Istoria muzicii

Muzică medievalăEdit

În timp ce viața muzicală a fost, fără îndoială, bogat în epoca medievală timpurie, după cum atestă reprezentările artistice ale instrumentelor, scrierile despre muzică și alte înregistrări, singurul repertoriu de muzică care a supraviețuit dinainte de 800 până în prezent este muzica liturgică de câmpie a Bisericii Romano-Catolice , cea mai mare parte din care se numește cântec gregorian. Papa Grigorie I, care și-a dat numele repertoriului muzical și poate că a fost el însuși compozitor, este de obicei susținut că este inițiatorul porțiunii muzicale a liturghiei în forma sa actuală, deși sursele care oferă detalii despre contribuția sa datează din mai multe peste o sută de ani după moartea sa. Mulți cercetători cred că reputația sa a fost exagerată de legendă. Majoritatea repertoriului de cântări a fost compus anonim în secolele dintre perioada lui Grigorie și Carol cel Mare.

În secolul al IX-lea au avut loc mai multe evoluții importante. În primul rând, Biserica a depus un efort major pentru a unifica numeroasele tradiții ale cântării și a le suprima pe multe dintre ele în favoarea liturgiei gregoriene. În al doilea rând, a fost cântată cea mai veche muzică polifonică, o formă de cântat paralel cunoscută sub numele de organum. În al treilea rând, și cu cea mai mare semnificație pentru istoria muzicii, notația a fost reinventată după o perioadă de aproximativ cinci sute de ani, deși ar mai fi fost câteva secole înainte ca un sistem de notație de ton și ritm să evolueze având precizia și flexibilitatea pe care muzicienii moderni le acordă pentru sine.

Mai multe școli de polifonie au înflorit în perioada de după 1100: școala de organum Sf. Marțială, a cărei muzică a fost adesea caracterizată printr-o parte rapidă în mișcare pe o singură linie susținută; școala de polifonie Notre Dame, care a inclus compozitorii Léonin și Pérotin, și care a produs prima muzică pentru mai mult de două părți în jurul anului 1200; melting-pot-ul muzical din Santiago de Compostela din Galicia, o destinație și un loc de pelerinaj unde s-au reunit muzicieni din multe tradiții în Evul Mediu târziu, a căror muzică supraviețuiește în Codex Calixtinus; și școala engleză, a cărei muzică supraviețuiește în fragmentele Worcester și în manuscrisul Old Hall. Alături de aceste școli de muzică sacră s-a dezvoltat o tradiție vibrantă a cântecului secular, așa cum se exemplifică în muzica trubadurilor, trouvères și Minnesänger. O mare parte din muzica seculară ulterioară a Renașterii timpurii a evoluat din formele, ideile și estetica muzicală a trubadurilor, poeților curteni și muzicienilor itineranți, a căror cultură a fost în mare parte exterminată în timpul cruciadei albigene la începutul secolului al XIII-lea.

Formele de muzică sacră care s-au dezvoltat la sfârșitul secolului al XIII-lea au inclus motetul, conductusul, discantul și clausulae. O evoluție neobișnuită a fost Geisslerlieder, muzica trupelor rătăcitoare de flagelanți în două perioade: mijlocul secolului al XIII-lea (până când au fost suprimate de Biserică); și perioada din timpul și imediat următoare morții negre, în jurul anului 1350, când activitățile lor au fost înregistrate în mod viu și bine documentate cu muzică notată. Muzica lor a amestecat stilurile de cântece populare cu texte penitențiale sau apocaliptice. Secolul al XIV-lea în istoria muzicii europene este dominat de stilul ars nova, care, prin convenție, este grupat cu epoca medievală în muzică, chiar dacă avea multe în comun cu idealurile și estetica Renașterii timpurii. O mare parte din muzica supraviețuitoare a vremii este seculară și tinde să folosească formele corecte: balada, virelai, lai, rondeau, care corespund unor forme poetice cu aceleași nume. Cele mai multe piese în aceste forme sunt pentru una până la trei voci, probabil cu acompaniament instrumental: compozitorii celebri includ Guillaume de Machaut și Francesco Landini.

Muzică renascentistă Editare

Începutul Renașterea în muzică nu este la fel de clar marcată ca începutul Renașterii în celelalte arte și, spre deosebire de celelalte arte, nu a început în Italia, ci în nordul Europei, în special în zona care cuprinde în prezent centrul și nordul Franței, Olanda și Belgia. Stilul compozitorilor burgundieni, așa cum este cunoscută prima generație a școlii franco-flamande, a fost la început o reacție împotriva complexității excesive și a stilului manierat de la sfârșitul secolului al XIV-lea ars subtilior și conținea melodie clară, cântabilă și polifonie echilibrată în toate vocile. Cei mai renumiți compozitori ai școlii burgundiene de la mijlocul secolului al XV-lea sunt Guillaume Dufay, Gilles Binchois și Antoine Busnois.

Până la mijlocul secolului al XV-lea, compozitorii și cântăreții din Țările de Jos și din zonele adiacente au început să se răspândească în toată Europa, în special în Italia, unde erau angajați de capela papală și de patronii aristocrați ai artelor (cum ar fi familiile Medici, Este și Sforza). Ei își purtau stilul cu ei: polifonie netedă care putea fi adaptată pentru utilizarea sacră sau seculară, după caz. Principalele forme de compoziție muzicală sacră la acea vreme erau masa, motetul și laudul; formele seculare includeau chanson, frottola și mai târziu madrigalul.

Invenția tiparului a avut o influență imensă asupra diseminării stilurilor muzicale și, împreună cu mișcarea muzicienilor franco-flamand, a contribuit la stabilirea primului stil cu adevărat internațional în muzica europeană de la unificarea cântării gregoriene sub Carol cel Mare. Compozitorii din generația mijlocie a școlii franco-flamande au inclus Johannes Ockeghem, care a scris muzică într-un stil complex contrapuntistic, cu textură variată și o utilizare elaborată a dispozitivelor canonice; Jacob Obrecht, unul dintre cei mai renumiți compozitori de mase din ultimele decenii ale secolului al XV-lea; și Josquin des Prez, probabil cel mai faimos compozitor din Europa înainte de Palestrina și care în secolul al XVI-lea a fost renumit ca unul dintre cei mai mari artiști sub orice formă. Muzica în generația de după Josquin a explorat complexitatea crescândă a contrapunctului; posibil cea mai extremă expresie se află în muzica lui Nicolas Gombert, ale cărei complexități contrapuntice au influențat muzica instrumentală timpurie, cum ar fi canzona și ricercar, culminând în cele din urmă cu forme fugale baroce.

Până la mijlocul secolului al XVI-lea , stilul internațional a început să se descompună și au devenit evidente câteva tendințe stilistice extrem de diverse: o tendință spre simplitate în muzica sacră, așa cum a fost dirijată de Consiliul de Contrareformă din Trent, exemplificat în muzica lui Giovanni Pierluigi da Palestrina; o tendință spre complexitate și cromatism în madrigal, care și-a atins expresia extremă în stilul avangardist al Școlii Ferrara din Luzzaschi și madrigalistul de la sfârșitul secolului Carlo Gesualdo; și muzica grandioasă și sonoră a școlii venețiene, care a folosit arhitectura bazilicii San Marco di Venezia pentru a crea contraste antifonice. Muzica școlii venețiene a inclus dezvoltarea orchestrației, a pieselor instrumentale ornamentate și a pieselor de bas continuu, toate acestea având loc într-un interval de câteva decenii în jurul anului 1600. Compozitori celebri din Veneția au inclus Gabrielis, Andrea și Giovanni, precum și Claudio Monteverdi, unul dintre cei mai semnificativi inovatori de la sfârșitul epocii.

Majoritatea părților din Europa aveau tradiții muzicale active și bine diferențiate până la sfârșitul secolului. În Anglia, compozitori precum Thomas Tallis și William Byrd au scris muzică sacră într-un stil similar cu cel scris pe continent, în timp ce un grup activ de madrigaliști de casă au adaptat forma italiană pentru gusturile englezești: compozitori celebri au inclus Thomas Morley, John Wilbye și Thomas Weelkes. Spania și-a dezvoltat propriile stiluri instrumentale și vocale, cu Tomás Luis de Victoria scriind o muzică rafinată similară cu cea a lui Palestrina și numeroși alți compozitori scriind pentru noua chitară. Germania a cultivat forme polifonice construite pe corale protestante, care au înlocuit Cântarea Gregoriană Romano-Catolică ca bază pentru muzica sacră și au importat stilul școlii venețiene (a cărui apariție a definit începutul erei baroce acolo). În plus, compozitorii germani au scris cantități enorme de muzică de orgă, stabilind baza pentru stilul de orgă baroc ulterior care a culminat cu opera lui J.S. Bach. Franța a dezvoltat un stil unic de dicție muzicală cunoscut sub numele de musique mesurée, folosit în chansons seculare, cu compozitori precum Guillaume Costeley și Claude Le Jeune proeminenți în mișcare.

Una dintre cele mai revoluționare mișcări din epocă a luat loc în Florența în anii 1570 și 1580, cu opera Cameratei florentine, care în mod ironic avea o intenție reacționară: nemulțumiți de ceea ce vedeau drept depravări muzicale contemporane, scopul lor era de a restabili muzica vechilor greci. Șefi printre aceștia erau Vincenzo Galilei, tatăl astronomului, și Giulio Caccini. Fructele muncii lor au fost un stil melodic declamator de cânt cunoscut sub numele de monodie și o formă dramatică corespunzătoare în scenă: o formă cunoscută astăzi sub numele de operă. Primele opere, scrise în jurul anului 1600, definesc și sfârșitul Renașterii și începutul erei baroce.

Muzica anterioară anului 1600 era mai degrabă modală decât tonală. Mai multe evoluții teoretice la sfârșitul secolului al XVI-lea, cum ar fi scrierile pe scări pe moduri de Gioseffo Zarlino și Franchinus Gaffurius, au condus direct la dezvoltarea tonalității practicii comune.Scalele majore și minore au început să predomine asupra vechilor moduri bisericești, o caracteristică care a fost la început cea mai evidentă în punctele cadențiale ale compozițiilor, dar treptat a devenit omniprezentă. Muzica de după 1600, începând cu muzica tonală din epoca barocă, este adesea menționată ca aparținând perioadei de practică obișnuită.

Muzică barocă Editare

J.S. Bach
Toccata and Fugue

Epoca barocă a avut loc între 1600 și 1750, ca artist baroc stilul a înflorit în toată Europa și, în acest timp, muzica sa extins în gama și complexitatea sa. Muzica barocă a început când au fost scrise primele opere (muzică vocală solo solo însoțită de orchestră). În epoca barocă, muzica polifonică contrapuntică, în care erau folosite mai multe linii melodice independente simultane, a rămas importantă (contrapunctul era important în muzica vocală a erei medievale). Compozitorii germani, italieni, francezi, olandezi, polonezi, spanioli, portughezi și englezi au scris pentru ansambluri mici, inclusiv corzi, alamă și vânturi de lemn, precum și pentru coruri și instrumente de tastatură, cum ar fi orga de țeavă, clavecin și clavicord. În această perioadă au fost definite mai multe forme muzicale majore care au durat în perioade ulterioare când au fost extinse și au evoluat în continuare, inclusiv fugă, invenția, sonata și concertul. Stilul barocului târziu a fost complex polifonic și bogat ornamentat. Compozitorii importanți din epoca barocă includ Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann și Antonio Vivaldi.

Era muzicii clasiceEdit

Muzica perioadei clasice este caracterizată de textura homofonică sau de o melodie evidentă cu acompaniament. Aceste noi melodii au avut tendința de a fi aproape vocale și cântabile, permițând compozitorilor să înlocuiască de fapt cântăreții ca punct central al muzicii. Prin urmare, muzica instrumentală a înlocuit rapid opera și alte forme cântate (cum ar fi oratoriul) ca preferate ale publicului muzical și simbolul unei mari compoziții. Cu toate acestea, opera nu a dispărut: în perioada clasică, mai mulți compozitori au început să producă opere pentru publicul larg în limbile lor materne (operele anterioare erau în general în italiană).

Împreună cu deplasarea treptată a vocii în în favoarea unor melodii mai puternice și mai clare, contrapunctul a devenit, de obicei, o înflorire decorativă, adesea utilizată aproape de sfârșitul unei lucrări sau pentru o singură mișcare. În locul ei, modele simple, cum ar fi arpegii și, în muzica pentru pian, basul Alberti (un acompaniament cu un model repetat de obicei în mâna stângă), au fost folosite pentru a înviora mișcarea piesei fără a crea o voce suplimentară confuză. Muzica instrumentală acum populară a fost dominată de mai multe forme bine definite: sonata, simfonia și concert, deși niciunul dintre acestea nu a fost definit sau predat în mod specific în acel moment Așa cum sunt acum în teoria muzicii. Toate cele trei derivă din forma sonată, care este atât forma suprapusă a unei opere întregi, cât și structura unei singure mișcări. Forma sonatei s-a maturizat în timpul erei clasice pentru a deveni forma primară a compozițiilor instrumentale de-a lungul secolului al XIX-lea. , Carl Stamitz și Christian Cannabich. A exercitat o influență profundă asupra lui Joseph Haydn și, prin el, asupra tuturor muzicii europene ulterioare. Wolfgang Amadeus Mozart a fost figura centrală a perioadei clasice, iar producția sa fenomenală și variată în toate genurile definește percepția noastră despre perioadă. Ludwig van Beethoven și Franz Schubert au fost compozitori de tranziție, care au condus în perioada romantică, cu extinderea genurilor existente, a formelor și chiar a funcțiilor muzicale.

Romantic musicEdit

În perioada romantică, muzica a devenit mai expresivă și emoțională, extinzându-se pentru a cuprinde literatura, arta și filozofia. Compozitorii celebri romantici de început includ Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti și Berlioz Sfârșitul secolului al XIX-lea a cunoscut o extindere dramatică în dimensiunea orchestrei și în rolul concertelor ca parte a societății urbane.Compozitori celebri din a doua jumătate a secolului includ Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Ceaikovski, Verdi și Wagner. Între 1890 și 1910, un al treilea val de compozitori, inclusiv Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini și Sibelius, s-a construit pe opera compozitorilor romantici de mijloc pentru a crea opere muzicale și mai complexe – și deseori mult mai lungi. Un semn marcant al muzicii de la sfârșitul secolului al XIX-lea este fervoarea sa naționalistă, exemplificată de figuri precum Dvořák, Sibelius și Grieg. Alte figuri proeminente de la sfârșitul secolului includ Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy și Rimsky-Korsakov.

Muzica secolelor XX și XXI Editare

De asemenea, muzica de tot felul a devenit tot mai portabilă. Secolul 20 a cunoscut o revoluție în ascultarea muzicii, pe măsură ce radioul a câștigat popularitate în întreaga lume și au fost dezvoltate noi media și tehnologii pentru a înregistra, captura, reproduce și distribui muzică. Spectacolele muzicale au devenit din ce în ce mai vizuale odată cu difuzarea și înregistrarea spectacolelor.

Muzica din secolul al XX-lea a adus o nouă libertate și o largă experimentare cu noi stiluri și forme muzicale care au provocat regulile acceptate ale muzicii din perioadele anterioare. Invenția amplificării muzicale și a instrumentelor electronice, în special a sintetizatorului, la mijlocul secolului al XX-lea a revoluționat muzica clasică și populară și a accelerat dezvoltarea de noi forme de muzică.

În ceea ce privește muzica clasică, două școli fundamentale a determinat cursul secolului: cel al lui Arnold Schoenberg și cel al lui Igor Stravinsky.