Histoire de la musique

Musique médiévaleModifier

Pendant la vie musicale était sans aucun doute riche au début de l’ère médiévale, comme l’attestent les représentations artistiques d’instruments, d’écrits sur la musique et d’autres disques, le seul répertoire de musique qui a survécu d’avant 800 à nos jours est la musique liturgique de l’Église catholique romaine. , dont la plus grande partie est appelée chant grégorien. Le pape Grégoire I, qui a donné son nom au répertoire musical et a peut-être lui-même été compositeur, est généralement considéré comme l’auteur de la partie musicale de la liturgie dans sa forme actuelle, bien que les sources donnant des détails sur sa contribution datent de plus plus de cent ans après sa mort. De nombreux chercheurs pensent que sa réputation a été exagérée par la légende. La plupart du répertoire de chant a été composé de manière anonyme dans les siècles entre l’époque de Grégoire et Charlemagne.

Au cours du 9ème siècle, plusieurs développements importants ont eu lieu. Premièrement, il y a eu un effort majeur de la part de l’Église pour unifier les nombreuses traditions du chant et en supprimer plusieurs au profit de la liturgie grégorienne. Deuxièmement, la première musique polyphonique a été chantée, une forme de chant parallèle connu sous le nom d’organum. Troisièmement, et de la plus grande importance pour l’histoire de la musique, la notation a été réinventée après un laps de temps d’environ cinq cents ans, mais il faudra encore plusieurs siècles avant qu’un système de notation de hauteur et de rythme évolue avec la précision et la flexibilité que les musiciens modernes tiennent pour acquises.

Plusieurs écoles de polyphonie fleurissent dans la période postérieure à 1100: l’école d’orgue Saint-Martial, dont la musique se caractérise souvent par une partie en mouvement rapide sur une seule ligne soutenue; l’école de polyphonie Notre-Dame, qui comprenait les compositeurs Léonin et Pérotin, et qui produisit la première musique pour plus de deux parties vers 1200; le melting-pot musical de Saint-Jacques-de-Compostelle en Galice, lieu de pèlerinage et lieu de rencontre de musiciens de nombreuses traditions à la fin du Moyen Âge, dont la musique survit dans le Codex Calixtinus; et l’école anglaise, dont la musique survit dans les fragments de Worcester et le manuscrit Old Hall. A côté de ces écoles de musique sacrée s’est développée une vibrante tradition de chant profane, comme en témoigne la musique des troubadours, trouvères et Minnesänger. Une grande partie de la musique profane tardive du début de la Renaissance a évolué à partir des formes, des idées et de l’esthétique musicale des troubadours, des poètes courtisans et des musiciens itinérants, dont la culture a été en grande partie exterminée pendant la croisade des Albigeois au début du 13ème siècle.

Les formes de musique sacrée qui se sont développées à la fin du XIIIe siècle comprenaient le motet, le chef d’orchestre, le discant et les clausulae. Un développement inhabituel a été le Geisslerlieder, la musique des bandes errantes de flagellants pendant deux périodes: le milieu du 13ème siècle (jusqu’à ce qu’ils soient supprimés par l’Église); et la période pendant et immédiatement après la peste noire, vers 1350, où leurs activités ont été enregistrées et bien documentées avec une musique notée. Leur musique mêlait des styles de chansons folkloriques à des textes pénitentiels ou apocalyptiques. Le 14e siècle de l’histoire de la musique européenne est dominé par le style de l’ars nova, qui, par convention, est regroupé avec l’époque médiévale dans la musique, même s’il avait beaucoup en commun avec les idéaux et l’esthétique du début de la Renaissance. Une grande partie de la musique survivante de l’époque est profane, et tend à utiliser les formes fixes: la ballade, le virelai, le lai, le rondeau, qui correspondent à des formes poétiques du même nom. La plupart des pièces sous ces formes sont pour une à trois voix, probablement avec un accompagnement instrumental: les compositeurs célèbres incluent Guillaume de Machaut et Francesco Landini.

Musique de la RenaissanceModifier

Le début de la La Renaissance en musique n’est pas aussi clairement marquée que le début de la Renaissance dans les autres arts, et contrairement aux autres arts, elle n’a pas commencé en Italie, mais en Europe du Nord, plus précisément dans la zone comprenant actuellement le centre et le nord de la France, la Pays-Bas et Belgique. Le style des compositeurs bourguignons, comme la première génération de l’école franco-flamande est connue, était d’abord une réaction contre la complexité excessive et le style maniéré de la fin du XIVe siècle ars subtilior, et contenait une mélodie claire et chantable et une polyphonie équilibrée dans toutes les voix. Les compositeurs les plus connus de l’école bourguignonne du milieu du XVe siècle sont Guillaume Dufay, Gilles Binchois et Antoine Busnois.

Au milieu du XVe siècle, les compositeurs et chanteurs des Pays-Bas et des régions adjacentes ont commencé à se répandre à travers l’Europe, en particulier en Italie, où ils étaient employés par la chapelle papale et les mécènes aristocratiques des arts (comme les familles Médicis, Este et Sforza). Ils emportaient leur style avec eux: une polyphonie douce qui pouvait être adaptée pour un usage sacré ou profane selon le cas. Les principales formes de composition musicale sacrée à l’époque étaient la messe, le motet et l’éloge; les formes profanes incluaient la chanson, la frottola, et plus tard le madrigal.

L’invention de l’imprimerie a eu une immense influence sur la diffusion des styles musicaux, et avec le mouvement des musiciens franco-flamands, a contribué à la mise en place du premier style véritablement international de la musique européenne depuis l’unification du chant grégorien sous Charlemagne. Les compositeurs de la génération intermédiaire de l’école franco-flamande comprenaient Johannes Ockeghem, qui écrivit de la musique dans un style contrapuntiquement complexe, avec une texture variée et une utilisation élaborée de dispositifs canoniques; Jacob Obrecht, l’un des compositeurs de messes les plus célèbres des dernières décennies du XVe siècle; et Josquin des Prez, probablement le compositeur le plus célèbre d’Europe avant Palestrina, et qui au XVIe siècle était reconnu comme l’un des plus grands artistes sous toutes ses formes. La musique de la génération qui a suivi Josquin a exploré la complexité croissante du contrepoint; L’expression peut-être la plus extrême se trouve dans la musique de Nicolas Gombert, dont les complexités contrapuntiques ont influencé la musique instrumentale ancienne, comme le canzona et le ricercar, aboutissant finalement à des formes fugues baroques.

Au milieu du XVIe siècle , le style international a commencé à s’effondrer, et plusieurs tendances stylistiques très diverses sont devenues évidentes: une tendance à la simplicité dans la musique sacrée, comme dirigé par le Conseil de contre-réforme de Trente, illustrée dans la musique de Giovanni Pierluigi da Palestrina; une tendance à la complexité et au chromatisme dans le madrigal, qui a atteint son expression extrême dans le style avant-gardiste de l’école de Ferrare de Luzzaschi et du madrigaliste de la fin du siècle Carlo Gesualdo; et la musique grandiose et sonore de l’école vénitienne, qui a utilisé l’architecture de la basilique San Marco di Venezia pour créer des contrastes antiphonaux. La musique de l’école vénitienne comprenait le développement de l’orchestration, des parties instrumentales ornées et des parties de basse continue, qui se sont tous déroulés en plusieurs décennies autour de 1600. Les compositeurs célèbres de Venise comprenaient les Gabrielis, Andrea et Giovanni, ainsi que Claudio Monteverdi, l’un des innovateurs les plus importants de la fin de l’époque.

La plupart des régions d’Europe avaient des traditions musicales actives et bien différenciées à la fin du siècle. En Angleterre, des compositeurs tels que Thomas Tallis et William Byrd ont écrit de la musique sacrée dans un style similaire à celui écrit sur le continent, tandis qu’un groupe actif de madrigalistes locaux a adapté la forme italienne aux goûts anglais: les compositeurs célèbres comprenaient Thomas Morley, John Wilbye et Thomas Weelkes. L’Espagne a développé ses propres styles instrumentaux et vocaux, Tomás Luis de Victoria écrivant une musique raffinée similaire à celle de Palestrina et de nombreux autres compositeurs écrivant pour la nouvelle guitare. L’Allemagne a cultivé des formes polyphoniques construites sur les chorales protestants, qui ont remplacé le chant grégorien catholique comme base de la musique sacrée, et ont importé le style de l’école vénitienne (dont l’apparition a défini le début de l’ère baroque). En outre, les compositeurs allemands ont écrit d’énormes quantités de musique d’orgue, établissant la base du style d’orgue baroque plus tardif qui a abouti au travail de J.S. Bach. La France a développé un style unique de diction musicale connu sous le nom de musique effacée, utilisé dans les chansons profanes, avec des compositeurs tels que Guillaume Costeley et Claude Le Jeune proéminents dans le mouvement.

L’un des mouvements les plus révolutionnaires de l’époque a pris place à Florence dans les années 1570 et 1580, avec le travail de la Camerata florentine, qui ironiquement avait une intention réactionnaire: insatisfaits de ce qu’ils considéraient comme des dépravations musicales contemporaines, leur but était de restaurer la musique des anciens Grecs. Les principaux d’entre eux étaient Vincenzo Galilei, le père de l’astronome, et Giulio Caccini. Le fruit de leur travail était un style de chant mélodique déclamatoire connu sous le nom de monodie, et une forme dramatique mise en scène correspondante: une forme connue aujourd’hui sous le nom d’opéra. Les premiers opéras, écrits vers 1600, définissent également la fin de la Renaissance et le début des époques baroques.

La musique d’avant 1600 était modale plutôt que tonale. Plusieurs développements théoriques à la fin du XVIe siècle, tels que les écrits sur les échelles sur les modes de Gioseffo Zarlino et Franchinus Gaffurius, ont conduit directement au développement de la tonalité de pratique courante.Les gammes majeures et mineures ont commencé à prédominer sur les anciens modes de l’église, une caractéristique qui était d’abord la plus évidente aux points cadentiels des compositions, mais est devenue progressivement omniprésente. La musique après 1600, commençant par la musique tonale de l’ère baroque, est souvent désignée comme appartenant à la période de pratique courante.

Musique baroqueModifier

J.S. Bach
Toccata et Fugue

L’ère baroque a eu lieu de 1600 à 1750, comme le baroque artistique le style a fleuri à travers l’Europe et, pendant ce temps, la musique s’est élargie dans sa gamme et sa complexité. La musique baroque a commencé lorsque les premiers opéras (musique vocale solo dramatique accompagnée d’un orchestre) ont été écrits. À l’époque baroque, la musique contrapuntique polyphonique, dans laquelle plusieurs lignes mélodiques indépendantes simultanées étaient utilisées, restait importante (le contrepoint était important dans la musique vocale de l’époque médiévale). Des compositeurs baroques allemands, italiens, français, néerlandais, polonais, espagnols, portugais et anglais ont écrit pour de petits ensembles comprenant des cordes, des cuivres et des bois, ainsi que pour des choeurs et des instruments à clavier tels que l’orgue à tuyaux, le clavecin et le clavicorde. Au cours de cette période, plusieurs formes musicales majeures ont été définies qui ont duré plus tard, lorsqu’elles ont été développées et évoluées, y compris la fugue, l’invention, la sonate et le concerto. Le style baroque tardif était polyphoniquement complexe et richement orné. Parmi les compositeurs importants de l’époque baroque, on trouve Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann et Antonio Vivaldi.

L’ère de la musique classiqueEdit

La musique de la période classique est caractérisée par une texture homophonique, ou une mélodie évidente avec accompagnement. Ces nouvelles mélodies avaient tendance à ressembler à une voix et à être chantées, ce qui permettait aux compositeurs de remplacer les chanteurs comme le centre de la musique. La musique instrumentale a donc rapidement remplacé l’opéra et d’autres formes chantées (comme l’oratorio) comme le favori du public musical et la quintessence d’une grande composition. Cependant, l’opéra n’a pas disparu: à l’époque classique, plusieurs compositeurs ont commencé à produire des opéras grand public dans leur langue maternelle (les opéras précédents étaient généralement en italien).

Parallèlement au déplacement progressif de la voix dans faveur de mélodies plus fortes et plus claires, le contrepoint devenait aussi généralement une touche décorative, souvent utilisée vers la fin d’une œuvre ou pour un seul mouvement. À la place, des motifs simples, tels que des arpèges et, dans la musique de piano, Alberti bass (un accompagnement avec un motif répété généralement dans la main gauche), ont été utilisées pour animer le mouvement de la pièce sans créer une voix supplémentaire déroutante. La musique instrumentale désormais populaire était dominée par plusieurs formes bien définies: la sonate, la symphonie et la concerto, même si aucun de ceux-ci n’a été spécifiquement défini ou enseigné à la tim e comme ils le sont maintenant dans la théorie musicale. Tous trois dérivent de la forme sonate, qui est à la fois la forme sous-jacente d’une œuvre entière et la structure d’un mouvement unique. La forme de sonate a mûri pendant l’ère classique pour devenir la forme principale des compositions instrumentales tout au long du 19ème siècle.

La période classique précoce a été inaugurée par l’école de Mannheim, qui comprenait des compositeurs tels que Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz et Christian Cannabich. Il a exercé une profonde influence sur Joseph Haydn et, à travers lui, sur toutes les musiques européennes ultérieures. Wolfgang Amadeus Mozart était la figure centrale de la période classique, et sa production phénoménale et variée dans tous les genres définit notre perception de la période. Ludwig van Beethoven et Franz Schubert étaient des compositeurs de transition, menant à la période romantique, avec leur expansion des genres existants, des formes et même des fonctions de la musique.

Musique romantiqueEdit

À l’époque romantique, la musique est devenue plus expressive et émotionnelle, s’étendant à la littérature, à l’art et à la philosophie. Les premiers compositeurs romantiques célèbres sont Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti et Berlioz La fin du XIXe siècle a vu une expansion spectaculaire de la taille de l’orchestre et du rôle des concerts dans la société urbaine.Les compositeurs célèbres de la seconde moitié du siècle incluent Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi et Wagner. Entre 1890 et 1910, une troisième vague de compositeurs comprenant Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini et Sibelius se sont appuyés sur le travail de compositeurs du romantisme moyen pour créer des œuvres musicales encore plus complexes – et souvent beaucoup plus longues. Une marque marquante de la musique de la fin du XIXe siècle est sa ferveur nationaliste, comme en témoignent des personnalités telles que Dvořák, Sibelius et Grieg. Parmi les autres personnalités de la fin du siècle figurent Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninov, Franck, Debussy et Rimsky-Korsakov.

Musique des 20e et 21e sièclesModifier

La musique de toutes sortes est également devenue de plus en plus portable. Le 20e siècle a vu une révolution dans l’écoute de la musique alors que la radio gagnait en popularité dans le monde entier et que de nouveaux médias et technologies étaient développés pour enregistrer, capturer, reproduire et distribuer la musique. Les performances musicales sont devenues de plus en plus visuelles avec la diffusion et l’enregistrement de performances.

La musique du XXe siècle a apporté une nouvelle liberté et une large expérimentation avec de nouveaux styles et formes musicaux qui ont remis en question les règles acceptées de la musique des périodes antérieures. L’invention de l’amplification musicale et des instruments électroniques, en particulier du synthétiseur, au milieu du XXe siècle a révolutionné la musique classique et populaire, et a accéléré le développement de nouvelles formes de musique.

Quant à la musique classique, deux écoles fondamentales a déterminé le cours du siècle: celui d’Arnold Schoenberg et celui d’Igor Stravinsky.