Muziekgeschiedenis

Middeleeuwse muziek Bewerken

Terwijl het muziekleven was ongetwijfeld rijk in de vroege middeleeuwen, zoals blijkt uit artistieke afbeeldingen van instrumenten, geschriften over muziek en andere platen, het enige muziekrepertoire dat bewaard is gebleven van vóór 800 tot heden is de liturgische muziek van de rooms-katholieke kerk. , waarvan het grootste deel gregoriaans wordt genoemd. Paus Gregorius I, die zijn naam gaf aan het muzikale repertoire en mogelijk zelf componist was, wordt gewoonlijk beweerd de grondlegger te zijn van het muzikale deel van de liturgie in zijn huidige vorm, hoewel de bronnen met details over zijn bijdrage dateren uit meer dan honderd jaar na zijn dood. Veel geleerden zijn van mening dat zijn reputatie door de legende is overdreven. Het grootste deel van het gezangrepertoire is anoniem gecomponeerd in de eeuwen tussen de tijd van Gregorius en Karel de Grote.

In de 9e eeuw vonden er verschillende belangrijke ontwikkelingen plaats. Ten eerste was er een grote inspanning van de Kerk om de vele gezangtradities te verenigen en vele ervan te onderdrukken ten gunste van de Gregoriaanse liturgie. Ten tweede werd de vroegste polyfone muziek gezongen, een vorm van parallelle zang die bekend staat als organum. Ten derde, en van het grootste belang voor de muziekgeschiedenis, werd de notatie opnieuw uitgevonden na een verloop van ongeveer vijfhonderd jaar, hoewel het nog enkele eeuwen zou duren voordat een systeem van toonhoogte- en ritmenotatie zich ontwikkelde met de precisie en flexibiliteit die moderne musici als vanzelfsprekend beschouwen.

In de periode na 1100 bloeiden verschillende scholen van polyfonie: de St. Martial school van organum, waarvan de muziek vaak werd gekenmerkt door een snel bewegend deel over een enkele aanhoudende lijn; de school voor polyfonie van de Notre Dame, waartoe de componisten Léonin en Pérotin behoorden, en die rond 1200 de eerste muziek produceerde voor meer dan twee delen; de muzikale smeltkroes van Santiago de Compostela in Galicië, een bedevaartsoord en plaats waar musici uit vele tradities samenkwamen in de late middeleeuwen, waarvan de muziek overleeft in de Codex Calixtinus; en de Engelse school, waarvan de muziek bewaard is gebleven in de Worcester Fragments en het Old Hall Manuscript. Naast deze religieuze muziekscholen ontwikkelde zich een levendige traditie van wereldlijke zang, zoals blijkt uit de muziek van de troubadours, trouvères en minnesänger. Veel van de latere wereldlijke muziek uit de vroege Renaissance is voortgekomen uit de vormen, ideeën en muzikale esthetiek van de troubadours, hoofse dichters en rondreizende musici, wier cultuur grotendeels werd uitgeroeid tijdens de kruistocht tegen de Albigenzen in het begin van de 13e eeuw.

Vormen van gewijde muziek die zich aan het einde van de 13e eeuw ontwikkelden, omvatten het motet, conductus, discant en clausulae. Een ongebruikelijke ontwikkeling was de Geisslerlieder, de muziek van zwervende groepen flagellanten gedurende twee periodes: het midden van de 13e eeuw (totdat ze werden onderdrukt door de kerk); en de periode tijdens en onmiddellijk na de Zwarte Dood, rond 1350, toen hun activiteiten levendig werden vastgelegd en goed gedocumenteerd met muziek op muziek. Hun muziek mengde volksliedstijlen met boetvaardige of apocalyptische teksten. De 14e eeuw in de Europese muziekgeschiedenis wordt gedomineerd door de stijl van de ars nova, die volgens afspraak wordt gegroepeerd met het middeleeuwse tijdperk in de muziek, ook al had het veel gemeen met de idealen en esthetiek uit de vroege Renaissance. Veel van de overgebleven muziek van die tijd is seculier en gebruikt de formes fixes: de ballade, de virelai, de lai, de rondeau, die overeenkomen met poëtische vormen met dezelfde namen. De meeste stukken in deze vormen zijn voor één tot drie stemmen, waarschijnlijk met instrumentale begeleiding: beroemde componisten zijn onder meer Guillaume de Machaut en Francesco Landini.

Renaissance-muziek Bewerken

Het begin van de Renaissance in de muziek is niet zo duidelijk gemarkeerd als het begin van de Renaissance in de andere kunsten, en in tegenstelling tot de andere kunsten begon het niet in Italië, maar in Noord-Europa, met name in het gebied dat momenteel Midden- en Noord-Frankrijk omvat. Nederland en België. De stijl van de Bourgondische componisten, zoals de eerste generatie van de Frans-Vlaamse school bekend is, was aanvankelijk een reactie op de buitensporige complexiteit en gemanierde stijl van de late 14e-eeuwse ars subtilior, en bevatte heldere, zingbare melodie en evenwichtige polyfonie in alle stemmen. De beroemdste componisten van de Bourgondische school in het midden van de 15e eeuw zijn Guillaume Dufay, Gilles Binchois en Antoine Busnois.

Tegen het midden van de 15e eeuw begonnen componisten en zangers uit de Lage Landen en aangrenzende gebieden zich over Europa te verspreiden, vooral naar Italië, waar ze in dienst waren van de pauselijke kapel en de aristocratische beschermheren van de kunsten (zoals de Medici, de Este en de Sforza families). Ze droegen hun stijl met zich mee: gladde polyfonie die naar wens kon worden aangepast voor heilig of seculier gebruik. De belangrijkste vormen van heilige muzikale compositie in die tijd waren de mis, het motet en de laude; seculiere vormen waren onder meer het chanson, de frottola en later het madrigaal.

De uitvinding van de boekdrukkunst had een enorme invloed op de verspreiding van muziekstijlen en droeg samen met de beweging van de Frans-Vlaamse musici bij tot de vestiging van de eerste echt internationale stijl in de Europese muziek sinds de eenwording van het gregoriaans onder Karel de Grote. Componisten van de middelste generatie van de Frans-Vlaamse school waren onder meer Johannes Ockeghem, die muziek schreef in een contrapuntisch complexe stijl, met een gevarieerde textuur en een uitgebreid gebruik van canonieke apparaten; Jacob Obrecht, een van de beroemdste componisten van missen in de laatste decennia van de 15e eeuw; en Josquin des Prez, waarschijnlijk de beroemdste componist in Europa vóór Palestrina, en die in de 16e eeuw bekend stond als een van de grootste kunstenaars in welke vorm dan ook. Muziek in de generatie na Josquin onderzocht de toenemende complexiteit van contrapunt; misschien wel de meest extreme uitdrukking is in de muziek van Nicolas Gombert, wiens contrapuntische complexiteit de vroege instrumentale muziek beïnvloedde, zoals de canzona en de ricercar, en uiteindelijk culmineerde in barokke fugale vormen.

Tegen het midden van de 16e eeuw begon de internationale stijl af te breken en werden verschillende zeer uiteenlopende stilistische trends duidelijk: een trend naar eenvoud in de gewijde muziek, zoals geregisseerd door het Concilie van Contrareformatie van Trente, geïllustreerd in de muziek van Giovanni Pierluigi da Palestrina; een trend naar complexiteit en chromatiek in het madrigaal, die zijn extreme uitdrukking bereikte in de avant-garde stijl van de Ferrara School van Luzzaschi en de late-eeuwse madrigalist Carlo Gesualdo; en de grandioze, sonore muziek van de Venetiaanse school, die de architectuur van de Basilica San Marco di Venezia gebruikte om antifonale contrasten te creëren. De muziek van de Venetiaanse school omvatte de ontwikkeling van orkestratie, geornamenteerde instrumentale partijen en continuo-baspartijen, die allemaal plaatsvonden in een tijdsbestek van enkele decennia rond 1600. Beroemde componisten in Venetië waren onder meer de Gabrielis, Andrea en Giovanni, evenals Claudio Monteverdi, een van de belangrijkste vernieuwers aan het einde van de eeuw.

De meeste delen van Europa hadden tegen het einde van de eeuw actieve en goed gedifferentieerde muzikale tradities. In Engeland schreven componisten als Thomas Tallis en William Byrd gewijde muziek in een stijl die vergelijkbaar is met die op het continent, terwijl een actieve groep madrigalisten van eigen bodem de Italiaanse vorm aanpaste aan de Engelse smaak: beroemde componisten waren onder meer Thomas Morley, John Wilbye en Thomas Weelkes. Spanje ontwikkelde zijn eigen instrumentale en vocale stijlen, met Tomás Luis de Victoria die verfijnde muziek schreef die vergelijkbaar was met die van Palestrina, en talloze andere componisten die voor de nieuwe gitaar schreven. Duitsland cultiveerde polyfone vormen die waren gebouwd op de protestantse koralen, die het rooms-katholieke gregoriaans verving als basis voor sacrale muziek, en importeerde de stijl van de Venetiaanse school (waarvan het uiterlijk het begin van de barok daar bepalend). Bovendien schreven Duitse componisten enorme hoeveelheden orgelmuziek, waarmee de basis werd gelegd voor de latere barokke orgelstijl die culmineerde in het werk van J.S. Bach. Frankrijk ontwikkelde een unieke stijl van muzikale dictie die bekend staat als musique mesurée, gebruikt in seculiere chansons, met componisten als Guillaume Costeley en Claude Le Jeune die prominent aanwezig waren in de beweging.

Een van de meest revolutionaire bewegingen uit die tijd was plaats in Florence in de jaren 1570 en 1580, met het werk van de Florentijnse Camerata, die ironisch genoeg een reactionaire bedoeling had: ontevreden over wat zij zagen als hedendaagse muzikale verdorvenheden, was hun doel om de muziek van de oude Grieken te herstellen. De belangrijkste onder hen waren Vincenzo Galilei, de vader van de astronoom, en Giulio Caccini. De vruchten van hun inspanningen waren een declamatorische melodische zangstijl die bekend staat als monody, en een bijbehorende geënsceneerde dramatische vorm: een vorm die tegenwoordig bekend staat als opera. De eerste opera’s, geschreven rond 1600, bepalen ook het einde van de renaissance en het begin van de barok.

Muziek vóór 1600 was eerder modaal dan tonaal. Verschillende theoretische ontwikkelingen aan het eind van de 16e eeuw, zoals de geschriften over toonladders op modi door Gioseffo Zarlino en Franchinus Gaffurius, leidden direct tot de ontwikkeling van de gangbare tonaliteit.De majeur- en mineur toonladders begonnen de overhand te krijgen op de oude kerktypes, een kenmerk dat aanvankelijk het meest duidelijk was op cadentiële punten in composities, maar langzamerhand doordrongen werd. Muziek na 1600, beginnend met de tonale muziek van de barok, wordt vaak aangeduid als behorend tot de gangbare oefenperiode.

Barokmuziek Bewerken

J.S. Bach
Toccata en Fuga

De barok vond plaats van 1600 tot 1750, toen de barokke artistieke stijl bloeide in heel Europa en gedurende deze tijd breidde de muziek zich uit in haar bereik en complexiteit. Barokmuziek begon toen de eerste opera’s (dramatische solo-vocale muziek begeleid door orkest) werden geschreven. Tijdens de barok bleef polyfone contrapuntische muziek, waarin meerdere, gelijktijdige onafhankelijke melodielijnen werden gebruikt, belangrijk (contrapunt was belangrijk in de vocale muziek van de middeleeuwen). Duitse, Italiaanse, Franse, Nederlandse, Poolse, Spaanse, Portugese en Engelse barokcomponisten schreven voor kleine ensembles, waaronder strijkers, koperblazers en houtblazers, maar ook voor koren en toetsinstrumenten zoals pijporgel, klavecimbel en clavichord. Gedurende deze periode werden verschillende belangrijke muziekvormen gedefinieerd die duurden tot latere perioden waarin ze werden uitgebreid en verder geëvolueerd, waaronder de fuga, de uitvinding, de sonate en het concert. De laatbarokke stijl was polyfoon complex en rijkelijk versierd. Belangrijke componisten uit de barok zijn onder meer Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann en Antonio Vivaldi.

Tijdperk van de klassieke muziek / h3>

Hoofdartikel: Klassieke periode (muziek)

De muziek van de klassieke periode wordt gekenmerkt door een homofone textuur, of een duidelijke melodie met begeleiding. Deze nieuwe melodieën waren bijna stemachtig en zingbaar, waardoor componisten zangers daadwerkelijk konden vervangen als het middelpunt van de muziek. Instrumentale muziek verving daarom al snel opera en andere gezongen vormen (zoals oratorium) als de favoriet van het muzikale publiek en de belichaming van een geweldige compositie. Opera verdween echter niet: tijdens de klassieke periode begonnen verschillende componisten opera’s te produceren voor het grote publiek in hun moedertaal (eerdere opera’s waren meestal in het Italiaans).

Samen met de geleidelijke verplaatsing van de stem in Voorstander van sterkere, duidelijkere melodieën, werd contrapunt ook typisch een decoratieve bloei, vaak gebruikt aan het einde van een werk of voor een enkele beweging. In plaats daarvan gebruikten eenvoudige patronen, zoals arpeggio’s en, in pianomuziek, Alberti-bas (een begeleiding met een herhaald patroon, typisch in de linkerhand), werden gebruikt om de beweging van het stuk te verlevendigen zonder een verwarrende extra stem te creëren. De nu populaire instrumentale muziek werd gedomineerd door verschillende goed gedefinieerde vormen: de sonate, de symfonie en de concerto, hoewel geen van deze destijds specifiek werd gedefinieerd of onderwezen e zoals ze nu zijn in de muziektheorie. Alle drie zijn afgeleid van de sonatevorm, die zowel de bovenliggende vorm van een heel werk is als de structuur van een enkel deel. Sonatevorm rijpte tijdens het klassieke tijdperk om de primaire vorm van instrumentale composities gedurende de 19e eeuw te worden.

De vroege klassieke periode werd ingeluid door de Mannheim-school, die componisten omvatte als Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz en Christian Cannabich. Het oefende een grote invloed uit op Joseph Haydn en, via hem, op alle daaropvolgende Europese muziek. Wolfgang Amadeus Mozart was de centrale figuur van de klassieke periode, en zijn fenomenale en gevarieerde output in alle genres bepaalt onze perceptie van de periode. Ludwig van Beethoven en Franz Schubert waren overgangscomponisten, leidend naar de romantische periode, met hun uitbreiding van bestaande genres, vormen en zelfs functies van muziek.

Romantische muziekEdit

In de romantische periode werd muziek expressiever en emotioneler, en breidde ze zich uit tot literatuur, kunst en filosofie. Beroemde vroege romantische componisten zijn onder meer Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti en Berlioz Aan het einde van de 19e eeuw zag een dramatische uitbreiding van de grootte van het orkest, en in de rol van concerten als onderdeel van de stedelijke samenleving.Beroemde componisten uit de tweede helft van de eeuw zijn onder meer Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tsjaikovski, Verdi en Wagner. Tussen 1890 en 1910 bouwde een derde golf van componisten, waaronder Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini en Sibelius, voort op het werk van middenromantische componisten om nog complexere – en vaak veel langere – muziekwerken te creëren. Een opvallend kenmerk van muziek uit de late 19e eeuw is de nationalistische ijver, zoals geïllustreerd door figuren als Dvořák, Sibelius en Grieg. Andere prominente figuren uit de late eeuw zijn Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy en Rimsky-Korsakov.

20ste en 21ste-eeuwse muziek Bewerken

Alle soorten muziek werden ook steeds draagbaarder. De 20e eeuw zag een revolutie in het luisteren naar muziek toen de radio wereldwijd populair werd en nieuwe media en technologieën werden ontwikkeld om muziek op te nemen, vast te leggen, te reproduceren en te verspreiden. Muziekuitvoeringen werden steeds visueler met de uitzending en opname van uitvoeringen.

20e-eeuwse muziek bracht een nieuwe vrijheid en brede experimenten met nieuwe muziekstijlen en vormen die de aanvaarde muziekregels van vroegere periodes uitdaagden. De uitvinding van muzikale versterking en elektronische instrumenten, met name de synthesizer, in het midden van de 20e eeuw bracht een revolutie teweeg in klassieke en populaire muziek en versnelde de ontwikkeling van nieuwe vormen van muziek.

Wat klassieke muziek betreft, twee fundamentele scholen bepaalden het verloop van de eeuw: dat van Arnold Schönberg en dat van Igor Stravinsky.