt az alapot, amelyből francia és A német romantikus opera kezdetei voltak.

A legsorsosabb az új generáció Ludwig van Beethoven volt, aki számozott műveit 1794-ben dobta piacra három zongoratrióval, amelyek a repertoárban maradnak. A többinél valamivel fiatalabb, bár Mozart alatt végzett fiatalos tanulmányai és anyagi virtuozitása miatt ugyanolyan teljesítményt nyújtott, Johann Nepomuk Hummel volt. Hummel Haydn alatt is tanult; barátja volt Beethovennek és Franz Schubertnek. Inkább a zongorára koncentrált, mint bármely más hangszerre, és 1791-ben és 1792-ben Londonban töltött ideje generálta 1793-ban három zongora szonáta, az opus 2 kompozícióját és kiadását, amelyek idiotikusan alkalmazták Mozart elvárt ütemének elkerülésére szolgáló technikákat, és Clementi néha modálisan bizonytalan virtuóz figura. Ezeket a zeneszerzőket együttvéve a stílus széles körű változásának élcsapatának és a zene központjának tekinthetjük. Tanulmányozták egymás műveit, lemásolták egymás zenéjét, és esetenként veszekedő riválisként viselkedtek.

A döntő különbségek az előző hullámhoz képest a dallamok lefelé történő elmozdulásában, a mozgások növekvő időtartamában, Mozart és Haydn paradigmatikus elfogadásában, a billentyűzet erőforrásainak nagyobb mértékű felhasználásában, az „énekes” irányú elmozdulásban mutatkoznak meg. “zongorista” írás, a kiskorúak növekvő vonzereje és a modális kétértelműség, valamint a kísérő figurák növekvő jelentősége a “textúra” mint zenei elem előremozdítása érdekében. Röviden: a néhai Classical belső szempontból bonyolultabb zenét keresett. A koncerttársaságok és az amatőr zenekarok növekedése, amely a zene jelentőségét jelzi a középosztály életében, hozzájárult a zongorák, a zongorazene és a virtuózok virágzó piacához, amelyek példaként szolgálhatnak. Hummel, Beethoven és Clementi egyaránt híresek voltak az improvizációjukról.

A barokk közvetlen befolyása tovább halványult: a figurás basszus egyre kevésbé figyelemre méltó eszköz volt az összetartás eszközeként, a középső előadás gyakorlata -18. Század tovább halt ki. Ugyanakkor ugyanakkor a barokk mesterek teljes kiadásai is elérhetővé váltak, és a barokk stílus befolyása tovább nőtt, különösen a sárgaréz egyre kiterjedtebb használata során. A periódus másik jellemzője az egyre növekvő számú előadás, ahol a zeneszerző nem volt jelen. Ez fokozott részletességet és sajátosságot eredményezett a jelölésekben; például kevesebb volt az „opcionális” rész, amely külön állt a fő kottától.

Ezeknek a váltásoknak az ereje nyilvánvalóvá vált Beethoven 3. szimfóniájával, Eroica névvel, amely olaszul „hősies”. “, mint a zeneszerző. Sztravinszkij A tavasz rítusa című művéhez hasonlóan lehet, hogy nem minden újításában volt az első, de a klasszikus stílus minden részének agresszív használata megkülönböztette kortárs műveitől: hosszában , ambíció és harmonikus erőforrások is.