XXX Live Nude Girls (2003)
Jennifer Walshe a demandé aux filles comment elles jouaient avec leurs poupées Barbie, et les confessionnaux dans un opéra d’horreurs dans lequel les jouets déchaînent des jeux sexuels sombres et des actes de mutilation. Walshe est un génie de ce genre de choses: elle arrache le placage plastique de la culture commerciale en parodiant puis en démembrant systématiquement les archétypes. KM
Lire notre avis | regardez une production du BIFEM 2016
City Noir (2009)
Le portrait vivant de Los Angeles d’Adams, tel que représenté dans le film noir des années 40 et 50, est une symphonie en trois mouvements des sortes, et un concerto pour orchestre, aussi. C’est une célébration en face de la virtuosité orchestrale qui fait référence à une foule d’idiomes américains sans jamais être trop précis. Ce n’est en aucun cas sa plus belle œuvre orchestrale (celles du siècle dernier), mais une pièce maîtresse efficace et extravertie. AC
Lire notre avis | Écoutez sur Spotify
23 James MacMillan
Le prolifique compositeur écossais a eu un impact sur la musique chorale, en s’inspirant de son roman Des racines catholiques, plus récemment dans sa Cinquième Symphonie, Le grand Inconnu, et dans ses Tenebrae Responsories. Son Stabat Mater pour chœur et orchestre à cordes, créé et commandé par Harry Christophers and the Sixteen, a captivé l’imagination du public, son message direct, immédiat, radieux et passionné. FM
Lire notre avis | Regardez la première mondiale au Vatican.
22 Linda Catlin Smith
Elle tient le tissu entre les doigts, elle teste les fibres. Elle laisse de l’espace autour de la matière pour la considérer de cette façon et de cela, puis s’enfonce profondément. La musique de Catlin Smith est lente et silencieuse mais aussi luxuriante. Plus que tout minimaliste, elle s’inspire de Couperin, Debussy et des peintures d’Agnès Martin. Les résultats sont clairsemés, robustes et sensuels; calme ne signifie pas forcément doux. KM
Lisez notre critique
The Blue Notebooks (2004)
Écrit dans la perspective de l’invasion de l’Irak en 2003, The Blue Notebooks est la méditation de Max Richter sur la violence et guerre, une qui a été enregistrée en trois heures. Le cycle de la chanson est lié par la narration de Tilda Swinton, mais les morceaux les plus convaincants ne nécessitent pas de mots. Organum est un solo d’orgue funèbre, Shadow Journal un morceau de house ambiante, mais la pièce maîtresse est On the Nature of Daylight (depuis utilisé sur d’innombrables films et bandes sonores de télévision), où des couches de cordes en constante expansion sont utilisées pour un effet déchirant. JL
Richter écrit sur sa composition | Écoutez sur Spotify.
20 Caroline Shaw
La Partita de Caroline Shaw, écrite pour son propre octet vocal Roomful of Teeth, est une explosion d’énergie bourrée de discours, de chansons et de pratiquement toutes les techniques vocales étendues auxquelles vous pouvez penser dans ses quatre mouvements de danse « classiques ». Cela pourrait faire sauter des notions solennelles et dures de grandeur, mais ce doit être l’œuvre la plus joyeuse de cette liste. EJ
Lire la suite ici | Ecouter sur Spotify.
Duo pour violoncelle et orchestre (2015)
Un violoncelle lent pivote entre deux notes, un voyageur inébranlable sur une route mêlée de séduction pétillante (fanfares de cuivre, cordes ardentes). Le voyage dure une demi-heure; il résume une vie résolue à tenir le cap dans des temps clairs et douloureux. Miller est un maître de planter une graine et de mettre en marche un processus envoûtant, puis de le poursuivre avec la plus somptueuse conviction. KM
Lire la critique | Écouter un extrait.
18 Brett De an
L’Australien Brett Dean, altiste de l’Orchestre philharmonique de Berlin avant de se concentrer sur la composition, a trouvé sa voix d’opéra avec Hamlet. Un remaniement ingénieux de Shakespeare (livret de Matthew Jocelyn) qui s’ouvre sur un fragmenté «Être, ou ne pas être…», il a été créé à Glyndebourne en 2017 avec Allan Clayton dans le rôle-titre et Barbara Hannigan dans le rôle d’Ophelia. FM
Lire la critique | Regarder une bande-annonce
17 Steve Reich
Il a fallu la quintessence Nouveau Le compositeur d’York a 10 ans pour traiter les horreurs du 11 septembre et composer cette thrénodie dissonante, qui oppose les cordes scies du Reich à des voix manipulées. Les enregistrements de contrôleurs aériens horrifiés et de témoins oculaires sont épissés et bouclés, les tonalités de leur discours reproduites ( parfois presque moqueur) par le Quatuor Kronos, avant d’arriver à une sorte de clôture avec la prière d’un chanteur.JL
Lire la critique | Regardez un spectacle en direct.
16 Rebecca Saunders
La musique de Rebecca Saunders fait toujours une poésie viscérale et violente, mais sensuellement résonnante. Composé en collaboration avec la soprano Juliet Fraser, Skin s’inspire de Samuel Beckett, transformant l’image de la poussière de l’écrivain comme « la peau d’une pièce » en une éviscération de 25 minutes des sons que le soliste et l’ensemble peuvent produire. Saunders s’enfonce dans le monde intérieur des instruments, et à l’intérieur du grain de la voix de Fraser – éraflures et hurlements, respirations et soupirs – et trouve un monde révélateur de sentiments exacerbés. TS
Écoutez une performance en direct
Little Match Girl Passion (2007)
Combinez le conte de Hans Christian Andersen sur la petite fille aux allumettes avec St Matthew Passion de Bach, et vous obtenez l’une des œuvres vocales les plus originales de ces derniers temps. Extraits de l’histoire d’Andersen et de St Matthew Le gospel est entrelacé d’une écriture vocale étroitement tissée, parfois non accompagnée, parfois ponctuée de percussions discrètes et souvent tonale réconfortante et émouvante. AC
Lire notre critique | Écouter sur Spotify
14 Pascal Dusapin
L’opéra de Dusapine réinvente le colloque final d’Orphée et d’Eurydice, à la frontière entre la vie et la mort, comme une méditation sur l’idée de la passion comme expression du désir et de la souffrance. La partition fait allusion subtilement à Monteverdi et au baroque français, mais l’univers sonore qu’elle crée est propre à Dusapin: tendu, doucement hypnotique et d’une beauté austère. TA
Lire la critique | Écoutez le travail
Lost Highway (2003)
Film légèrement déroutant de David Lynch – dans lequel un musicien de jazz assassine sa femme, entre dans une fugue psychogène et devient tout à fait une autre personne – était parfaitement adaptée à l’adaptation de ce compositeur autrichien excentrique, dont l’œuvre à cheval entre les genres explore les notions d’identité. Une production immersive, mise en scène par l’Opéra national anglais au Young Vic, a utilisé un film, une partition électroacoustique gazouillante et la voix terrifiante et androgyne de David Moss pour semer la confusion. JL
Lire notre avis | Écoutez l’œuvre
Concerto pour violoncelle (2009)
Une série de concertos, pour instruments solos occidentaux et orientaux, parcourt comme une colonne vertébrale la musique orchestrale d’Unsuk Chin. Mais l’œuvre pour Cello est peut-être la plus originale et la plus amusante de toutes, moulée en quatre mouvements brillants qui ne se conforment jamais tout à fait au type, tout en faisant tout ce que l’on attend d’un concerto, d’une manière fraîche et non conventionnelle. AC
Lire notre avis | Écoutez sur Spotify
The Importance of Being Earnest (2012)
Avec le rôle de Lady Bracknell confié à une basse, la dispute entre Gwendolen et Cecily s’est déroulée à travers des mégaphones et accompagnée de verres cassants , et la plupart des textes livrés avec une rapidité de mitrailleuse, cette interprétation lyrique d’Oscar Wilde n’est pas pour les timides. Mais d’une manière ou d’une autre, il capture avec brio les absurdités de la pièce tout en ajoutant une couche de surréalisme qui est entièrement propre à Barry. AC
Lire notre avis | Écoutez sur Spotify
10 John Luther Adams
Le palindrome orchestral monumental qui fait de John Luther Adams un compositeur de renommée internationale est une représentation passionnante de l’eau en mouvement irrésistible, dans la tradition de la musique de Wagner, Debussy et Sibelius. Mais l’intention d’Adams est bien plus qu’une simple description – c’est un avertissement de ce qui nous attend et de nos mers si nous ne nous soucions pas d’eux. AC
Lire notre avis | Écoutez sur Spotify
9 Heiner Goebbels
Un roman de Gertrude Stein, de la musique folklorique japonaise et l’album des Beach Boys Les sons d’animaux ne sont pas les sources les plus évidentes de l’une des fusions personnelles uniques de Goebbels de mots, de musique et d’images. Mais, comme souvent dans ses pièces de théâtre, les ingrédients les plus improbables coïncident magiquement, créant un monde dramatique spirituel et allusif pas comme les autres, avec les sons des années 1960 contrepoint sur le surréalisme décousu de Stein. AC
Lire notre avis | Écoutez un enregistrement sur YouTube
Quatuor à cordes n ° 4 (2003)
Pour l’électronique en direct et le quatuor à cordes, cette œuvre de 2003 est écrite en cycles plutôt qu’en mouvements, avec une idée de mourir loin, renouvellement et continuation. Harvey expérimente la technologie pour découvrir de nouvelles possibilités sonores et garder la forme traditionnelle vivante. Il a écrit tous ses quatuors pour les Arditti, sachant qu’ils répondraient à tous les défis qu’il leur soumettrait. Le résultat est éloquent et lyrique.FM
Lire la critique | Écoutez l’oeuvre
7 Louis Andriessen
Après avoir collaboré avec les réalisateurs Robert Wilson et Peter Greenaway sur des œuvres de scène précédentes, Andriessen s’est tourné vers Hal Hartley pour son « opéra de cinéma en cinq parties », une série de réflexions sur des épisodes de la Divine Comédie de Dante. Un film de Hartley faisait partie de la mise en scène originale, mais la partition merveilleusement polyglotte d’Andriessen, avec sa multitude de références historiques et son adhésion exubérante au jazz et à la musique folk, se démarque d’elle-même. AC
Lire notre critique | Écouter sur Spotify
L’Amour de Loin (2000)
Situé dans la France du XIIe siècle , le premier opéra de Saariaho, d’origine finlandaise, dont la première a eu lieu à Salzbourg en 2000, est un récit envoûtant de la quête d’un troubadour pour l’amour idéalisé, ainsi qu’une contemplation sur la vie, le désir et la mort. Basé sur La Vida breve de Jaufre Rudel, avec un livret de l’écrivain franco-libanais Amin Maalouf, la musique a des échos médiévaux et moyen-orientaux mais scintille dans la voix distinctive et envoûtante de Saariaho.FM
Lire notre critique | Écoutez sur Spotify
The Tempest (2003)
Cela commence par une tempête géométrique et se termine par une chaconne consolatrice. The Tempest de Thomas Adès a été le catalyseur de sa création d’un langage musical à la fois familier et étrangement séduisant. C’était une pièce qui a immédiatement répondu aux attentes de ce qu’Adès ferait avec toutes les ressources du Royal Opera House lors de sa création en 2004 – et les a transcendées. TS
Lire notre avis | Écoutez sur Spotify
Fin de Partie (2018)
Même s’il semblait souvent que Kurtág ne terminerait jamais l’opéra sur End Game de Samuel Beckett dont il était obsédé depuis plus d’un demi-siècle siècle, il est finalement apparu dans la 93e année du compositeur. Un rendu austère et totalement fidèle de l’original, principalement livré en récitatif, et renforcé par une écriture orchestrale typiquement laconique et nerveuse. C’est une distillation de la musique directe sans compromis que Kurtág a composée tout au long de sa carrière. AC
Lire notre avis | Regardez la production
3 Harrison Birtwistle
Après les opéras sur Punch, Orpheus, Gawain et King Kong, le protagoniste mi-homme mi-taureau du Minotaure est peut-être le plus sympathique de Birtwistle « heroes ». Sa scène de mort, créée spécialement pour la contrebasse John Tomlinson, est une majestueuse mise en scène d’opéra, le point culminant d’une œuvre dans laquelle les éruptions de violence orchestrale sont compensées par une musique d’une beauté lyrique et d’une transparence piquante. AC
Lisez notre critique.
Written on Skin (2012)
Le premier opéra à grande échelle de George Benjamin, avec des mots de Martin Crimp, est arrivé en 2012 apparemment intemporel à tous points de vue, son histoire finalement horrible racontée de manière saisissante à un public moderne à travers la tension et la précision de Benjamin. et souvent d’une beauté éclatante. La mise en scène réfléchie de Katie Mitchell n’était que le début: aucun opéra depuis n’a eu autant de productions différentes dans tant de théâtres. EJ
Lire notre avis | Regardez une production
Let Me Tell You (2013)
Au début du 21ème siècle, l’idée que Hans Abrahamsen composerait l’un des chefs-d’œuvre des 20 prochaines années aurait paru extraordinaire . À cette époque, très peu de sa musique avait été entendue depuis près d’une décennie – il avait subi un blocage créatif qu’il avait depuis décrit comme étant « paralysé par le livre blanc », et dont il s’est finalement sauvé en composant une série d’arrangements, à la fois de ses propres partitions antérieures et de pièces d’autres, dont Bach et Debussy.
Né en 1952 à Copenhague, Abrahamsen avait commencé sa carrière en tant que membre d’un groupe de jeunes compositeurs danois qui ont réagi contre ce qu’ils considéraient comme la surcomplexité de la nouvelle musique européenne qu’ils ont entendue et qui cherchait un style beaucoup plus simple. Il a exploré le minimalisme et étudié pendant un certain temps avec György Ligeti, et s’est rapidement imposé comme l’un des plus jeunes compositeurs européens à regarder, ses œuvres défendues dans les années 1980 par le chef compositeurs tels que Hans Werner Henze et Oliver Knussen. Après un succès précoce, un long silence vint – il n’a terminé qu’un court morceau en huit ans, mais il est revenu à la composition avec le concerto pour piano qu’il a terminé en 2000, où il commence à s’inventer un monde sonore totalement original et totalement personnel.
Cette liste pourrait tout aussi bien être dirigée par l’œuvre qui a exploité pour la première fois ce monde nouvellement inventé, Schnee, une pièce d’ensemble extraordinaire d’une heure de 2008, que par le ravissant cycle de chansons orchestrales Let Me Tell You qui l’a suivi cinq ans plus tard. Les symétries complexes et les canons microtonaux teintés de Schnee définissent le monde glacial et fragile qu’Abrahamsen avait tracé pour lui-même, et qui a continué à fournir l’environnement parfait pour les paramètres d’extraits du roman du même nom de Paul Griffiths qu’il a fait. les chansons.
Comme le livre de Griffiths, Let Me Tell You est un portrait d’Ophélie, mais qui raconte son histoire de son point de vue plutôt que de la façon dont elle est représentée dans Hamlet de Shakespeare. C’est une scène d’opéra autant qu’un cycle de chansons, une scène de lignes élancées et de pianissimos frissonnants, et qui utilise les répétitions bégayantes, stile concitato, que Monteverdi a introduit dans l’opéra il y a quatre siècles pour signifier la colère ou l’angoisse. L’écriture vocale est étonnamment assurée. Il est difficile de croire qu’il s’agissait de la première œuvre vocale à grande échelle d’Abrahamsen, et elle semble parfaitement adaptée à la soprano Barbara Hannigan, pour qui elle a été conçue, et pour sa précieuse capacité à planer de manière éthérée et sans effort au-dessus des paysages sonores parfois interdits, parfois ravissants. que l’orchestre crée sous elle. Il y a le sentiment, a dit Hannigan, à propos du cycle: « La musique a toujours été là », et le sentiment qu’il y a quelque chose d’intemporel et de tout à fait inévitable dans Let Me Tell You lui donne un pouvoir très spécial. AC
Écoutez le travail