Periodo classico (musica) (Italiano)

Transizione barocca / classica c. 1730–1760Modifica

Nel suo libro The Classical Style, l’autore e pianista Charles Rosen sostiene che dal 1755 al 1775 i compositori tentarono per un nuovo stile che fosse più efficacemente drammatico. Nel periodo alto barocco, l’espressione drammatica era limitata alla rappresentazione degli affetti individuali (la “dottrina degli affetti”, o ciò che Rosen chiama “sentimento drammatico”). Ad esempio, nell’oratorio di Händel Jephtha, il compositore interpreta quattro emozioni separatamente, una per ogni personaggio, nel quartetto “O, risparmia tua figlia”. Alla fine questa rappresentazione delle emozioni individuali divenne semplicistica e irrealistica; i compositori cercarono per ritrarre più emozioni, simultaneamente o progressivamente, all’interno di un singolo personaggio o movimento (“azione drammatica”). Così nel finale del secondo atto di Die Entführung aus dem Serail di Mozart, gli innamorati si muovono “dalla gioia attraverso il sospetto e l’oltraggio a riconciliazione finale. “

Musicalmente parlando, questa” azione drammatica “richiedeva più varietà musicale. Mentre la musica barocca era caratterizzata da un flusso continuo all’interno di movimenti individuali e trame in gran parte uniformi, i compositori dopo l’alto barocco cercarono di interrompere questo flusso con bruschi cambiamenti di consistenza, dinamica, armonia o tempo. Tra gli sviluppi stilistici che seguirono l’Alto Barocco, il più drammatico venne chiamato Empfindsamkeit, (approssimativamente “stile sensibile”), e il suo praticante più noto fu Carl Philipp Emmanuel Bach. I compositori di questo stile hanno impiegato le interruzioni sopra discusse nel modo più brusco e la musica a volte può suonare illogica. Il compositore italiano Domenico Scarlatti ha portato avanti questi sviluppi. Le sue oltre cinquecento sonate per tastiera a movimento singolo contengono anche bruschi cambiamenti di struttura, ma questi cambiamenti sono organizzati in periodi, frasi equilibrate che sono diventate un segno distintivo dello stile classico. Tuttavia, i cambiamenti di struttura di Scarlatti suonano ancora improvvisi e impreparati. Il risultato eccezionale dei grandi compositori classici (Haydn, Mozart e Beethoven) è stata la loro capacità di far suonare queste sorprese drammatiche motivate logicamente, in modo che “l’espressivo e unire le mani. “

Tra la morte di JS Bach e la maturità di Haydn e Mozart (circa 1750-1770), i compositori sperimentarono queste nuove idee, che possono essere viste nella musica dei figli di Bach . Johann Christian sviluppò uno stile che ora chiamiamo Roccoco, comprendente trame e armonie più semplici, e che era “affascinante, non drammatico e un po ‘vuoto”. Come accennato in precedenza, Carl Philipp Emmanuel ha cercato di aumentare il dramma e la sua musica era “violenta, espressiva, brillante, continuamente sorprendente e spesso incoerente”. E infine Wilhelm Friedemann, J.S. Il figlio maggiore di Bach, estese le tradizioni barocche in un modo idiomatico e non convenzionale.

All’inizio il nuovo stile prese il sopravvento sulle forme barocche – la ternaria da capo aria, la sinfonia e il concerto – ma composto con parti più semplici , ornamenti più annotati, piuttosto che gli ornamenti improvvisati che erano comuni nell’era barocca, e una divisione più enfatica dei pezzi in sezioni. Tuttavia, nel tempo, la nuova estetica ha causato cambiamenti radicali nel modo in cui i pezzi sono stati assemblati e le disposizioni formali di base è cambiato. I compositori di questo periodo cercavano effetti drammatici, melodie sorprendenti e trame più chiare. Uno dei grandi cambiamenti strutturali fu un allontanamento dallo stile polifonico complesso e denso del barocco, in cui più linee melodiche intrecciate venivano suonate simultaneamente, e verso omofonia, una trama più chiara che utilizza una singola linea melodica chiara accompagnata da accordi.

La musica barocca generalmente utilizza molte fantasie armoniche e sezioni polifoniche che si concentrano meno sulla struttura ure del brano musicale, e c’era meno enfasi su frasi musicali chiare. Nel periodo classico, le armonie divennero più semplici. Tuttavia, la struttura del brano, le frasi e i piccoli motivi melodici o ritmici divennero molto più importanti che nel periodo barocco.

Un’altra importante rottura con il passato è stata la revisione radicale dell’opera di Christoph Willibald Gluck, che ha tagliato via gran parte della stratificazione e degli ornamenti improvvisativi e si è concentrato sui punti di modulazione e transizione.Rendendo questi momenti in cui l’armonia cambia più di un focus, ha permesso potenti cambiamenti drammatici nel colore emotivo della musica. Per evidenziare queste transizioni, ha utilizzato i cambiamenti nella strumentazione (orchestrazione), melodia e modalità. Tra i compositori di maggior successo del suo tempo, Gluck ha generato molti emulatori, tra cui Antonio Salieri. La loro enfasi sull’accessibilità ha portato enormi successi nell’opera e in altra musica vocale come canzoni, oratori e cori. Questi erano considerati i generi musicali più importanti per le esibizioni e quindi godettero del maggior successo di pubblico.

La fase tra il barocco e l’ascesa del classico (intorno al 1730), fu sede di vari stili musicali concorrenti. La diversità dei percorsi artistici è rappresentata nei figli di Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, che ha continuato la tradizione barocca in modo personale; Johann Christian Bach, che ha semplificato le trame del barocco e ha influenzato più chiaramente Mozart; e Carl Philipp Emanuel Bach, che ha composto musica appassionata e talvolta violentemente eccentrica del movimento Empfindsamkeit. La cultura musicale è stata presa a un bivio: i maestri del vecchio stile avevano la tecnica, ma il pubblico desiderava il nuovo. Questo è uno dei motivi per cui CPE Bach era tenuto in così alta considerazione: comprendeva abbastanza bene le forme più vecchie e sapeva come presentarle in un nuovo abito, con una maggiore varietà di forme.

1750–1775Edit

Verso la fine del 1750 c’erano fiorenti centri del nuovo stile in Italia, Vienna, Mannheim e Parigi; sono state composte dozzine di sinfonie e c’erano gruppi di musicisti associati a teatri musicali. L’opera o altra musica vocale accompagnata dall’orchestra era la caratteristica della maggior parte degli eventi musicali, con concerti e sinfonie (derivanti dall’ouverture) che fungevano da intermezzi strumentali e introduzioni per opere e servizi religiosi. Nel corso del periodo classico, sinfonie e concerti si sono sviluppati e sono stati presentati indipendentemente dalla musica vocale.

L’ensemble “normale” dell’orchestra, un corpo di archi integrato da fiati, e movimenti di particolare carattere ritmico furono stabiliti alla fine del 1750 a Vienna. Tuttavia, la lunghezza e il peso dei brani erano ancora impostati con alcune caratteristiche barocche: i singoli movimenti si concentravano ancora su un “affetto” (umore musicale) o avevano solo una sezione centrale nettamente contrastante, e la loro lunghezza non era significativamente maggiore dei movimenti barocchi. Non c’era ancora una teoria chiaramente enunciata su come comporre nel nuovo stile. Era un momento maturo per una svolta.

Il primo grande maestro dello stile fu il compositore Joseph Haydn. Alla fine del 1750 iniziò a comporre sinfonie e nel 1761 aveva composto un trittico (mattino, mezzogiorno e sera) solidamente in modo contemporaneo. Come vice-Kapellmeister e successivamente Kapellmeister, la sua produzione si espanse: compose oltre quaranta sinfonie solo negli anni Sessanta del Settecento. E mentre la sua fama cresceva, man mano che la sua orchestra si espandeva e le sue composizioni venivano copiate e diffuse, la sua voce era solo una tra le tante.

Mentre alcuni studiosi suggeriscono che Haydn sia stato oscurato da Mozart e Beethoven, sarebbe difficile sopravvalutare la centralità di Haydn per il nuovo stile, e quindi per il futuro della musica d’arte occidentale nel suo insieme. All’epoca, prima della preminenza di Mozart o Beethoven, e con Johann Sebastian Bach noto principalmente agli intenditori di tastiere musica, Haydn raggiunse un posto nella musica che lo mise al di sopra di tutti gli altri compositori tranne forse George Frideric Handel dell’era barocca. Haydn ha preso le idee esistenti e ha modificato radicalmente il modo in cui funzionavano, guadagnandosi i titoli di “padre della sinfonia” e “padre del quartetto d’archi”.

Una delle forze che ha funzionato come impulso per la sua pressatura avanti fu il primo movimento di quello che in seguito sarebbe stato chiamato romanticismo: la fase Sturm und Drang, o “tempesta e stress” nelle arti, un breve periodo in cui l’emotività evidente e drammatica era una preferenza stilistica. Haydn di conseguenza voleva un contrasto più drammatico e melodie più emozionalmente accattivanti, con carattere affilato e individualità nei suoi pezzi. Questo periodo è svanito nella musica e nella letteratura: tuttavia, ha influenzato ciò che è venuto dopo e sarebbe diventato una componente del gusto estetico nei decenni successivi.

La Farewell Symphony, n. 45 in F♯ Minor, esemplifica Haydn “S integrazione delle diverse esigenze del nuovo stile, con sorprendenti curve strette e un lungo lento adagio per concludere il lavoro.Nel 1772, Haydn completò il suo set Opus 20 di sei quartetti d’archi, in cui dispiegò le tecniche polifoniche che aveva raccolto dalla precedente era barocca per fornire una coerenza strutturale in grado di tenere insieme le sue idee melodiche. Per alcuni, questo segna l’inizio dello stile classico “maturo”, in cui il periodo di reazione contro la complessità del tardo barocco cedette a un periodo di integrazione tra elementi barocchi e classici.

1775–1790Modifica

Haydn, avendo lavorato per oltre un decennio come direttore musicale per un principe, aveva molte più risorse e possibilità di comporre rispetto alla maggior parte degli altri compositori. La sua posizione gli ha anche dato la capacità di plasmare le forze che avrebbero suonato la sua musica, poiché poteva selezionare musicisti esperti. Questa opportunità non è stata sprecata, poiché Haydn, all’inizio della sua carriera, ha cercato di portare avanti la tecnica di costruzione e sviluppo di idee nella sua musica. La sua successiva svolta importante fu nei quartetti per archi Opus 33 (1781), in cui i ruoli melodici e armonici seguono tra gli strumenti: spesso è momentaneamente poco chiaro cosa sia melodia e cosa sia armonia. Questo cambia il modo in cui l’ensemble lavora tra momenti drammatici di transizione e sezioni climatiche: la musica scorre fluida e senza interruzioni evidenti. Ha quindi preso questo stile integrato e ha iniziato ad applicarlo alla musica orchestrale e vocale.

Il dono di Haydn alla musica è stato un modo di comporre, un modo di strutturare le opere, che era allo stesso tempo in accordo con l’estetica dominante del nuovo stile . Tuttavia, un giovane contemporaneo, Wolfgang Amadeus Mozart, portò il suo genio alle idee di Haydn e le applicò a due dei principali generi dell’epoca: l’opera e il concerto virtuoso. Mentre Haydn trascorse gran parte della sua vita lavorativa come compositore di corte , Mozart voleva il successo del pubblico nella vita concertistica delle città, suonando per il grande pubblico. Ciò significava che aveva bisogno di scrivere opere e scrivere ed eseguire pezzi virtuosistici. Haydn non era un virtuoso a livello di tournée internazionale; né stava cercando di creare opere operistiche opere che potevano suonare per molte notti davanti a un vasto pubblico. Mozart voleva ottenere entrambe le cose. Inoltre, Mozart aveva anche un gusto per accordi più cromatici (e maggiori contrasti nel linguaggio armonico in generale), un maggiore amore per creare un tumulto di melodie in un unico lavoro, e una sensibilità più italianizzata nella musica nel suo insieme. Trovò, nella musica di Haydn e successivamente nel suo studio della polifonia di JS Bach, i mezzi per disciplinare e arricchire le sue doti artistiche.

Mozart si è rapidamente avvicinato all’attenzione di Haydn, che ha salutato il nuovo compositore, studiato le sue opere e considerato il giovane il suo unico vero pari nella musica. In Mozart, Haydn trovò una gamma più ampia di strumenti, effetti drammatici e risorse melodiche. Il rapporto di apprendimento si muoveva in entrambe le direzioni. Mozart aveva anche un grande rispetto per il compositore più anziano ed esperto, e cercò di imparare da lui.

L’arrivo di Mozart a Vienna nel 1780 segnò un’accelerazione nello sviluppo dello stile classico. Lì, Mozart assorbì la fusione di genialità italianizzata e coesione germanica che si era prodotta negli ultimi 20 anni. Il suo gusto per la brillantezza appariscente, le melodie e le figure ritmicamente complesse, le lunghe melodie di cantilena e gli svolazzi virtuosistici si fondevano con l’apprezzamento per la coerenza formale e la connessione interna. È a questo punto che la guerra e l’inflazione economica hanno fermato una tendenza verso orchestre più grandi e hanno costretto lo scioglimento o la riduzione di molte orchestre teatrali. Ciò spinse lo stile classico verso l’interno: alla ricerca di maggiori sfide tecniche e d’insieme, ad esempio, spargendo la melodia sui legni o usando una melodia armonizzata in terzi. Questo processo ha posto un premio sulla piccola musica d’insieme, chiamata musica da camera. Ha anche portato a una tendenza per più esibizioni pubbliche, dando un ulteriore impulso al quartetto d’archi e ad altri piccoli gruppi di ensemble.

È stato durante questo decennio che il gusto del pubblico ha iniziato, sempre più, a riconoscere che Haydn e Mozart aveva raggiunto un elevato standard di composizione. Quando Mozart arrivò all’età di 25 anni, nel 1781, gli stili dominanti di Vienna erano chiaramente collegati all’emergere nel 1750 del primo stile classico.Entro la fine del 1780, i cambiamenti nella pratica esecutiva, la posizione relativa della musica strumentale e vocale, le richieste tecniche ai musicisti e l’unità stilistica si erano stabiliti nei compositori che imitavano Mozart e Haydn. Durante questo decennio Mozart compose le sue opere più famose, le sue sei sinfonie tardive che contribuirono a ridefinire il genere e una serie di concerti per pianoforte che ancora rappresentano l’apice di queste forme.

Un compositore che fu influente in A diffondere lo stile più serio che Mozart e Haydn avevano formato è Muzio Clementi, un virtuoso pianista di talento che si legò con Mozart in un “duello” musicale davanti all’imperatore in cui ognuno di loro improvvisava al pianoforte ed eseguiva le proprie composizioni. Le sonate per pianoforte di Clementi circolarono ampiamente e divenne il compositore di maggior successo a Londra durante gli anni 1780. Anche a Londra in questo periodo era Jan Ladislav Dussek, che, come Clementi, incoraggiò i pianisti ad estendere la gamma e altre caratteristiche di i loro strumenti, e quindi sfruttarono appieno le nuove possibilità. L’importanza di Londra nel periodo classico viene spesso trascurata, ma servì come sede della fabbrica di Broadwood per la produzione di pianoforti e come base per i compositori che, sebbene meno notevole rispetto alla “Scuola di Vienna”, ha avuto un’influenza decisiva su ciò che è venuto dopo. Erano compositori di molte opere eccellenti, degne di nota a pieno titolo. Il gusto per il virtuosismo di Londra potrebbe aver incoraggiato il complesso lavoro di passaggi e le dichiarazioni estese su tonica e dominante.

Intorno al 1790-1820 Modifica

Quando Haydn e Mozart iniziarono a comporre, furono suonate sinfonie come movimenti singoli – prima, tra o come intermezzi all’interno di altre opere – e molti di loro duravano solo dieci o dodici minuti; i gruppi strumentali avevano standard di esecuzione diversi e il basso era una parte centrale della produzione musicale.

Negli anni successivi, il mondo sociale della musica ha subito cambiamenti drammatici. La pubblicazione internazionale e le tournée sono cresciute in modo esplosivo e si sono formate società di concerti. La notazione è diventata più specifica, più descrittiva e gli schemi per le opere sono stati semplificati (ma sono diventati di più variavano nella loro esatta elaborazione) .Nel 1790, appena prima della morte di Mozart, con la sua reputazione che si diffondeva rapidamente, Haydn era pronto per una serie di successi, in particolare i suoi ultimi oratori e le sinfonie londinesi. Compositori a Parigi, Roma e in tutta la Germania si sono rivolti a Haydn e Mozart per le loro idee sulla forma.

Negli anni ’90 del Settecento emerse una nuova generazione di compositori, nata intorno al 1770. Sebbene fossero cresciuti con gli stili precedenti, hanno sentito nelle opere recenti di Haydn e Mozart un veicolo per una maggiore espressione. Nel 1788 Luigi Cherubini si stabilì a Parigi e nel 1791 compose Lodoiska, un’opera che lo rese famoso. Il suo stile riflette chiaramente i maturi Haydn e Mozart, e la sua strumentazione gli dava un peso che non era stato ancora sentito nella grande opera. Il suo contemporaneo Étienne Méhul estese gli effetti strumentali con la sua opera del 1790 Euphrosine et Coradin, da cui seguì una serie di successi. La spinta finale al cambiamento è arrivata da Gaspare Spontini, profondamente ammirato dai futuri compositori romantici come Weber, Berlioz e Wagner. L’innovativo linguaggio armonico delle sue opere, la loro raffinata strumentazione e i loro numeri chiusi “incatenati” (un modello strutturale che fu poi adottato da Weber in Euryanthe e da lui tramandato, attraverso Marschner, a Wagner), costituirono la base da cui il francese e L’opera romantica tedesca ha avuto i suoi inizi.

Il più fatidico della nuova generazione fu Ludwig van Beethoven, che lanciò le sue opere numerate nel 1794 con una serie di tre trii per pianoforte, che rimangono nel repertorio. Un po ‘più giovane degli altri, anche se ugualmente realizzato grazie ai suoi studi giovanili sotto Mozart e al suo virtuosismo nativo, era Johann Nepomuk Hummel. Hummel ha studiato anche con Haydn; era amico di Beethoven e Franz Schubert. Si concentrò più sul pianoforte che su qualsiasi altro strumento, e il suo periodo a Londra nel 1791 e 1792 generò la composizione e la pubblicazione nel 1793 di tre sonate per pianoforte, opus 2, che utilizzava idiomaticamente le tecniche di Mozart per evitare la cadenza prevista, e Clementi “È una figurazione virtuosa a volte modalmente incerta. Presi insieme, questi compositori possono essere visti come l’avanguardia di un ampio cambiamento nello stile e il centro della musica. Si studiavano l’un l’altro, si copiavano i gesti a vicenda nella musica e, a volte, si comportavano come rivali litigiosi.

Le differenze cruciali con l’onda precedente possono essere viste nello spostamento verso il basso delle melodie, nell’aumento della durata dei movimenti, nell’accettazione di Mozart e Haydn come paradigmatici, nel maggiore uso delle risorse della tastiera, nel passaggio da “vocale “dalla scrittura alla scrittura” pianistica “, la crescente attrazione del minore e dell’ambiguità modale, e la crescente importanza di varie figure di accompagnamento per portare avanti la” trama “come elemento nella musica. In breve, il tardo classico cercava musica che fosse internamente più complessa. La crescita delle società di concerti e delle orchestre amatoriali, segnando l’importanza della musica come parte della vita della classe media, ha contribuito a un mercato in forte espansione per pianoforti, musica per pianoforte e virtuosi che fungessero da esemplari. Hummel, Beethoven e Clementi erano tutti rinomati per la loro improvvisazione.

L’influenza diretta del barocco continuò a svanire: il basso figurato divenne meno prominente come mezzo per tenere insieme la performance, le pratiche di esecuzione dei medi -18 ° secolo ha continuato a morire. Tuttavia, allo stesso tempo, iniziarono a essere disponibili edizioni complete di maestri barocchi e l’influenza dello stile barocco continuò a crescere, in particolare nell’uso sempre più ampio dell’ottone. Un’altra caratteristica del periodo è il crescente numero di spettacoli in cui il compositore non era presente. Ciò ha portato a maggiori dettagli e specificità nella notazione; ad esempio, c’erano meno parti “opzionali” separate dalla partitura principale.

La forza di questi cambiamenti divenne evidente con la terza sinfonia di Beethoven, dato il nome Eroica, che in italiano significa “eroico” “, del compositore. Come con The Rite of Spring di Stravinsky, potrebbe non essere stato il primo in tutte le sue innovazioni, ma il suo uso aggressivo di ogni parte dello stile classico lo distingue dalle sue opere contemporanee: in lunghezza , ambizione e anche risorse armoniche.