XXX Live Nude Girls (2003)
Jennifer Walshe le-a întrebat pe fete despre cum se jucau cu păpușile lor Barbie și s-au întors confesionalii într-o operă a ororilor în care jucăriile dezlănțuie jocul sexual întunecat și acte de mutilare. Walshe este un fluierat pentru acest gen de lucruri: scoate furnirul de plastic al culturii comerciale prin parodierea, apoi dezmembrarea sistematică a arhetipurilor. KM
Citește recenzia noastră | urmăriți o producție din 2016 BIFEM
City Noir (2009)
Portretul viu din Los Angeles al lui Adams, așa cum este descris în filmul negru din anii 1940 și 50, este o simfonie cu trei mișcări și un concert pentru orchestră. Este o sărbătoare în față a virtuozității orchestrale care face referire la o serie de expresii americane, fără a fi niciodată prea specifice. Nu este cea mai bună lucrare orchestrală a lui (cu toate acestea a apărut în secolul trecut), ci o piesă de spectacol eficientă, extrovertită. AC
Citește recenzia noastră | Ascultați pe Spotify
23 James MacMillan
Prolificul compozitor scoțian a avut un impact asupra muzicii corale, inspirându-se de romanul său Rădăcini catolice, cel mai recent în Simfonia a cincea, Le grand Inconnu și în Tenebrae Responsories. Stabat Mater pentru cor și orchestră de coarde, premierat și comandat de Harry Christophers and the Sixteen, a surprins imaginația publicului, mesajul său direct, imediat, strălucitor și pasionat. FM
Citește recenzia noastră | Urmăriți premiera mondială la Vatican
22 Linda Catlin Smith
Ține țesătura între degete, testează fibrele. Ea lasă spațiu în jurul materialului pentru a-l lua în considerare în acest fel și în altul, apoi se scufundă adânc. Muzica lui Catlin Smith este lentă și liniștită, dar este și luxuriantă. Mai mult decât orice minimalist, își ia reperele de la Couperin, Debussy și picturile lui Agnes Martin. Rezultatele sunt rare, accidentate și senzuale; liniștea nu trebuie să însemne moale. KM
Citește recenzia noastră
The Blue Notebooks (2004)
Scrisă înaintea invaziei Irakului din 2003, Blue Notebooks este meditația lui Max Richter despre violență și război, unul care a fost înregistrat în trei ore. Ciclul melodiei este legat de narațiunea de la Tilda Swinton, dar cele mai convingătoare piese nu necesită cuvinte. Organum este un solo de orgă funerar, Shadow Journal este o bucată de ambient ambient, dar centrul este „Pe natura luminii de zi” (de când se folosește pe nenumărate filme și coloane sonore TV), unde straturile de corzi în continuă expansiune sunt folosite pentru a atrage inima. JL
Richter scrie despre compoziția sa | Ascultați pe Spotify.
20 Caroline Shaw
Partita Caroline Shaw, scrisă pentru propriul ei octet vocal, Roomful of Teeth, este o explozie de energie care înghesui vorbire, cântec și practic orice tehnică vocală extinsă la care te poți gândi în cele patru mișcări de dans „clasice”. Poate arunca în aer noțiunile solemne și fierte de măreție, dar trebuie să fie cea mai veselă lucrare din această listă. EJ
Citește mai mult aici | Ascultă pe Spotify.
Duet pentru violoncel și orchestră (2015)
Un violoncel lent pivotează între două note, un călător neclintit pe un drum plin de seducție înfricoșătoare (fanfare de alamă, corzi înflăcărate). Călătoria durează o jumătate de oră; rezumă o viață hotărâtă de a ține cursul în vremuri strălucitoare și de inimă. Miller este un maestru de a planta o sămânță și de a pune în mișcare un proces captivant, apoi de a continua cu cea mai somptuoasă convingere. KM
Citește recenzia | Ascultă un extras.
18 Brett De un
Australianul Brett Dean, jucător de viola la Filarmonica din Berlin înainte de a se concentra pe compoziție, și-a găsit vocea de operă cu Hamlet. O reelaborare ingenioasă a lui Shakespeare (libretul lui Matthew Jocelyn) care se deschide cu un fragment „To be, or not to be…”, a fost premiat la Glyndebourne în 2017 cu Allan Clayton în rolul principal și Barbara Hannigan în rolul Ophelia. > Citiți recenzia | Urmăriți un trailer
17 Steve Reich
A fost nevoie de chintesența Nou Compozitorul din York, timp de 10 ani, pentru a procesa ororile din 11 septembrie și a compune această temă disonantă, care stabilește șirurile lui Reich împotriva vocilor manipulate. Înregistrările controlorilor de trafic aerian îngroziți și ale martorilor oculari sunt îmbinate și buclate, tonalitățile vorbirii lor replicate ( uneori aproape batjocoritor) de către Cvartetul Kronos, înainte de a ajunge la o închidere de fel cu rugăciunea unui cantor.JL
Citiți recenzia | Urmăriți un spectacol live.
16 Rebecca Saunders
Muzica Rebecca Saunders face întotdeauna o poezie viscerală și violentă, dar rezonantă din punct de vedere senzual. Compus în colaborare cu soprana Juliet Fraser, Skin se inspiră din Samuel Beckett, transformând imaginea scriitorului de praf ca „pielea unei camere” într-o eviscerare de 25 de minute a sunetelor pe care solistul și ansamblul le pot scoate. lumea interioară a instrumentelor și în interiorul bobului vocii lui Fraser – zgârieturi și țipete, respirații și suspine – și găsește o lume revelatoare a sentimentului sporit. TS
Ascultă un spectacol live
Little Match Girl Passion (2007)
Combinați povestea lui Hans Christian Andersen despre fetița de mic meci cu pasiunea lui St Matthew de Bach și aveți una dintre cele mai originale lucrări vocale din vremurile recente. Extrase din povestea lui Andersen și din St Matthew’s evanghelia este intercalată cu o scriere vocală strâns legată, uneori neînsoțită, uneori punctată de percuție discretă și adesea reconfortantă tonală și afectantă. AC
Citește recenzia noastră | Ascultă pe Spotify
14 Pascal Dusapin
Opera lui Dusapin reimaginează ultimul colocviu al lui Orfeu și Euridice, la limita dintre viață și moarte, ca o meditație asupra ideii pasiunii ca expresie a dorinței și suferinței. Partitura face aluzie subtilă la Monteverdi și la barocul francez, dar lumea sonoră pe care o creează este unică a lui Dusapin: tensionată, liniștitoare, fascinantă și austeră de frumoasă. TA
Citește recenzia | Ascultați lucrarea
Lost Highway (2003)
Filmul ușor descumpănitor al lui David Lynch – în care un muzician de jazz ucide soția sa, intră într-o fugă psihogenă și devine în totalitate o altă persoană – era perfect potrivită pentru adaptare de către acest compozitor austriac excentric, a cărui operă de gen explorează noțiunile de identitate. O producție captivantă, pusă în scenă de Opera Națională Engleză la Young Vic, a folosit un film, un scor electro-acustic chirruping și vocea terifiantă și androgină a lui David Moss pentru a încurca și mai mult lucrurile. JL
Citiți recenzia noastră | Ascultați lucrarea
Cello Concerto (2009)
O serie de concerte, pentru instrumente solo occidentale și estice, rulează ca o coloană vertebrală prin muzica orchestrală a Unsuk Chin. Însă lucrarea pentru violoncel este probabil cea mai originală și distractivă desconcertantă dintre toate, distribuită în patru mișcări strălucitoare care nu se potrivesc niciodată cu tipul, făcând tot ceea ce se aștepta de la un concert, într-un mod proaspăt și neconvențional. AC
Citește recenzia noastră | Ascultați pe Spotify
The Importance of Being Earnest (2012)
Odată cu rolul Lady Bracknell acordat unui bas, rândul dintre Gwendolen și Cecily a fost condus prin megafoane și însoțit de ochelari zdrobiți , și cea mai mare parte a textului livrat cu rapiditate mitralieră, această abordare operistică asupra lui Oscar Wilde nu este pentru cei slabi. Dar, cumva, surprinde strălucit absurditățile piesei, adăugând în același timp un strat de suprarealism care este în întregime al lui Barry. AC
Citește recenzia noastră | Ascultați pe Spotify
10 John Luther Adams
Palindromul orchestral monumental care făcut din John Luther Adams un compozitor de renume internațional este o descriere palpitantă a apei în mișcare irezistibilă, în tradiția muzicii de Wagner, Debussy și Sibelius. Dar intenția lui Adams este mult mai mult decât simpla descriere – este un avertisment cu privire la ceea ce ne urmează pentru noi și pentru mările noastre dacă nu ne pasă de ele. AC
Citește recenzia noastră | Ascultați pe Spotify
9 Heiner Goebbels
Un roman al lui Gertrude Stein, muzică populară japoneză și albumul Beach Boys Sunetele pentru animale de companie nu sunt cele mai evidente surse pentru una dintre fuziunile personale de cuvinte, muzică și imagine ale lui Goebbels. Dar, la fel de des în piesele sale de teatru, ingredientele cele mai improbabile adera magic, creând o lume dramatică înțeleasă, aluzivă, diferită de oricare alta, cu sunete din anii 1960 contrapunând suprarealismul dezlănțuit al lui Stein. AC
Citește recenzia noastră | Ascultați o înregistrare pe YouTube
Cvartetul de coarde nr. 4 (2003)
Pentru electronica live și cvartetul de coarde, această lucrare din 2003 este scrisă mai degrabă în cicluri decât în mișcări, cu o idee de moarte departe, reînnoire și continuare. Harvey experimentează tehnologia pentru a descoperi noi posibilități sonore și pentru a menține vie forma tradițională. El și-a scris toate cvartetele pentru Arditti, știind că vor face față tuturor provocărilor pe care le-a pus în fața lor. Rezultatul este elocvent și liric.FM
Citește recenzia | Ascultați lucrarea
7 Louis Andriessen
După ce a colaborat cu regizorii Robert Wilson și Peter Greenaway la lucrările din etapa anterioară, Andriessen a apelat la Hal Hartley pentru „opera sa de film în cinci părți”, o serie de reflecții asupra episoadelor din Divina Comedie a lui Dante. Un film Hartley a făcut parte din montarea originală, dar partitura minunată poliglotă a lui Andriessen, cu o serie de referințe istorice și îmbrățișarea exuberantă de jazz și muzică populară, se află singură. AC
Citiți recenzia noastră | Ascultați pe Spotify
L’Amour de Loin (2000)
Amplasat în Franța secolului al XII-lea , prima operă a lui Saariaho, născută în Finlanda, care a avut premiera la Salzburg în 2000, este o poveste obsedantă despre căutarea unui iubit idealizat de către un trobator, precum și o contemplare asupra vieții, dorului și morții. Bazat pe La Vida breve de Jaufre Rudel, cu un libret al scriitorului franco-libanez Amin Maalouf, muzica are ecouri medievale și din Orientul Mijlociu, dar strălucește în vocea distinctă și fascinantă a Saariaho. FM
Citește recenzia noastră | Ascultă pe Spotify
The Tempest (2003)
Începe cu o furtună geometrică și se termină cu o chaconă consolatoare. The Tempest, de Thomas Adès, a fost catalizatorul pentru crearea unui limbaj muzical care este în același timp bogat familiar și fascinant de ciudat. A fost o piesă care a îndeplinit imediat așteptările pentru ceea ce Adès va face cu resursele complete ale Operei Regale când a avut premiera în 2004 – și le-a depășit. TS
Citește recenzia noastră | Ascultați pe Spotify
Fin de Partie (2018)
Deși de multe ori părea că Kurtág nu va finaliza niciodată opera din jocul final al lui Samuel Beckett, pe care îl obsedase de mai bine de jumătate de secolul, a apărut în cele din urmă în anul 93 al compozitorului. O redare austeră, complet fidelă a originalului, livrată în cea mai mare parte într-un recitativ și întărită cu o scriere orchestrală tipic concisă. Este o distilare a muzicii directe fără compromisuri pe care Kurtág a compus-o de-a lungul carierei sale. AC
Citește recenzia noastră | Urmăriți producția
3 Harrison Birtwistle
După operele despre Punch, Orpheus, Gawain și King Kong, protagonistul jumătății din The Minotaur este probabil cel mai simpatic al lui Birtwistle „eroi”. Scena sa de moarte, creată special pentru basul John Tomlinson, este o piesă decorativă maiestuoasă, punctul culminant al unei opere în care erupțiile violenței orchestrale sunt compensate de muzica de frumusețe lirică și transparență înțepătoare. AC
Citiți recenzia noastră.
Scris pe piele (2012)
Prima operă pe scară largă a lui George Benjamin, cu cuvintele lui Martin Crimp, a sosit în 2012 aparent atemporală din toate punctele de vedere, povestea ei în cele din urmă înspăimântătoare povestind cu atenție publicului modern prin tensiunea lui Benjamin, precisă și adesea scorul strălucitor de frumos. Punerea în scenă a lui Katie Mitchell a fost doar începutul: nici o operă de atunci nu a avut atât de multe producții diferite în atâtea teatre. EJ
Citiți recenzia noastră | Urmăriți o producție
Let Me Tell You (2013)
Când a început secolul 21, ideea că Hans Abrahamsen ar compune una dintre capodoperele din următorii 20 de ani ar fi părut extraordinară . În acea perioadă, foarte puțin din muzica sa se auzise de aproape un deceniu – suferise un bloc creativ pe care îl descrie de atunci ca fiind „paralizat de hârtia albă” și din care în cele din urmă s-a salvat compunând o serie de aranjamente, atât propriile sale partituri anterioare, cât și piese ale altora, inclusiv Bach și Debussy.
Născut în 1952 la Copenhaga, Abrahamsen și-a început cariera ca membru al unui grup de tineri compozitori danezi care au reacționat împotriva a ceea ce ei considerau supracomplexitatea. muzicii noi europene pe care le-au auzit și care au căutat un stil mult mai simplu. El a explorat minimalismul și a studiat o vreme cu György Ligeti și, în curând, s-a impus ca unul dintre compozitorii europeni mai tineri care au urmărit, lucrările sale susținute în anii 1980 de dirijor compozitori precum Hans Werner Henze și Oliver Knussen. După succesul timpuriu a venit o tăcere lungă – a finalizat doar o piesă scurtă în opt ani, dar a revenit la compoziție cu concertul pentru pian pe care l-a terminat în 2000, în care a început să-și inventeze o lume sonoră total originală și complet personală.
Această listă ar putea fi la fel de ușor condusă de lucrarea care a exploatat prima dată această lume recent inventată, Schnee, o piesă de ansamblu extraordinară de o oră din 2008, precum și de ciclul de cântece orchestrale încântătoare Let Me Tell You care a urmat-o cinci ani mai tarziu. Simetriile complicate și canoanele nuanțate de microtonalitate ale lui Schnee definesc lumea înghețată și fragilă pe care Abrahamsen și-a propus-o și a continuat să ofere mediul perfect pentru setările extraselor din romanul cu același nume al lui Paul Griffiths pentru melodiile.
Ca și cartea lui Griffiths, Let Me Tell You este un portret al Ofeliei, dar care îi spune povestea ei din perspectiva ei, mai degrabă decât din modul în care este portretizată în Hamletul lui Shakespeare. Este o scenă operistică la fel de mult ca un ciclu de melodie, una dintre replicile în creștere și pianissimos tremurând și care folosește repetările bâlbâite, stile concitato, pe care Monteverdi le-a introdus în operă acum patru secole pentru a semnifica furia sau anxietatea. Scrierea vocală este uimitor de asigurată. Este greu de crezut că aceasta a fost prima operă vocală pe scară largă a lui Abrahamsen și pare perfect adaptată sopranei Barbara Hannigan, pentru care a fost concepută, și pentru capacitatea ei prețioasă de a se ridica eteric și fără efort deasupra peisajelor sonore, uneori interzise, uneori frumoase. pe care orchestra o creează sub ea. Există sentimentul, a spus Hannigan despre acest ciclu: „Muzica a fost mereu acolo”, iar sentimentul că există ceva atemporal și absolut inevitabil despre Let Me Tell You îi conferă o putere foarte specială. AC
Ascultă lucru