De geschiedenis van de westerse klassieke muziek kan worden onderverdeeld in zes hoofdperioden. De renaissanceperiode is de tweede hiervan en verbindt de middeleeuwen die eraan voorafgingen, en de barok die erop volgde.
Deze gids geeft een overzicht van enkele van de geschiedenis van het tijdperk, muzikale kenmerken en belangrijke componisten, om u een dieper begrip van de Renaissance-periode te geven. We bieden ook enkele YouTube-links naar relevante stukken, zodat je het geluid van de muziek een beetje beter kunt leren kennen.
The Renaissance Music Era
Renaissance betekent letterlijk ‘wedergeboorte ”.
De muzikale Renaissance-periode duurde van 1400-1600 n.Chr. En was een tijd van enorme groei en ontwikkeling, waarin muziek expressiever, gevarieerder en complexer werd.
Componisten hadden meer vrijheid om schrijven wat ze wilden en technologische ontwikkelingen betekenden dat hun muziek meer mensen kon bereiken.
Sociale verandering
Religieuze muziek was nog steeds alomtegenwoordig in de Renaissance, maar de afnemende invloed van de kerk betekende dat componisten kregen meer artistieke vrijheid en mochten creatieve muziek schrijven voor zichzelf.
De belangstelling voor oude culturen was recentelijk weer toegenomen en componisten begonnen zich te laten inspireren door de kunst en mythologie van het oude Griekenland. en Rome, maar ook uit astronomie en wiskunde.
Wanneer primitieve manieren van noteren ng muziek ontstond in de Middeleeuwen, componisten konden hun stukken dan gemakkelijker documenteren en delen, maar ze moesten nog steeds tijdrovend met de hand worden uitgeschreven.
De uitvinding van de drukpers in 1439 maakte echter een veel grotere verspreiding mogelijk, wat leidde tot een rijke uitwisseling van ideeën in heel Europa.
Bovendien betekende de groei van een burgerlijke klasse (een gecultiveerde hogere middenklasse) dat er nu een kant-en-klaar publiek was voor geschreven muziek, aangezien het muziekonderwijs bloeide en steeds meer mensen leerde muziek lezen.
Er is veel meer muziek uit deze periode bewaard gebleven in vergelijking met de middeleeuwen.
Kerkelijke en wereldlijke muziek
Religieuze koormuziek was dominant aan het begin van de Renaissance, met veel van het bouwt voort op de polyfonie (muziek die twee of meer gelijktijdige onafhankelijke melodische partijen heeft) die zich aan het einde van de Middeleeuwen ontwikkelde.
Motetten en missen waren hier twee veelvoorkomende voorbeelden van, waarbij de laatste deel uitmaakten van de liturgie van de kerk.
Heilige en seculiere stijlen begonnen elkaar te beïnvloeden: het madrigaal (traditioneel een niet-begeleid niet-religieus lied voor een aantal stemmen) werd aangenomen als kerkvorm, terwijl seculiere componisten motetten begonnen te schrijven.
Aan het begin van de Renaissance waren de kansen voor seculiere componisten beperkt, met de meeste werkgelegenheid via de rechtbanken (huishoudens en residenties van vorsten), die musici inhuurden als uitvoerders, docenten en componisten.
Maar wereldlijke muziek werd steeds populairder naarmate de tijd verstreek en componisten konden nu opdrachten aannemen van rijke amateurs, terwijl de nieuwe gedrukte muziek ook financiële kansen bood.
De protestantse reformatie betekende ook dat zowel katholieke als protestantse kerken nu muziek nodig hadden voor hun respectieve diensten.
Wereldlijke muziek was grotendeels vocaal, maar in die periode ontstond de ontwikkeling van instrumentale muziek in zijn eigen recht.
Dit was niet langer muziek voor bijvoorbeeld dans of begeleiding, maar stukken om serieus naar te luisteren.
Dit sloot aan bij een algemene verschuiving in de renaissanceperiode naar het idee om kunst te maken omwille van de kunst.
William Byrd’s Fantasia (een instrumentele imitatie van een motet) is hier een voorbeeld van:
Seculiere songformulieren inbegrepen:
- Lied (Duits)
- Frottola (Italiaans)
- Chanson (Frans)
- Madrigal (Italiaans)
- Villancico ( Spaans)
Opera, een combinatie van theater en vocale muziek die in de loop van de volgende eeuwen ongelooflijk populair zou worden, ontwikkeld in Italië aan het einde van de Renaissance.
Jacopo Peri’s Dafne wordt door velen beschouwd als de allereerste opera.
Gecomponeerd rond 1597/1598, was het een poging om de stijl van het klassieke Griekse drama nieuw leven in te blazen.
Harmonie en Stijl
Het modale harmonische systeem van de Middeleeuwen – muziek gebaseerd op toonladders of modi – bleef op zijn plaats aan het begin van het Renaissance-tijdperk.
De regels voor contrapunt (de relatie tussen gelijktijdige onderling afhankelijke muzikale lijnen) werden ingewikkelder en strikter met betrekking tot welke intervallen als consonant worden beschouwd en welke als dissonant.
Intervallen van een derde en een zesde begonnen te worden gebruikt, en dit leidde tot het eerste gebruik van drieklanken – akkoorden met drie noten die tegenwoordig de basis vormen voor veel westerse muziek.
Afgezien van de strikte regels rondom contrapunt, componisten hadden veel meer vrijheid om expressief te zijn.
Velen probeerden nu emotie in hun muziek op te nemen, en dit werd geholpen door een veel groter vocaal bereik in vergelijking met de middeleeuwse periode, en een veel grotere variatie in elementen zoals ritme en vorm.
Accidentals werden toegevoegd aan de kerkmodi, en de modale benadering werd geleidelijk vervangen door functionele tonaliteit (het op sleutelcentrum gebaseerde harmonische systeem dat de muziek de komende paar honderd jaar zou beheersen), met een focus op akkoordprogressies, mineur en majeur tonaliteit en grondbeweging gebaseerd op de kwintencirkel.
Dit leidde de weg naar de gebruikelijke harmonie in de praktijk die volledig tot stand zou komen in de barokperiode.
Er ontstonden rijkere texturen, waarbij componisten gebruik maakten van vier of meer onafhankelijke partijen. Steeds vaker probeerden ze deze onderdelen in elkaar te laten overvloeien, met imitatie van een sleutelapparaat dat werd gebruikt om dit te bereiken.
Het laat-renaissancistische werk van componisten als Gregorio Allegri en Giovanni Pierluigi da Palestrina, geschreven voor grote koorgroepen, is groots en ingewikkeld.
Notatie en theorie
Partituren waren nog niet algemeen gebruikt, dus renaissancestukken werden alleen in afzonderlijke delen genoteerd.
Maatstrepen waren nog niet alledaags, en nootwaarden waren over het algemeen veel langer dan we vandaag zouden zien.
Semibreves en breves waren de primaire ritmische eenheden, in plaats van crotchets en minims, dus een muziekstuk dat in deze tijd werd geschreven, zou er heel anders uitzien dan een modern stuk.
Renaissance-componisten
Componisten uit Noord-Frankrijk en de Lage Landen, waar vooral de hoven de kunsten ondersteunden, domineerden het begin van de Renaissance.
Later groeide Italië aan bekendheid en produceerde het veel opmerkelijke componisten.
Kunstenaars van elders trokken ook naar het land, en het was in Italië dat veel van de eerste innovaties uit de barokperiode begonnen.
Belangrijke componisten uit de Renaissance zijn onder meer:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – een Fransman die zowel wereldlijke als heilige werken schreef
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) – een Italiaanse componist van religieuze werken, en een beroemde exponent van de Romeinse School
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – een van de grootste componisten van Engeland, vooral bekend om zijn koorwerken
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Vlaams componist en muziektheoreticus
- Orlande de Lassus (1530–1594) – Frans-Vlaamse componist van polyfone muziek
Hier is een vocaal stuk van des Prez:
Instrumenten uit de Renaissance
Veel instrumenten die in de Renaissance werden gebruikt, waren ursoren voor moderne instrumenten, waarvan sommige zich rond deze tijd in nieuwe vormen ontwikkelen.
Koperblazers waren onder meer de trompet, die op dat moment geen kleppen had en op grote schaal in het leger werd gebruikt, en de sackbut, een vroege versie van de trombone die de schuiftrompet verving.
De viola da gamba, of viola da gamba, was een zessnarig instrument dat met een strijkstok werd bespeeld terwijl het op de grond rustte, vergelijkbaar met een moderne ‘cello.
De lier was een ander lid van de snaarfamilie: vergelijkbaar met een moderne miniatuurharp, werd hij getokkeld met een plectrum in plaats van met de vingers geplukt.
De schalmei (een houten pijp met dubbele rietstengels), de dwarsfluit en de blokfluit werden gewoonlijk bespeelde houtblazers, terwijl populaire toetsinstrumenten het klavecimbel, het klavichord en het maagdelijke instrument waren.
Technologische ontwikkelingen in het maken van instrumenten gaf ensembles toegang tot grotere reeksen en toegenomen textuurvariatie, terwijl ensembles ook in omvang groeiden.
Stukken werden uitdagender en werden nu voor het eerst voor specifieke instrumenten geschreven.
Conclusie
Daarmee is onze blik op de Renaissance-periode dus afgerond.
We hebben geleerd hoe muziek zich voortbewoog uit de Middeleeuwen, zich ontwikkelde in complexiteit en variëteit, voordat nieuwe technologie en een nieuwe benadering van harmonie de weg baanden voor de barokperiode.
We hopen dat het nuttig en informatief voor u zal blijken, en dat het u zou kunnen inspireren om te luisteren naar meer prachtige klanken van mensen als Palestrina, Byrd en des Prez.