Perioada clasică (muzică)

Tranziție baroc / clasic c. 1730–1760Edit

În cartea sa The Classical Style, autorul și pianistul Charles Rosen susține că între 1755 și 1775, compozitorii au bâjbâit pentru un stil nou care era mai eficient dramatic. În perioada Înaltului Baroc, expresia dramatică s-a limitat la reprezentarea afectelor individuale („doctrina afecțiunilor” sau ceea ce Rosen numește „sentiment dramatic”). De exemplu, în oratoriul lui Händel Jephtha, compozitorul redă patru emoții separat, câte una pentru fiecare personaj, în cvartetul „O, ferește-ți fiica”. În cele din urmă, această descriere a emoțiilor individuale a ajuns să fie văzută ca simplistă și nerealistă; pentru a înfățișa mai multe emoții, simultan sau progresiv, în cadrul unui singur personaj sau mișcare („acțiune dramatică”). Astfel, în finalul actului 2 din Die Entführung aus dem Serail de la Mozart, îndrăgostiții trec „de la bucurie prin suspiciune și indignare la reconciliere finală. „

Din punct de vedere muzical, această„ acțiune dramatică ”necesită mai multă varietate muzicală. În timp ce muzica barocă se caracteriza printr-un flux continuu în cadrul mișcărilor individuale și texturi în mare parte uniforme, compozitorii de după Înaltul baroc au căutat să întrerupă acest flux cu schimbări bruște de textură, dinamică, armonie sau tempo. Printre evoluțiile stilistice care au urmat înaltului baroc, cele mai dramatice au ajuns să se numească Empfindsamkeit (aproximativ „stil sensibil”), iar cel mai cunoscut practicant al acestuia a fost Carl Philipp Emmanuel Bach. Compozitorii acestui stil au folosit întreruperile discutate mai sus în cel mai brusc mod, iar muzica poate suna uneori ilogic. Compozitorul italian Domenico Scarlatti a dus aceste evoluții mai departe. Cele peste cinci sute de sonate pentru tastatură cu o singură mișcare conțin, de asemenea, modificări bruște ale texturii, dar aceste schimbări sunt organizate în perioade, fraze echilibrate care au devenit un semn distinctiv al stilului clasic. Cu toate acestea, schimbările de text ale lui Scarlatti sună încă brusc și nepregătite. Realizarea remarcabilă a marilor compozitori clasici (Haydn, Mozart și Beethoven) a fost capacitatea lor de a face ca aceste surprize dramatice să pară motivate logic, astfel încât „expresivul și elegantul să poată uniți-vă mâinile. „

Între moartea lui JS Bach și maturitatea lui Haydn și Mozart (aproximativ 1750-1770), compozitorii au experimentat aceste noi idei, care pot fi văzute în muzica fiilor lui Bach . Johann Christian a dezvoltat un stil pe care îl numim acum Roccoco, cuprinzând texturi și armonii mai simple și care era „fermecător, nedramatic și puțin gol”. După cum sa menționat anterior, Carl Philipp Emmanuel a căutat să crească drama, iar muzica sa a fost „violentă, expresivă, strălucitoare, continuu surprinzătoare și adesea incoerentă”. Și în cele din urmă Wilhelm Friedemann, J.S. Fiul cel mare al lui Bach, a extins tradițiile baroce într-un mod idiomatic, neconvențional.

La început, noul stil a preluat formele baroce – aria ternară da capo, sinfonia și concertul – dar compuse cu părți mai simple , ornamentație mai notată, mai degrabă decât ornamentele improvizate care erau obișnuite în epoca barocă și împărțirea mai emfatică a pieselor în secțiuni. Cu toate acestea, de-a lungul timpului, noua estetică a provocat schimbări radicale în modul în care piesele erau asamblate și aspectele formale de bază Compozitorii din această perioadă au căutat efecte dramatice, melodii izbitoare și texturi mai clare. Una dintre marile schimbări texturale a fost o schimbare de la stilul polifonic complex și dens al barocului, în care mai multe linii melodice întrețesute erau jucate simultan și către homofonie, o textură mai ușoară care folosește o linie melodică clară, însoțită de acorduri.

Muzica barocă folosește, în general, multe fantezii armonice și secțiuni polifonice care se concentrează mai puțin pe structura a piesei muzicale și s-a pus mai puțin accentul pe fraze muzicale clare. În perioada clasică, armoniile au devenit mai simple. Cu toate acestea, structura piesei, frazele și micile motive melodice sau ritmice, au devenit mult mai importante decât în perioada barocă.

O altă pauză importantă cu trecutul a fost revizuirea radicală a operei de către Christoph Willibald Gluck, care a tăiat o mare parte din ornamentele de stratificare și improvizație și s-a concentrat pe punctele modulației și tranziției.Realizând aceste momente în care armonia se schimbă mai mult, a permis schimbări dramatice puternice în culoarea emoțională a muzicii. Pentru a evidenția aceste tranziții, el a folosit schimbări în instrumentație (orchestrație), melodie și mod. Printre cei mai de succes compozitori ai timpului său, Gluck a generat mulți emulatori, inclusiv Antonio Salieri. Accentul lor pe accesibilitate a adus succese uriașe în operă și în alte muzici vocale, cum ar fi melodii, oratorii și coruri. Acestea au fost considerate cele mai importante tipuri de muzică pentru interpretare și, prin urmare, s-au bucurat de cel mai mare succes al publicului.

Faza dintre baroc și ascensiunea clasicii (în jurul anului 1730), a găzduit diferite stiluri muzicale concurente. Diversitatea căilor artistice este reprezentată la fiii lui Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, care a continuat tradiția barocă într-un mod personal; Johann Christian Bach, care a simplificat texturile barocului și a influențat cel mai clar Mozart; și Carl Philipp Emanuel Bach, care a compus muzică pasionată și uneori violent excentrică a mișcării Empfindsamkeit. Cultura muzicală a fost surprinsă la o răscruce de drumuri: maeștrii stilului mai vechi aveau tehnica, dar publicul a poftit de nou. Acesta este unul dintre motivele pentru care CPE Bach a fost considerat atât de înalt: el a înțeles destul de bine formele mai vechi și a știut să le prezinte în haine noi, cu o varietate îmbunătățită de forme.

1750-1775Edit

Până la sfârșitul anilor 1750 existau centre înfloritoare ale noului stil în Italia, Viena, Mannheim și Paris; au fost compuse zeci de simfonii și au existat trupe de jucători asociați cu teatre muzicale. Opera sau altă muzică vocală însoțită de orchestră era caracteristica majorității evenimentelor muzicale, cu concerte și simfonii (care decurg din uvertură) servind drept interludii instrumentale și introduceri pentru opere și slujbe bisericești. Pe parcursul perioadei clasice, simfoniile și concertele s-au dezvoltat și au fost prezentate independent de muzica vocală.

Ansamblul de orchestre „normal” – un corp de corzi completat de vânturi – și mișcări cu un caracter ritmic special au fost stabilite la sfârșitul anilor 1750 la Viena. Cu toate acestea, lungimea și greutatea pieselor erau încă setate cu unele caracteristici baroce: mișcările individuale se concentrau încă pe un „afect” (dispoziție muzicală) sau aveau o singură secțiune mijlocie puternic contrastantă, iar lungimea lor nu era semnificativ mai mare decât mișcările baroce. Nu a existat încă o teorie clar enunțată a modului de a compune în noul stil. A fost un moment copt pentru o descoperire.

Primul mare maestru al stilului a fost compozitorul Joseph Haydn. La sfârșitul anilor 1750, a început să compună simfonii și, până în 1761, a compus un triptic (dimineața, amiaza și seara) în mod contemporan. Ca vice-Kapellmeister și mai târziu Kapellmeister, producția sa s-a extins: a compus peste patruzeci de simfonii doar în anii 1760. Și, în timp ce faima lui a crescut, pe măsură ce orchestra sa a fost extinsă și compozițiile sale au fost copiate și diseminate, vocea sa a fost doar una dintre multe.

În timp ce unii cercetători sugerează că Haydn a fost umbrit de Mozart și Beethoven, ar fi dificil de exagerat cu privire la centralitatea lui Haydn față de noul stil și, prin urmare, spre viitorul muzicii de artă occidentale în ansamblu. La acea vreme, înainte de preeminența lui Mozart sau Beethoven, și cu Johann Sebastian Bach cunoscut în primul rând de cunoscătorii tastaturii muzică, Haydn a ajuns la un loc în muzică care l-a pus mai presus de toți ceilalți compozitori, cu excepția poate a epocii barocului George Frideric Handel. Haydn a preluat ideile existente și a modificat radical modul în care acestea funcționau – câștigându-i titlurile „tatăl simfoniei” și „tatăl cvartetului de coarde”.

Una dintre forțele care a funcționat ca un impuls pentru presarea sa înainte a fost prima agitare a ceea ce s-ar numi mai târziu romantism – sturm und drang sau faza „furtună și stres” în arte, o perioadă scurtă în care emoționalismul evident și dramatic era o preferință stilistică. În consecință, Haydn își dorea un contrast mai dramatic și melodii mai atrăgătoare din punct de vedere emoțional, cu un caracter ascuțit și individualitate în piesele sale. Această perioadă a dispărut în muzică și literatură: cu toate acestea, a influențat ceea ce a venit ulterior și va fi în cele din urmă o componentă a gustului estetic în deceniile ulterioare.

Simfonia Farewell, nr. 45 în F♯ Minor, exemplifică Haydn Integrarea diferitelor cerințe ale noului stil, cu viraje surprinzătoare ascuțite și un adagiu lent și lent pentru a termina lucrarea.În 1772, Haydn și-a completat setul Opus 20 de șase cvartete de coarde, în care a implementat tehnicile polifonice pe care le adunase din epoca barocă anterioară pentru a oferi coerență structurală capabilă să-și mențină ideile melodice. Pentru unii, acest lucru marchează începutul stilului clasic „matur”, în care perioada de reacție împotriva complexității barocului târziu a cedat unei perioade de integrare a elementelor baroce și clasice.

1775-1790Edit

Haydn, după ce a lucrat timp de peste un deceniu ca director muzical pentru un prinț, avea mult mai multe resurse și posibilități de compunere decât majoritatea celorlalți compozitori. Poziția sa i-a dat, de asemenea, capacitatea de a modela forțele care îi vor cânta muzica, întrucât el ar putea selecta muzicieni pricepuți. Această oportunitate nu a fost irosită, deoarece Haydn, începând destul de devreme în carieră, a încercat să promoveze tehnica de construire și dezvoltare a ideilor în muzica sa. Următoarea sa descoperire importantă a fost în cvartetele de coarde Opus 33 (1781), în care rolurile melodice și armonice continuă printre instrumente: este adesea momentan neclar ce este melodia și ce este armonia. Acest lucru schimbă modul în care ansamblul își desfășoară activitatea între momentele dramatice de tranziție și secțiunile climatice: muzica curge lin și fără întreruperi evidente. Apoi a luat acest stil integrat și a început să-l aplice muzicii orchestrale și vocale.

Darul lui Haydn pentru muzică a fost un mod de a compune, un mod de structurare a lucrărilor, care era în același timp în concordanță cu estetica guvernantă a noului stil . Cu toate acestea, un contemporan mai tânăr, Wolfgang Amadeus Mozart, și-a adus geniul la ideile lui Haydn și le-a aplicat la două dintre cele mai importante genuri ale zilei: opera și concertul virtuos. , Mozart își dorea succesul publicului în viața concertistică a orașelor, jucând pentru publicul larg. Aceasta însemna că avea nevoie să scrie opere și să scrie și să interpreteze piese virtuoase. Haydn nu era un virtuos la nivel de turneu internațional și nici nu căuta să creeze operă lucrări care ar putea juca multe nopți în fața unui public numeros. Mozart a dorit să le realizeze pe amândouă. Mai mult, Mozart avea, de asemenea, un gust pentru acorduri mai cromatice (și contraste mai mari în limbajul armonic în general), o dragoste mai mare pentru crearea unei melodii de melodii într-o singură lucrare și o sensibilitate mai italiană în muzica în ansamblu. El a găsit, în muzica lui Haydn și mai târziu în studiul său despre polifonia lui JS Bach, mijloacele de disciplinare și îmbogățire a darurilor sale artistice.

Mozart a intrat rapid în atenția lui Haydn, care a salutat noul compozitor, i-a studiat lucrările și a considerat bărbatul mai tânăr singurul său coleg adevărat în muzică. În Mozart, Haydn a găsit o gamă mai mare de instrumente, efecte dramatice și resurse melodice. Relația de învățare sa mutat în ambele direcții. Mozart a avut, de asemenea, un mare respect pentru compozitorul mai în vârstă și mai experimentat și a căutat să învețe de la el.

Sosirea lui Mozart la Viena în 1780 a adus o accelerare în dezvoltarea stilului clasic. Acolo, Mozart a absorbit fuziunea strălucirii italianizate și a coeziunii germanice care se pregătea în ultimii 20 de ani. Propriul său gust pentru străluciri strălucitoare, melodii și figuri complexe ritmic, melodii lungi de cantilenă și înfloriri virtuoase a fost îmbinat cu o apreciere a coerenței formale și a conexiunii interne. În acest moment, războiul și inflația economică au oprit tendința către orchestre mai mari și au forțat dizolvarea sau reducerea multor orchestre de teatru. Acest lucru a presat stilul clasic spre interior: spre căutarea unui ansamblu mai mare și a unor provocări tehnice – de exemplu, împrăștierea melodiei peste vânturi de lemn sau utilizarea unei melodii armonizate în treimi. Acest proces a acordat un premiu muzicii de ansamblu mic, numită muzică de cameră. De asemenea, a condus la o tendință de mai multă performanță publică, dând un nou impuls cvartetului de coarde și altor grupuri de ansamblu mic.

În acest deceniu gustul publicului a început, din ce în ce mai mult, să recunoască faptul că Haydn și Mozart ajunsese la un standard ridicat de compoziție. În momentul în care Mozart a ajuns la 25 de ani, în 1781, stilurile dominante ale Vienei erau legate de apariția stilului clasic timpuriu din anii 1750.Până la sfârșitul anilor 1780, schimbările în practica performanței, poziția relativă a muzicii instrumentale și vocale, cerințele tehnice ale muzicienilor și unitatea stilistică au devenit stabilite în compozitorii care au imitat Mozart și Haydn. În decursul acestui deceniu, Mozart a compus cele mai faimoase opere ale sale, cele șase simfonii târzii care au ajutat la redefinirea genului și un șir de concerte pentru pian care se află încă la vârful acestor forme.

Un compozitor care a avut influență în răspândind stilul mai serios pe care l-au format Mozart și Haydn este Muzio Clementi, un pianist virtuos supradotat care s-a legat cu Mozart într-un „duel” muzical în fața împăratului în care au improvizat fiecare la pian și și-au interpretat compozițiile. Sonatele pentru pian ale lui Clementi au circulat pe scară largă și a devenit cel mai de succes compozitor din Londra în anii 1780. De asemenea, la Londra, în acest moment se afla Jan Ladislav Dussek, care, la fel ca Clementi, îi încuraja pe producătorii de pian să extindă gama și alte caracteristici ale Importanța Londrei în perioada clasică este adesea trecută cu vederea, dar a servit ca reședință a fabricii Broadwood pentru fabricarea pianelor și ca bază pentru compozitorii care, deși mai puțin notabil decât „Școala din Viena”, a avut o influență decisivă asupra a ceea ce a venit mai târziu. Au fost compozitori ai multor opere fine, notabile în sine. Gustul londonez pentru virtuozitate ar fi putut încuraja munca de pasaj complexă și a extins afirmații despre tonic și dominant.

În jurul anilor 1790-1820

Când Haydn și Mozart au început să compună, s-au jucat simfonii ca mișcări unice – înainte, între sau ca interludii în cadrul altor lucrări – și multe dintre ele au durat doar zece sau doisprezece minute; grupurile instrumentale aveau standarde de joc variate, iar continuo a fost o parte centrală a muzicii.

În anii care au urmat, lumea socială a muzicii a cunoscut schimbări dramatice. Publicația internațională și turneele au crescut exploziv și s-au format societăți de concert. Notarea a devenit mai specifică, mai descriptivă – iar schemele pentru opere au fost simplificate (totuși au devenit mai multe În 1790, chiar înainte de moartea lui Mozart, reputația sa răspândindu-se rapid, Haydn era pregătit pentru o serie de succese, în special oratoriile sale târzii și simfoniile londoneze. Compozitorii din Paris, Roma și din toată Germania s-au adresat lui Haydn și Mozart pentru ideile lor despre formă.

În anii 1790, a apărut o nouă generație de compozitori, născuți în jurul anului 1770. În timp ce crescuseră cu stilurile anterioare, au auzit în lucrările recente ale lui Haydn și Mozart un vehicul pentru o mai bună exprimare. În 1788 Luigi Cherubini s-a stabilit la Paris și în 1791 a compus Lodoiska, o operă care l-a ridicat la faimă. Stilul său reflectă în mod clar maturitatea Haydn și Mozart, iar instrumentația sa i-a conferit o greutate care nu fusese încă simțită în marea operă. Contemporanul său Étienne Méhul a extins efectele instrumentale cu opera sa din 1790 Euphrosine et Coradin, din care a urmat o serie de succese. Pusul final spre schimbare a venit de la Gaspare Spontini, care a fost profund admirat de viitorii compozitori romantici precum Weber, Berlioz și Wagner. Limbajul armonic inovator al operelor sale, instrumentația lor rafinată și numerele închise „încorporate” (un model structural care a fost adoptat ulterior de Weber în Euryanthe și de la el predat, prin Marschner, lui Wagner), au format baza din care franceza și Opera romantică germană a avut începuturile sale.

Cel mai fatal din noua generație a fost Ludwig van Beethoven, care și-a lansat operele numerotate în 1794 cu un set de trei triouri pentru pian, care rămân în repertoriu. Oarecum mai tânăr decât ceilalți, deși la fel de realizat datorită studiului său tineresc sub Mozart și virtuozității sale native, era Johann Nepomuk Hummel. Hummel a studiat și sub Haydn; era prieten cu Beethoven și cu Franz Schubert. S-a concentrat mai mult pe pian decât orice alt instrument, iar timpul petrecut la Londra în 1791 și 1792 a generat compoziția și publicarea în 1793 a trei sonate pentru pian, opus 2, care foloseau în mod idiomatic tehnicile lui Mozart de evitare a cadenței așteptate și Clementi Figuratia virtuoasa este uneori incerta. Luate împreună, acești compozitori pot fi văzuți ca avangarda unei schimbări ample de stil și a centrului muzicii. Ei și-au studiat operele, s-au copiat gesturile reciproce în muzică și, uneori, s-au comportat ca niște rivali certăreți.

Diferențele cruciale cu unda anterioară pot fi văzute în schimbarea descendentă a melodiilor, durata crescută a mișcărilor, acceptarea lui Mozart și Haydn ca paradigmatice, utilizarea mai mare a resurselor tastaturii, trecerea de la „vocal „scrierea către scrierea„ pianistă ”, atracția crescândă a minorului și a ambiguității modale și importanța crescândă a variației figurilor însoțitoare pentru a aduce„ textura ”înainte ca element în muzică. Pe scurt, târziu Classical căuta o muzică care să fie mai complexă din punct de vedere intern. Creșterea societăților de concert și a orchestrelor de amatori, marcând importanța muzicii ca parte a vieții clasei de mijloc, a contribuit la o piață în plină expansiune pentru piane, muzică pentru pian și virtuoși pentru a servi drept exemple. Hummel, Beethoven și Clementi erau renumiți pentru improvizația lor.

Influența directă a barocului a continuat să se estompeze: basul imaginat a devenit mai puțin proeminent ca mijloc de a ține performanța împreună, practicile de interpretare de la mijloc -Secolul al XVIII-lea a continuat să dispară. Cu toate acestea, în același timp, au început să devină disponibile ediții complete ale maeștrilor baroc și influența stilului baroc a continuat să crească, în special în utilizarea tot mai extinsă a aramei. O altă caracteristică a perioadei este numărul tot mai mare de spectacole în care compozitorul nu a fost prezent. Acest lucru a dus la detalii sporite și specificitate în notație; de exemplu, au existat mai puține părți „opționale” care se aflau separat de scorul principal.

Forța acestor schimbări a devenit evidentă cu Simfonia a 3-a a lui Beethoven, dată numele Eroica, care este italiană pentru „eroic „, de către compozitor. La fel ca în Ritul de primăvară al lui Stravinsky, este posibil să nu fi fost primul în toate inovațiile sale, dar utilizarea agresivă a fiecărei părți a stilului clasic îl deosebește de operele sale contemporane: în lungime , ambiție și resurse armonice.