L’histoire de la musique classique occidentale peut être divisée en six périodes principales. La période de la Renaissance est la deuxième de celles-ci, liant l’ère médiévale, qui précède, et la période baroque qui allait suivre.
Ce guide présentera quelques-unes de l’histoire de l’époque, des caractéristiques musicales et des compositeurs importants, pour vous donner une compréhension plus approfondie de la période de la Renaissance. Nous fournirons également des liens YouTube vers des morceaux pertinents afin que vous puissiez mieux connaître le son de la musique.
L’ère de la musique de la Renaissance
Renaissance signifie littéralement « renaissance ».
La période de la Renaissance musicale a duré de 1400 à 1600 après JC et a été une période de croissance et de développement énormes, la musique devenant plus expressive, variée et complexe.
Les compositeurs avaient plus de liberté pour écrivent comme ils le voulaient et les développements technologiques signifiaient que leur musique pouvait atteindre plus de gens.
Changement social
La musique religieuse était encore omniprésente à la Renaissance, mais le déclin de l’influence de l’église signifiait que les compositeurs ont gagné plus de liberté artistique et ont été autorisés à écrire de la musique créative pour elle-même.
Il y avait eu un regain d’intérêt récent pour les cultures anciennes, et les compositeurs ont commencé à s’inspirer de l’art et de la mythologie de la Grèce antique et Rome, ainsi que de l’astronomie et des mathématiques.
Quand les méthodes primitives de notati ng musiques ont été développées à l’époque médiévale, les compositeurs ont alors pu documenter et partager leurs morceaux plus facilement, mais ils devaient encore être écrits à la main, qui prenaient beaucoup de temps.
Cependant, l’invention de l’imprimerie en 1439 a permis une diffusion beaucoup plus large, conduisant à un riche échange d’idées à travers l’Europe.
De plus, la croissance d’une classe bourgeoise (une classe moyenne supérieure cultivée) signifiait qu’il y avait maintenant un public prêt à l’emploi pour la musique écrite, alors que l’éducation musicale prospérait et que de plus en plus de gens apprenaient à lire la musique.
Beaucoup plus de musique de cette période survit par rapport à l’époque médiévale.
Musique religieuse et séculière
La musique chorale religieuse dominait au début de la Renaissance, avec une grande partie il s’appuie sur la polyphonie (musique qui a deux ou plusieurs parties mélodiques indépendantes simultanées) qui s’est développée à la fin de la période médiévale.
Les motets et les messes en étaient deux exemples courants, ces derniers faisant partie de la liturgie de l’Église.
Les styles sacré et laïc ont commencé à s’influencer mutuellement: le madrigal (traditionnellement une chanson non religieuse non accompagnée pour un certain nombre de voix) a été adopté comme forme d’église, tandis que les compositeurs laïques ont commencé à écrire des motets.
Au début de la Renaissance, les opportunités pour les compositeurs laïques étaient limitées, la plupart des emplois venant des tribunaux (ménages et résidences des souverains), qui engageaient des musiciens comme interprètes, enseignants et compositeurs.
Mais la musique profane a gagné en popularité avec le temps, et les compositeurs pouvaient désormais prendre des commandes d’amateurs fortunés, tandis que la nouvelle musique imprimée offrait également des opportunités financières.
La Réforme protestante signifiait également que maintenant les églises catholiques et protestantes avaient besoin de musique pour leurs services respectifs.
La musique profane était largement vocale, mais la période a vu le développement de la musique instrumentale dans son propre droit.
Ce n’était plus de la musique de danse ou d’accompagnement, par exemple, mais des morceaux à écouter sérieusement.
Cela correspondait à un glissement général de la période de la Renaissance vers l’idée de créer de l’art pour l’art.
Fantasia de William Byrd (une imitation instrumentale d’un motet) en est un exemple:
Formes de chansons profanes incluses:
- Lied (allemand)
- Frottola (italien)
- Chanson (français)
- Madrigal (italien)
- Villancico ( Espagnol)
Opéra, une combinaison de théâtre et de musique vocale qui deviendra incroyablement populaire au cours des siècles suivants, développé en Italie à la fin de la Renaissance.
Le Dafne de Jacopo Peri est considéré par beaucoup comme le tout premier opéra.
Composé vers 1597/1598, c’était une tentative de faire revivre le style du drame grec classique.
Harmonie et Style
Le système harmonique modal de la période médiévale – musique basée sur des échelles ou des modes – est resté en place au début de la Renaissance.
Les règles du contrepoint (la relation entre les lignes musicales interdépendantes simultanées) sont devenues plus compliquées et strictes concernant les intervalles considérés comme consonnants et ceux qui sont dissonants.
Des intervalles d’une troisième et d’une sixième ont commencé à être utilisés, ce qui a conduit à la première utilisation de triades – des accords à trois notes qui sous-tendent une grande partie de la musique occidentale aujourd’hui.
À part le des règles strictes entourant le contrepoint, les compositeurs avaient beaucoup plus de liberté d’expression.
Beaucoup ont maintenant essayé d’inclure l’émotion dans leur musique, et cela a été aidé par une gamme vocale beaucoup plus grande par rapport à la période médiévale, et une plus grande variété d’éléments comme le rythme et la forme.
Des accidentels ont commencé à être ajoutés aux modes d’église, et l’approche modale a progressivement commencé à être remplacée par la tonalité fonctionnelle (le système harmonique basé sur le centre clé qui régirait la musique pour les cent prochaines années), avec un se concentrer sur les progressions d’accords, la tonalité mineure et majeure et le mouvement de la racine basé sur le cercle des quintes.
Cela a ouvert la voie à l’harmonie de pratique commune qui serait pleinement établie à l’époque baroque.
Des textures plus riches ont commencé à émerger, les compositeurs utilisant quatre parties indépendantes ou plus. De plus en plus, ils essaieraient de faire en sorte que ces pièces se mélangent, l’imitation étant un dispositif clé utilisé pour y parvenir.
Le travail de la fin de la Renaissance de compositeurs comme Gregorio Allegri et Giovanni Pierluigi da Palestrina, écrit pour de grands groupes choraux, est grandiose et complexe.
Notation et théorie
Les partitions musicales n’étaient pas encore d’usage courant, donc les pièces de la Renaissance n’étaient notées que dans des parties individuelles.
Les barres de mesure n’étaient pas encore monnaie courante, et les valeurs des notes étaient généralement beaucoup plus longues que ce que nous voyons aujourd’hui.
Les semibreves et les breves étaient les principales unités rythmiques, plutôt que les crotchets et les minims, donc un morceau de musique écrit pendant cette période serait très différent d’un morceau moderne.
Renaissance Compositers
Les compositeurs du nord de la France et des Pays-Bas, où les tribunaux étaient particulièrement favorables aux arts, ont dominé le début de la Renaissance.
Plus tard, l’Italie a pris de l’importance, produisant de nombreux compositeurs notables.
Des artistes d’ailleurs ont également déménagé dans le pays, et c’est en Italie que la plupart des premières innovations de la période baroque vont commencer.
Les compositeurs importants de la Renaissance comprennent:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – un Français qui a écrit des œuvres profanes et sacrées
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) – un compositeur italien d’œuvres religieuses, et un célèbre représentant de l’école romaine
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – l’un des plus grands compositeurs d’Angleterre, surtout connu pour ses œuvres chorales
- Guillaume Du Fay (1397-1474) – Franco -Compositeur flamand et théoricien de la musique
- Orlande de Lassus (1530-1594) – Compositeur franco-flamand de musique polyphonique
Voici une pièce vocale de des Prez:
Instruments de la Renaissance
De nombreux instruments utilisés à l’époque de la Renaissance étaient préc sors des instruments modernes, certains d’entre eux se développant dans de nouvelles formes à cette époque.
Les cuivres comprenaient la trompette, qui à ce stade n’avait pas de soupapes et était largement utilisée dans l’armée, et le sackbut, une première version du trombone qui a remplacé la trompette à coulisse.
La viole, ou viole de gambe, était un instrument à six cordes qui était joué avec un archet alors qu’il reposait sur le sol, comme un violoncelle moderne.
La lyre était un autre membre de la famille des cordes: semblable à une harpe miniature des temps modernes, elle était grattée avec un médiator plutôt que pincée avec les doigts.
Le shawm (un tuyau en bois à anche double), la flûte traversière et la flûte à bec étaient couramment joués des bois, tandis que les instruments à clavier populaires comprenaient le clavecin, le clavicorde et le virginal.
Développements technologiques dans la fabrication d’instruments a donné aux ensembles l’accès à des gammes plus larges et à une plus grande variété de texture, tandis que les ensembles ont également augmenté en taille.
Les pièces sont devenues plus difficiles et ont maintenant été écrites pour des instruments spécifiques pour la première fois.
Conclusion
Donc, cela conclut notre regard sur la période de la Renaissance.
Nous avons appris comment la musique a évolué depuis la période médiévale, se développant en complexité et en variété, avant que les nouvelles technologies et une nouvelle approche de l’harmonie ouvrent la voie à la période baroque.
Nous espérons qu’il vous sera utile et instructif, et qu’il pourra vous inciter à écouter des sons plus merveilleux de Palestrina, Byrd et des Prez.