Période classique (musique)

Transition baroque / classique c. 1730–1760Modifier

Dans son livre The Classical Style, l’auteur et pianiste Charles Rosen affirme que de 1755 à 1775, les compositeurs ont tâtonné pour un nouveau style plus dramatique. A l’époque du Haut Baroque, l’expression dramatique se limitait à la représentation des affects individuels (la «doctrine des affections», ou ce que Rosen appelle «le sentiment dramatique»). Par exemple, dans l’oratorio Jephtha de Haendel, le compositeur rend quatre émotions séparément, une pour chaque personnage, dans le quatuor « O, épargnez votre fille ». Finalement, cette représentation des émotions individuelles a fini par être considérée comme simpliste et irréaliste; les compositeurs ont cherché de dépeindre plusieurs émotions, simultanément ou progressivement, au sein d’un même personnage ou mouvement («action dramatique»). Ainsi, dans le final de l’acte 2 de Die Entführung aus dem Serail de Mozart, les amants passent «de la joie à la suspicion et à l’indignation». réconciliation finale. « 

Musicalement parlant, cette » action dramatique « exigeait plus de variété musicale. Alors que la musique baroque se caractérisait par un flux continu au sein des mouvements individuels et des textures largement uniformes, les compositeurs après le haut baroque ont cherché à interrompre ce flux avec des changements brusques de texture, de dynamique, d’harmonie ou de tempo. Parmi les développements stylistiques qui suivirent le Haut Baroque, le plus dramatique fut appelé Empfindsamkeit, (à peu près «style sensible»), et son praticien le plus connu était Carl Philipp Emmanuel Bach. Les compositeurs de ce style ont utilisé les interruptions décrites ci-dessus de la manière la plus abrupte, et la musique peut parfois sembler illogique. Le compositeur italien Domenico Scarlatti a poussé ces développements plus loin. Ses plus de cinq cents sonates pour clavier à un seul mouvement contiennent également des changements brusques de texture, mais ces changements sont organisés en périodes, des phrases équilibrées qui sont devenues une caractéristique du style classique. Cependant, les changements de texture de Scarlatti semblent toujours soudains et non préparés. La réalisation exceptionnelle des grands compositeurs classiques (Haydn, Mozart et Beethoven) a été leur capacité à rendre ces surprises dramatiques motivées logiquement, de sorte que «l’expressif et l’élégant puissent joignez-vous la main. « 

Entre la mort de JS Bach et la maturité de Haydn et Mozart (vers 1750-1770), les compositeurs ont expérimenté ces nouvelles idées, que l’on retrouve dans la musique des fils de Bach . Johann Christian a développé un style que nous appelons maintenant Roccoco, comprenant des textures et des harmonies plus simples, et qui était «charmant, peu dramatique et un peu vide». Comme mentionné précédemment, Carl Philipp Emmanuel a cherché à augmenter le drame, et sa musique était «violente, expressive, brillante, continuellement surprenante et souvent incohérente». Et enfin Wilhelm Friedemann, J.S. Le fils aîné de Bach a prolongé les traditions baroques d’une manière idiomatique et non conventionnelle.

Au début, le nouveau style a repris les formes baroques – le ternaire da capo aria, la sinfonia et le concerto – mais composé avec des parties plus simples , des ornements plus notés, plutôt que les ornements improvisés qui étaient courants à l’époque baroque, et une division plus emphatique des pièces en sections. Cependant, avec le temps, la nouvelle esthétique a provoqué des changements radicaux dans la façon dont les pièces étaient assemblées et les dispositions formelles de base Les compositeurs de cette période recherchaient des effets dramatiques, des mélodies frappantes et des textures plus claires. L’un des grands changements de texture a été de s’éloigner du style polyphonique complexe et dense du baroque, dans lequel de multiples lignes mélodiques entrelacées étaient jouées simultanément, et l’homophonie, une texture plus légère qui utilise une seule ligne mélodique claire accompagnée d’accords.

La musique baroque utilise généralement de nombreux fantasmes harmoniques et des sections polyphoniques qui se concentrent moins sur la structure ure de la pièce musicale, et l’accent était moins mis sur des phrases musicales claires. Dans la période classique, les harmonies se simplifient. Cependant, la structure du morceau, les phrases et les petits motifs mélodiques ou rythmiques sont devenus beaucoup plus importants qu’à l’époque baroque.

Une autre rupture importante avec le passé a été la refonte radicale de l’opéra de Christoph Willibald Gluck, qui a coupé une grande partie de la superposition et des ornements d’improvisation et s’est concentré sur les points de modulation et de transition.En faisant de ces moments où l’harmonie change une plus grande concentration, il a permis de puissants changements dramatiques dans la couleur émotionnelle de la musique. Pour mettre en évidence ces transitions, il a utilisé des changements d’instrumentation (orchestration), de mélodie et de mode. Parmi les compositeurs les plus réussis de son temps, Gluck a engendré de nombreux émulateurs, dont Antonio Salieri. L’accent mis sur l’accessibilité a apporté d’énormes succès à l’opéra et à d’autres musiques vocales telles que les chansons, les oratorios et les chœurs. Celles-ci étaient considérées comme les types de musique les plus importants pour la performance et ont donc connu le plus grand succès public.

La phase entre le baroque et la montée du classique (vers 1730) a accueilli divers styles musicaux concurrents. La diversité des parcours artistiques est représentée chez les fils de Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, qui perpétua la tradition baroque de manière personnelle; Johann Christian Bach, qui a simplifié les textures du baroque et influencé le plus clairement Mozart; et Carl Philipp Emanuel Bach, qui a composé de la musique passionnée et parfois violemment excentrique du mouvement Empfindsamkeit. La culture musicale était prise à un carrefour: les maîtres du style ancien avaient la technique, mais le public avait faim du nouveau. C’est l’une des raisons pour lesquelles CPE Bach était tenu en si haute estime: il comprenait assez bien les anciennes formes et savait comment les présenter sous un nouveau costume, avec une variété de forme améliorée.

1750–1775Edit

À la fin des années 1750, il y avait des centres florissants du nouveau style en Italie, à Vienne, à Mannheim et à Paris; des dizaines de symphonies ont été composées et il y avait des groupes de musiciens associés aux théâtres musicaux. L’opéra ou toute autre musique vocale accompagnée d’un orchestre était la caractéristique de la plupart des événements musicaux, avec des concertos et des symphonies (découlant de l’ouverture) servant d’interludes instrumentaux et d’introductions pour les opéras et les services religieux. Au cours de la période classique, les symphonies et concertos se sont développés et ont été présentés indépendamment de la musique vocale.

L’ensemble d’orchestre « normal » – un corps de cordes complété par des vents – et des mouvements de caractère rythmique particulier ont été établis à la fin des années 1750 à Vienne. Cependant, la longueur et le poids des pièces étaient toujours définis avec certaines caractéristiques baroques: les mouvements individuels se concentraient toujours sur un «affect» (humeur musicale) ou n’avaient qu’une seule section médiane fortement contrastée, et leur longueur n’était pas significativement plus grande que les mouvements baroques. Il n’y avait pas encore de théorie clairement énoncée sur la façon de composer dans le nouveau style. C’était un moment propice pour une percée.

Le premier grand maître du style fut le compositeur Joseph Haydn. À la fin des années 1750, il commença à composer des symphonies et, en 1761, il composa un triptyque (Matin, Midi et Soir) solidement sur le mode contemporain. En tant que vice-Kapellmeister et plus tard Kapellmeister, sa production s’étendit: il composa plus de quarante symphonies rien que dans les années 1760. Et tandis que sa renommée grandissait, au fur et à mesure que son orchestre s’agrandissait et que ses compositions étaient copiées et diffusées, sa voix n’était qu’une parmi tant d’autres.

Alors que certains chercheurs suggèrent que Haydn a été éclipsé par Mozart et Beethoven, ce serait difficile de surestimer la centralité de Haydn dans le nouveau style, et donc dans l’avenir de la musique d’art occidentale dans son ensemble. A l’époque, avant la prééminence de Mozart ou Beethoven, et avec Johann Sebastian Bach connu avant tout des connaisseurs de clavier musique, Haydn a atteint une place dans la musique qui l’a placé au-dessus de tous les autres compositeurs sauf peut-être George Frideric Handel de l’époque baroque. Haydn s’est inspiré des idées existantes et a radicalement modifié leur fonctionnement, ce qui lui a valu les titres de «père de la symphonie» et de «père du quatuor à cordes».

L’une des forces qui a motivé son pressage en avant fut la première agitation de ce que l’on appellera plus tard le romantisme – le Sturm und Drang, ou phase «tempête et stress» dans les arts, une courte période où l’émotivité évidente et dramatique était une préférence stylistique. Haydn voulait donc un contraste plus dramatique et des mélodies plus attrayantes sur le plan émotionnel, avec un caractère et une individualité aiguisés dans ses pièces. Cette période s’est estompée dans la musique et la littérature: cependant, elle a influencé ce qui est arrivé par la suite et serait finalement une composante du goût esthétique dans les décennies suivantes.

La Symphonie d’adieu, n ° 45 en fa mineur, illustre Haydn «s intégration des différentes exigences du nouveau style, avec des virages serrés surprenants et un long adagio lent pour terminer le travail.En 1772, Haydn acheva son ensemble Opus 20 de six quatuors à cordes, dans lequel il déploya les techniques polyphoniques qu’il avait rassemblées à l’époque baroque précédente pour fournir une cohérence structurelle capable de maintenir ensemble ses idées mélodiques. Pour certains, cela marque le début du style classique « mature », dans lequel la période de réaction contre la complexité du baroque tardif cède la place à une période d’intégration des éléments baroques et classiques.

1775–1790Modifier

Haydn, ayant travaillé pendant plus d’une décennie en tant que directeur musical pour un prince, avait beaucoup plus de ressources et de possibilités de composition que la plupart des autres compositeurs. Sa position lui a également donné la capacité de façonner les forces qui joueraient sa musique, car il pouvait sélectionner des musiciens qualifiés. Cette opportunité n’a pas été gâchée, car Haydn, débutant assez tôt sa carrière, cherchait à faire avancer la technique de construction et de développement des idées dans sa musique. Sa prochaine percée importante a été dans les quatuors à cordes Opus 33 (1781), dans lesquels les rôles mélodique et harmonique se succèdent parmi les instruments: il est souvent momentanément difficile de savoir ce qu’est la mélodie et ce qu’est l’harmonie. Cela change la façon dont l’ensemble travaille son chemin entre les moments dramatiques de transition et les sections culminantes: la musique s’écoule en douceur et sans interruption évidente. Il a ensuite pris ce style intégré et a commencé à l’appliquer à la musique orchestrale et vocale.

Le don de Haydn à la musique était une manière de composer, une manière de structurer les œuvres, qui était en même temps en accord avec l’esthétique gouvernante du nouveau style . Cependant, un jeune contemporain, Wolfgang Amadeus Mozart, a apporté son génie aux idées de Haydn et les a appliquées à deux des grands genres de l’époque: l’opéra et le concerto virtuose. Alors que Haydn a passé une grande partie de sa vie professionnelle en tant que compositeur de cour. , Mozart voulait un succès public dans la vie de concert des villes, jouant pour le grand public. Cela signifiait qu’il devait écrire des opéras, écrire et interpréter des pièces virtuoses. Haydn n’était pas un virtuose au niveau des tournées internationales, ni ne cherchait à créer des opéras des œuvres qui pouvaient jouer pendant de nombreuses nuits devant un large public. Mozart voulait réaliser les deux. De plus, Mozart avait aussi le goût des accords plus chromatiques (et de plus grands contrastes dans le langage harmonique en général), un plus grand amour pour créer une foule de mélodies dans une seule œuvre, et une sensibilité plus italienne dans la musique dans son ensemble. Il a trouvé, dans la musique de Haydn et plus tard dans son étude de la polyphonie de JS Bach, le moyen de discipliner et d’enrichir ses dons artistiques.

Mozart attira rapidement l’attention de Haydn, qui salua le nouveau compositeur, étudia ses œuvres et envisagea le plus jeune était son seul véritable pair en musique. Dans Mozart, Haydn a trouvé une plus grande gamme d’instruments, d’effets dramatiques et de ressources mélodiques. La relation d’apprentissage allait dans les deux sens. Mozart avait aussi un grand respect pour le compositeur plus âgé et plus expérimenté, et a cherché à apprendre de lui.

L’arrivée de Mozart à Vienne en 1780 a entraîné une accélération dans le développement du style classique. Là, Mozart a absorbé la fusion de la brillance à l’italienne et de la cohésion germanique qui se préparait depuis 20 ans. Son propre goût pour les brillances flashy, les mélodies et les figures rythmiquement complexes, les longues mélodies de cantilena et les fioritures virtuoses a fusionné avec une appréciation de la cohérence formelle et de la connectivité interne. C’est à ce stade que la guerre et l’inflation économique ont mis un terme à la tendance aux grands orchestres et forcé la dissolution ou la réduction de nombreux orchestres de théâtre. Cela a poussé le style classique vers l’intérieur: vers la recherche de plus grands défis d’ensemble et techniques – par exemple, en dispersant la mélodie sur les bois ou en utilisant une mélodie harmonisée en tiers. Ce processus a placé une prime sur la musique de petit ensemble, appelée musique de chambre. Cela a également conduit à une tendance à davantage de performances publiques, donnant un nouvel élan au quatuor à cordes et à d’autres petits groupes d’ensemble.

C’est au cours de cette décennie que le goût du public a commencé, de plus en plus, à reconnaître que Haydn et Mozart avait atteint un niveau élevé de composition. Au moment où Mozart est arrivé à l’âge de 25 ans, en 1781, les styles dominants de Vienne étaient clairement liés à l’émergence dans les années 1750 du style classique primitif.À la fin des années 1780, des changements dans la pratique de la performance, le statut relatif de la musique instrumentale et vocale, les exigences techniques des musiciens et l’unité stylistique s’étaient établis chez les compositeurs qui imitaient Mozart et Haydn. Au cours de cette décennie, Mozart a composé ses opéras les plus célèbres, ses six symphonies tardives qui ont contribué à redéfinir le genre, et une série de concertos pour piano qui se trouvent toujours à l’apogée de ces formes.

Un compositeur qui a été influent dans répandant le style plus sérieux que Mozart et Haydn avaient formé est Muzio Clementi, un pianiste virtuose doué qui a lié avec Mozart dans un « duel » musical devant l’empereur dans lequel chacun a improvisé au piano et a exécuté leurs compositions. Les sonates pour piano de Clementi ont largement circulé, et il est devenu le compositeur le plus titré de Londres dans les années 1780. Toujours à Londres à cette époque se trouvait Jan Ladislav Dussek, qui, comme Clementi, encourageait les fabricants de pianos à élargir la gamme et d’autres caractéristiques de leurs instruments, et ensuite pleinement exploité les possibilités nouvellement ouvertes. L’importance de Londres dans la période classique est souvent négligée, mais il a servi de domicile à l’usine de Broadwood pour la fabrication de pianos et de base pour les compositeurs qui, bien que moins notable que « l’École de Vienne », a eu une influence décisive sur ce qui est arrivé plus tard. Ils étaient les compositeurs de nombreuses œuvres remarquables, remarquables à part entière. Le goût de Londres pour la virtuosité pourrait bien avoir encouragé le travail de passage complexe et les déclarations étendues sur la tonique et la dominante.

Vers 1790–1820Modifier

Lorsque Haydn et Mozart ont commencé à composer, des symphonies ont été jouées en tant que mouvements uniques – avant, entre ou comme interludes dans d’autres œuvres – et beaucoup d’entre eux ne duraient que dix ou douze minutes; les groupes instrumentaux avaient des normes de jeu variables et le continuo était un élément central de la création musicale.

Dans les années qui ont suivi, le monde social de la musique a connu des changements dramatiques. Les publications et les tournées internationales se sont développées de manière explosive et des sociétés de concerts se sont formées. La notation est devenue plus précise, plus descriptive – et les schémas des œuvres ont été simplifiés (mais sont devenus plus En 1790, juste avant la mort de Mozart, avec sa réputation se répandant rapidement, Haydn était prêt pour une série de succès, notamment ses oratorios tardifs et symphonies de Londres. Des compositeurs à Paris, à Rome et dans toute l’Allemagne se sont tournés vers Haydn et Mozart pour leurs idées sur la forme.

Dans les années 1790, une nouvelle génération de compositeurs, née vers 1770, voit le jour. Alors qu’ils avaient grandi avec les styles précédents, ils ont entendu dans les œuvres récentes de Haydn et Mozart un véhicule pour une plus grande expression. En 1788, Luigi Cherubini s’installe à Paris et compose en 1791 Lodoiska, un opéra qui le rend célèbre. Son style est clairement le reflet de la maturité Haydn et Mozart, et son instrumentation lui a donné un poids qui n’avait pas encore été ressenti dans le grand opéra. Son contemporain Étienne Méhul prolonge les effets instrumentaux avec son opéra Euphrosine et Coradin de 1790, dont succède une série de succès. La dernière poussée vers le changement est venue de Gaspare Spontini, qui était profondément admiré par les futurs compositeurs romantiques tels que Weber, Berlioz et Wagner. Le langage harmonique innovant de ses opéras, leur instrumentation raffinée et leurs nombres fermés «enchaînés» (un modèle structurel qui fut plus tard adopté par Weber dans Euryanthe et transmis de lui, par Marschner, à Wagner), formèrent la base à partir de laquelle le français et L’opéra romantique allemand a ses débuts.

Le plus fatidique de la nouvelle génération était Ludwig van Beethoven, qui a lancé ses œuvres numérotées en 1794 avec un ensemble de trois trios avec piano, qui restent dans le répertoire. Un peu plus jeune que les autres, bien que tout aussi accompli en raison de ses études de jeunesse sous Mozart et de sa virtuosité native, était Johann Nepomuk Hummel. Hummel a également étudié sous Haydn; il était un ami de Beethoven et de Franz Schubert. Il se concentra plus sur le piano que sur tout autre instrument, et son séjour à Londres en 1791 et 1792 a généré la composition et la publication en 1793 de trois sonates pour piano, opus 2, qui utilisaient idiomatiquement les techniques de Mozart pour éviter la cadence attendue, et Clementi « s figuration virtuose parfois modalement incertaine. Pris ensemble, ces compositeurs peuvent être considérés comme l’avant-garde d’un large changement de style et le centre de la musique. Ils étudiaient les œuvres de chacun, se copiaient les gestes de chacun dans la musique et se comportaient parfois comme des rivaux querelleurs.

Les différences cruciales avec la vague précédente peuvent être vues dans le glissement vers le bas des mélodies, l’augmentation de la durée des mouvements, l’acceptation de Mozart et Haydn comme paradigmatique, l’utilisation accrue des ressources du clavier, le passage du « vocal «l’écriture à l’écriture« pianistique », l’attraction croissante du mineur et de l’ambiguïté modale, et l’importance croissante de la variation des figures d’accompagnement pour faire avancer la« texture »en tant qu’élément de la musique. En bref, le classique tardif recherchait une musique plus complexe en interne. La croissance des sociétés de concert et des orchestres amateurs, marquant l’importance de la musique dans la vie de la classe moyenne, a contribué à un marché en plein essor pour les pianos, la musique pour piano et les virtuoses pour servir d’exemples. Hummel, Beethoven et Clementi étaient tous réputés pour leur improvisation.

L’influence directe du baroque a continué de s’estomper: la basse figurée est devenue moins importante comme moyen de maintenir la performance ensemble, les pratiques de performance du milieu -18ème siècle a continué de s’éteindre. Cependant, dans le même temps, des éditions complètes de maîtres baroques ont commencé à être disponibles et l’influence du style baroque a continué de croître, en particulier dans l’utilisation de plus en plus répandue du laiton. Une autre caractéristique de la période est le nombre croissant de représentations où le compositeur n’était pas présent. Cela a conduit à une augmentation des détails et de la spécificité de la notation; par exemple, il y avait moins de parties «optionnelles» qui se tenaient séparément de la partition principale.

La force de ces changements est devenue évidente avec la 3e symphonie de Beethoven, étant donné le nom Eroica, qui signifie «héroïque» en italien « , par le compositeur. Comme pour Le Sacre du printemps de Stravinsky, il n’a peut-être pas été la première de toutes ses innovations, mais son utilisation agressive de chaque partie du style classique le distingue de ses œuvres contemporaines: en longueur , l’ambition et les ressources harmoniques aussi.