Klassieke periode (muziek)

Barokke / klassieke overgang c. 1730–1760 Bewerken

In zijn boek The Classical Style beweert auteur en pianist Charles Rosen dat componisten van 1755 tot 1775 voor een nieuwe stijl die effectiever was dramatisch. In de hoogbarokperiode was dramatische expressie beperkt tot de weergave van individuele affecten (de “doctrine van affecties”, of wat Rosen noemt “dramatisch sentiment”). In Händels oratorium Jephtha geeft de componist bijvoorbeeld vier emoties afzonderlijk weer, één voor elk personage, in het kwartet “O, spaar je dochter”. Uiteindelijk werd deze weergave van individuele emoties als simplistisch en onrealistisch beschouwd; meerdere emoties tegelijk of progressief uitbeelden binnen een enkel personage of beweging (‘dramatische actie’). Dus in de finale van akte 2 van Mozarts Die Entführung aus dem Serail gaan de geliefden ‘van vreugde door achterdocht en verontwaardiging naar uiteindelijke verzoening. “

Muzikaal gesproken vereiste deze” dramatische actie “meer muzikale afwisseling. Terwijl barokmuziek werd gekenmerkt door een naadloze stroom binnen individuele bewegingen en grotendeels uniforme texturen, probeerden componisten na de hoogbarok deze stroom te onderbreken met abrupte veranderingen in textuur, dynamiek, harmonie of tempo. Van de stilistische ontwikkelingen die volgden op de hoogbarok, werd de meest dramatische Empfindsamkeit genoemd (ruwweg “gevoelige stijl”), en de bekendste beoefenaar was Carl Philipp Emmanuel Bach. Componisten van deze stijl gebruikten de hierboven besproken onderbrekingen op de meest abrupte manier, en de muziek kan soms onlogisch klinken. De Italiaanse componist Domenico Scarlatti ging verder met deze ontwikkelingen. Zijn meer dan vijfhonderd enkele klaviersonates bevatten ook abrupte veranderingen in textuur, maar deze veranderingen zijn georganiseerd in periodes, uitgebalanceerde frasen die een kenmerk van de klassieke stijl werden. De textuurveranderingen van Scarlatti klinken echter nog steeds plotseling en onvoorbereid. De opmerkelijke prestatie van de grote klassieke componisten (Haydn, Mozart en Beethoven) was hun vermogen om deze dramatische verrassingen logisch gemotiveerd te laten klinken, zodat ‘het expressieve en het elegante de handen ineen. “

Tussen de dood van JS Bach en de volwassenheid van Haydn en Mozart (ongeveer 1750-1770) experimenteerden componisten met deze nieuwe ideeën, die terug te zien zijn in de muziek van Bachs zonen . Johann Christian ontwikkelde een stijl die we nu Roccoco noemen, bestaande uit eenvoudigere texturen en harmonieën, en die ‘charmant, ondramatisch en een beetje leeg’ was. Zoals eerder vermeld, probeerde Carl Philipp Emmanuel het drama te vergroten, en zijn muziek was “gewelddadig, expressief, briljant, voortdurend verrassend en vaak onsamenhangend”. En tot slot Wilhelm Friedemann, J.S. Bach ‘oudste zoon, breidde de baroktradities op een idiomatische, onconventionele manier uit.

Aanvankelijk nam de nieuwe stijl barokke vormen over – de ternaire da capo-aria, de sinfonia en het concerto – maar gecomponeerd met eenvoudiger partijen , meer genoteerde versieringen, in plaats van de geïmproviseerde ornamenten die gebruikelijk waren in de barok, en een meer nadrukkelijke verdeling van stukken in secties. Na verloop van tijd veroorzaakte de nieuwe esthetiek echter radicale veranderingen in de manier waarop stukken werden samengesteld en de formele basislay-outs veranderd. Componisten uit deze periode zochten naar dramatische effecten, opvallende melodieën en duidelijkere texturen. Een van de grote textuurveranderingen was een verschuiving weg van de complexe, dichte polyfone stijl van de barok, waarin meerdere verweven melodielijnen tegelijkertijd werden gespeeld, en naar homofonie, een lichtere textuur die een duidelijke melodielijn gebruikt, begeleid door akkoorden.

Barokmuziek gebruikt over het algemeen veel harmonische fantasieën en polyfone secties die minder op de structuur gericht zijn. zeker van het muziekstuk, en er was minder nadruk op duidelijke muzikale frases. In de klassieke periode werden de harmonieën eenvoudiger. De structuur van het stuk, de frasen en kleine melodische of ritmische motieven werden echter veel belangrijker dan in de barokperiode.

Een andere belangrijke breuk met het verleden was de radicale herziening van de opera door Christoph Willibald Gluck, die een groot deel van de gelaagdheid en geïmproviseerde versieringen wegsneed en zich concentreerde op de punten van modulatie en overgang.Door van deze momenten waarop de harmonie verandert meer een focus te maken, maakte hij krachtige dramatische verschuivingen mogelijk in de emotionele kleur van de muziek. Om deze overgangen te benadrukken, gebruikte hij veranderingen in instrumentatie (orkestratie), melodie en modus. Onder de meest succesvolle componisten van zijn tijd bracht Gluck veel emulators voort, waaronder Antonio Salieri. Hun nadruk op toegankelijkheid leverde enorme successen op in de opera en in andere vocale muziek zoals liederen, oratoria en refreinen. Deze werden beschouwd als de belangrijkste soorten muziek voor uitvoering en kenden daarom het grootste publieke succes.

De fase tussen de barok en de opkomst van de klassieke muziek (rond 1730) was de thuisbasis van verschillende concurrerende muziekstijlen. De diversiteit aan artistieke paden is vertegenwoordigd in de zonen van Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, die de barokke traditie op een persoonlijke manier voortzette; Johann Christian Bach, die de texturen van de barok vereenvoudigde en Mozart het duidelijkst beïnvloedde; en Carl Philipp Emanuel Bach, die gepassioneerde en soms gewelddadig excentrieke muziek van de Empfindsamkeit-beweging componeerde. De muziekcultuur bevond zich op een kruispunt: de meesters van de oudere stijl hadden de techniek, maar het publiek hongerde naar het nieuwe. Dit is een van de redenen waarom CPE Bach zo hoog werd gehouden: hij begreep de oudere vormen vrij goed en wist ze in een nieuw kleed te presenteren, met een verbeterde vormvariatie.

1750–1775Edit

Tegen het einde van de jaren 1750 waren er bloeiende centra van de nieuwe stijl in Italië, Wenen, Mannheim en Parijs; er werden tientallen symfonieën gecomponeerd en er waren bands van spelers die verbonden waren met muziektheaters. Opera of andere vocale muziek begeleid door orkest was het kenmerk van de meeste muzikale evenementen, met concerten en symfonieën (voortkomend uit de ouverture) die dienden als instrumentale intermezzo’s en inleidingen voor opera’s en kerkdiensten. In de loop van de klassieke periode ontwikkelden symfonieën en concerto’s zich en werden ze onafhankelijk van vocale muziek gepresenteerd.

Het ‘normale’ orkestensemble – een corpus van strijkers aangevuld met blazers – en bewegingen met een bijzonder ritmisch karakter werden opgericht tegen het einde van de jaren 1750 in Wenen. De lengte en het gewicht van de stukken waren echter nog steeds voorzien van enkele barokke kenmerken: individuele bewegingen waren nog steeds gericht op één “affect” (muzikale stemming) of hadden slechts één sterk contrasterend middengedeelte, en hun lengte was niet significant groter dan die van barokbewegingen. Er was nog geen duidelijk uitgesproken theorie over componeren in de nieuwe stijl. Het was een moment dat rijp was voor een doorbraak.

De eerste grote meester van de stijl was de componist Joseph Haydn. In de late jaren 1750 begon hij symfonieën te componeren, en tegen 1761 had hij een drieluik (ochtend, middag en avond) gecomponeerd, stevig in de hedendaagse modus. Als vice-kapelmeester en later kapelmeester breidde zijn productie zich uit: alleen al in de jaren 1760 componeerde hij meer dan veertig symfonieën. En terwijl zijn roem groeide, naarmate zijn orkest werd uitgebreid en zijn composities werden gekopieerd en verspreid, was zijn stem slechts een van de vele.

Hoewel sommige wetenschappers suggereren dat Haydn werd overschaduwd door Mozart en Beethoven, zou dat zo zijn. Het is moeilijk om Haydns centrale positie in de nieuwe stijl, en dus in de toekomst van de westerse kunstmuziek als geheel, te overdrijven. Destijds, vóór de vooraanstaande positie van Mozart of Beethoven, en met Johann Sebastian Bach vooral bekend bij kenners van keyboard muziek bereikte Haydn een plaats in de muziek die hem boven alle andere componisten plaatste, behalve misschien George Frideric Handel uit de barok. Haydn nam bestaande ideeën over en veranderde radicaal hoe ze functioneerden – waardoor hij de titels “vader van de symfonie” en “vader van het strijkkwartet” kreeg.

Een van de krachten die werkte als een stimulans voor zijn persing voorwaarts was de eerste opwinding van wat later romantiek zou worden genoemd – de Sturm und Drang, of ‘storm en stress’-fase in de kunsten, een korte periode waarin voor de hand liggende en dramatische emotionaliteit een stilistische voorkeur was. Haydn wilde dan ook meer dramatisch contrast en emotioneel aantrekkelijkere melodieën, met een aangescherpt karakter en individualiteit in zijn stukken. Deze periode vervaagde in muziek en literatuur: het beïnvloedde echter wat daarna kwam en zou uiteindelijk een onderdeel worden van de esthetische smaak in latere decennia.

The Farewell Symphony, No. 45 in F♯ Minor, is een voorbeeld van Haydn ’s integratie van de verschillende eisen van de nieuwe stijl, met verrassende scherpe bochten en een lang, langzaam adagio om het werk te beëindigen.In 1772 voltooide Haydn zijn Opus 20-set van zes strijkkwartetten, waarin hij de polyfone technieken die hij had verzameld uit het vorige baroktijdperk gebruikte om een structurele samenhang te bieden die zijn melodische ideeën bijeen kon houden. Voor sommigen markeert dit het begin van de “volwassen” klassieke stijl, waarin de periode van reactie tegen de laatbarokke complexiteit plaats maakte voor een periode van integratie van barokke en klassieke elementen.

1775-1790Edit

Haydn, die meer dan een decennium als muzikaal leider voor een prins heeft gewerkt, had veel meer middelen en mogelijkheden om te componeren dan de meeste andere componisten. Zijn positie gaf hem ook de mogelijkheid om vorm te geven aan de krachten die zijn muziek zouden spelen, aangezien hij bekwame muzikanten kon selecteren. Deze kans werd niet gemist, want Haydn, die vrij vroeg in zijn carrière begon, probeerde de techniek van het bouwen en ontwikkelen van ideeën in zijn muziek naar voren te brengen. Zijn volgende belangrijke doorbraak was in de Opus 33 strijkkwartetten (1781), waarin de melodische en de harmonische rollen tussen de instrumenten scheiden: het is vaak tijdelijk onduidelijk wat melodie en wat harmonie is. Dit verandert de manier waarop het ensemble zich een weg baant tussen dramatische overgangsmomenten en climaxsecties: de muziek stroomt soepel en zonder duidelijke onderbreking. Vervolgens nam hij deze geïntegreerde stijl en begon deze toe te passen op orkest- en vocale muziek.

Haydns gave aan muziek was een manier van componeren, een manier om werken te structureren, die tegelijkertijd in overeenstemming was met de heersende esthetiek van de nieuwe stijl . Een jongere tijdgenoot, Wolfgang Amadeus Mozart, bracht zijn genialiteit echter tot de ideeën van Haydn en paste ze toe op twee van de belangrijkste genres van die tijd: opera en het virtuoze concerto. Terwijl Haydn een groot deel van zijn werkzame leven als hofcomponist doorbracht , Wilde Mozart publiek succes in het concertleven van steden en speelde hij voor het grote publiek. Dit betekende dat hij opera’s moest schrijven en virtuoze stukken moest schrijven en uitvoeren. Haydn was geen virtuoos op het internationale toerniveau en hij was ook niet op zoek naar opera’s. werken die vele avonden konden spelen voor een groot publiek. Mozart wilde beide bereiken. Bovendien had Mozart ook een voorliefde voor meer chromatische akkoorden (en grotere contrasten in harmonische taal in het algemeen), een grotere liefde voor het creëren van een mengelmoes van melodieën in een enkel werk, en een meer Italianiserende gevoeligheid in de muziek als geheel. Hij ontdekte in de muziek van Haydn en later in zijn studie van de polyfonie van JS Bach, het middel om zijn artistieke gaven te disciplineren en te verrijken.

Mozart kwam snel onder de aandacht van Haydn, die de nieuwe componist begroette, zijn werken bestudeerde en overwoog de jongere man zijn enige echte peer in muziek. In Mozart vond Haydn een groter scala aan instrumenten, dramatisch effect en melodische bronnen. De leerrelatie bewoog zich in beide richtingen. Mozart had ook een groot respect voor de oudere, meer ervaren componist, en wilde van hem leren.

De aankomst van Mozart in Wenen in 1780 bracht een versnelling in de ontwikkeling van de klassieke stijl. Daar absorbeerde Mozart de samensmelting van Italiaanse schittering en Germaanse samenhang die de afgelopen twintig jaar aan het broeien was. Zijn eigen smaak voor flitsende briljanten, ritmisch complexe melodieën en figuren, lange cantilena-melodieën en virtuoze bloeit versmolten met een waardering voor formele samenhang en interne verbondenheid. Op dit punt stopten oorlog en economische inflatie een trend naar grotere orkesten en dwongen ze de ontbinding of vermindering van veel theaterorkesten. Dit drukte de klassieke stijl naar binnen: op zoek naar grotere ensemble- en technische uitdagingen – bijvoorbeeld door de melodie over houtblazers te verspreiden of een melodie te gebruiken die in tertsen is geharmoniseerd. Dit proces plaatste een premie voor kleine ensemblemuziek, kamermuziek genaamd. Het leidde ook tot een trend naar meer openbare uitvoeringen, wat een extra impuls gaf aan het strijkkwartet en andere kleine ensemblegroepen.

Het was tijdens dit decennium dat de publieke smaak steeds meer begon te erkennen dat Haydn en Mozart had een hoge standaard van samenstelling bereikt. Tegen de tijd dat Mozart op 25-jarige leeftijd arriveerde, in 1781, waren de dominante stijlen van Wenen herkenbaar verbonden met de opkomst in de jaren 1750 van de vroege klassieke stijl.Tegen het einde van de jaren 1780 waren veranderingen in de uitvoeringspraktijk, de relatieve status van instrumentale en vocale muziek, technische eisen aan musici en stilistische eenheid gevestigd in de componisten die Mozart en Haydn imiteerden. Gedurende dit decennium componeerde Mozart zijn beroemdste opera’s, zijn zes late symfonieën die hielpen om het genre opnieuw te definiëren, en een reeks pianoconcerti die nog steeds op het hoogtepunt van deze vormen staan.

Een componist die invloedrijk was in De meer serieuze stijl die Mozart en Haydn hadden gevormd verspreiden, is Muzio Clementi, een begenadigd virtuoos pianist die met Mozart een muzikaal “duel” voor de keizer aanging waarin ze elk improviseerden op de piano en hun composities uitvoerden. Clementi’s pianosonates circuleerden wijd, en hij werd de meest succesvolle componist in Londen in de jaren 1780. Ook in Londen was op dat moment Jan Ladislav Dussek, die, net als Clementi, pianomakers aanmoedigde om het bereik en andere kenmerken van hun instrumenten, en profiteerde vervolgens volledig van de nieuw ontstane mogelijkheden. Het belang van Londen in de klassieke periode wordt vaak over het hoofd gezien, maar het diende als de thuisbasis van de Broadwood-fabriek voor pianoproductie en als de basis voor componisten die, hoewel minder opmerkelijker dan de “Weense School”, had een beslissende invloed op wat later kwam. Ze waren componisten van vele mooie werken, op zichzelf al opmerkelijk. De Londense smaak voor virtuositeit heeft wellicht het complexe passagewerk en uitgebreide uitspraken over tonica en dominant aangemoedigd.

Rond 1790-1820 Bewerken

Toen Haydn en Mozart begonnen te componeren, werden symfonieën gespeeld als afzonderlijke delen – voor, tussen of als intermezzo’s in andere werken – en veel ervan duurden slechts tien of twaalf minuten; instrumentale groepen hadden verschillende spelstandaarden en de continuo was een centraal onderdeel van het musiceren.

In de tussenliggende jaren had de sociale wereld van de muziek dramatische veranderingen ondergaan. Het internationale publiceren en toeren was explosief gegroeid en er ontstonden concertverenigingen. De notatie werd specifieker, beschrijvend en schema’s voor werken waren vereenvoudigd (maar werden meer varieerden in hun exacte uitwerking.) In 1790, net voor de dood van Mozart, terwijl zijn reputatie zich snel verspreidde, was Haydn klaar voor een reeks successen, met name zijn late oratoria en Londense symfonieën. Componisten in Parijs, Rome en heel Duitsland wendden zich tot Haydn en Mozart voor hun ideeën over vorm.

In de jaren 1790 ontstond een nieuwe generatie componisten, geboren rond 1770. Terwijl ze waren opgegroeid met de eerdere stijlen, hoorden ze in de recente werken van Haydn en Mozart een voertuig voor meer expressie. In 1788 vestigde Luigi Cherubini zich in Parijs en in 1791 componeerde hij Lodoiska, een opera die hem beroemd maakte. Zijn stijl is duidelijk een afspiegeling van de volwassen Haydn en Mozart, en zijn instrumentatie gaf het een gewicht dat nog niet gevoeld was in de grote opera. Zijn tijdgenoot Étienne Méhul breidde instrumentale effecten uit met zijn opera Euphrosine et Coradin uit 1790, waaruit een reeks successen volgde. Het laatste zetje in de richting van verandering kwam van Gaspare Spontini, die diep werd bewonderd door toekomstige romantische componisten als Weber, Berlioz en Wagner. De innovatieve harmonische taal van zijn opera’s, hun verfijnde instrumentatie en hun ‘verankerde’ gesloten nummers (een structureel patroon dat later door Weber in Euryanthe werd overgenomen en van hem via Marschner aan Wagner werd doorgegeven) vormden de basis van waaruit het Frans en De Duitse romantische opera had zijn oorsprong.

De meest noodlottige van de nieuwe generatie was Ludwig van Beethoven, die zijn genummerde werken in 1794 lanceerde met een set van drie pianotrio’s, die in het repertoire blijven. Iets jonger dan de anderen, hoewel even goed door zijn jeugdige studie onder Mozart en zijn inheemse virtuositeit, was Johann Nepomuk Hummel. Hummel studeerde ook onder Haydn; hij was een vriend van Beethoven en Franz Schubert. Hij concentreerde zich meer op de piano dan enig ander instrument, en zijn tijd in Londen in 1791 en 1792 genereerde de compositie en publicatie in 1793 van drie pianosonates, opus 2, die op idiomatische wijze de technieken van Mozart gebruikten om de verwachte cadans te vermijden, en Clementi ’s soms modaal onzekere virtuoze figuratie. Bij elkaar genomen kunnen deze componisten gezien worden als de voorhoede van een brede stijlverandering en het centrum van de muziek. Ze bestudeerden elkaars werken, kopieerden elkaars gebaren in de muziek en gedroegen zich soms als twistzieke rivalen.

De cruciale verschillen met de vorige golf zijn te zien in de neerwaartse verschuiving in melodieën, toenemende duur van bewegingen, de acceptatie van Mozart en Haydn als paradigmatisch, het grotere gebruik van toetsenbordbronnen, de verschuiving van ‘schrijven naar’ pianistisch ‘schrijven, de groeiende aantrekkingskracht van de minderjarige en van modale ambiguïteit, en het toenemende belang van het variëren van begeleidende figuren om’ textuur ‘naar voren te brengen als een element in de muziek. Kortom, wijlen Klassiek was op zoek naar muziek die intern complexer was. De groei van concertverenigingen en amateurorkesten, die het belang van muziek als onderdeel van het leven in de middenklasse aantoonden, droeg bij tot een bloeiende markt voor piano’s, pianomuziek en virtuozen om als voorbeeld te dienen. Hummel, Beethoven en Clementi stonden allemaal bekend om hun improvisaties.

De directe invloed van de barok bleef vervagen: de becijferde bas werd minder prominent als middel om de uitvoering bij elkaar te houden, de uitvoeringspraktijken van de middenklasse. -18e eeuw bleef uitsterven. Tegelijkertijd kwamen er echter complete edities van barokmeesters beschikbaar, en de invloed van de barokstijl bleef groeien, vooral door het steeds uitgebreider gebruik van koper. Een ander kenmerk van de periode is het groeiende aantal uitvoeringen waarbij de componist niet aanwezig was. Dit leidde tot meer detail en specificiteit in de notatie; er waren bijvoorbeeld minder ‘optionele’ partijen die los stonden van de hoofdpartituur.

De kracht van deze verschuivingen werd duidelijk met Beethovens 3e symfonie, gegeven de naam Eroica, wat Italiaans is voor ‘heroïsch “, door de componist. Net als bij Stravinsky’s The Rite of Spring, was het misschien niet de eerste in al zijn innovaties, maar het agressieve gebruik van elk deel van de klassieke stijl onderscheidde het van zijn hedendaagse werken: in lengte , ambitie en ook harmonische bronnen.