« Bohemian Rhapsody », extrait de l’album de Queen A Night at the Opera (1975), est considéré comme l’une des plus grandes chansons rock de tous les temps. Malgré sa formidable succès commercial et influence, il reste l’une des chansons les plus énigmatiques et les plus insondables de l’histoire du rock. C’est comme le Finnegan’s Wake de la musique rock. « Bohemian Rhapsody » rejoint les rangs d’autres succès célèbres qui sont chantés mais jamais entièrement compris comme « American Pie » de Don Mclean (1971), « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin (1971), et à peu près n’importe quelle chanson de Yes. Alors, quelle est exactement la signification de Queen’s Bohemian Rhapsody?
La réponse courte est – nous ne le saurons jamais avec certitude. Freddie Mercury a commencé à développer la musique et les paroles à la fin des années 1960 et a fini de l’écrire chez lui à Londres en 1975. Bien qu’il ait été très délibéré dans son écriture, il a emporté tous ses secrets dans la tombe. Dans une interview, Mercury explique que la chanson, bien que très méthodiquement composée, était un peu un test de Rorschach: « Bohemian Rhapsody n’est pas sorti de nulle part. J’ai fait un peu de recherche, même si c’était ironique. joue et c’était un opéra simulé. Pourquoi pas?… C’est une de ces chansons qui a un tel sentiment de fantaisie à ce sujet. Je pense que les gens devraient simplement l’écouter, y réfléchir, puis se décider eux-mêmes. »leur dit.»
Dans une interview faisant la promotion du DVD de Queen Videos Greatest Hits, le guitariste Brian May a déclaré: «De quoi parle Bohemian Rhapsody? Eh bien, je ne pense pas que nous le saurons jamais. Et si je savais, je ne voudrais probablement pas vous le dire de toute façon, car je ne dis certainement pas aux gens de quoi parlent mes chansons. Je trouve que cela les détruit d’une certaine manière, parce que la grande chose à propos d’une grande chanson est que vous la reliez à vos propres expériences personnelles dans votre propre vie. Je pense que Freddie était certainement aux prises avec des problèmes dans sa vie personnelle, qu’il aurait peut-être décidé d’intégrer lui-même dans la chanson. Il cherchait certainement à se recréer. Mais je ne pense pas qu’à ce moment-là c’était la meilleure chose à faire, il a en fait décidé de le faire plus tard. Je pense qu’il est préférable de le laisser avec un point d’interrogation en l’air. »
À cela, nous disons: poppycock! Une chanson, comme un poème ou un roman, doit être soigneusement analysée pour trouver sa vraie signification. Pour paraphraser Socrate, la chanson non examinée ne vaut pas la peine d’être écoutée. Invariablement, l’analyse textuelle critique révèle toujours des indices importants – qu’ils soient laissés consciemment ou inconsciemment – qui mènent à des interprétations significatives, révélant des aspects du caractère, des croyances et / ou de la vie de l’écrivain. Pour trouver notre premier indice, tournons-nous d’abord vers Lesley-Ann Jones, l’auteur de Freddie Mercury: The Definitive Biography (1997). Elle l’a longuement interviewé pour sa biographie autorisée et a pu regarder derrière le rideau – pour comprendre pleinement le musicien énigmatique et sa vie. Elle croit fermement que la chanson représente la lutte personnelle de Mercury avec sa sexualité et sa décision éventuelle de sortir. En 1986, elle lui a posé une question spécifique à ce sujet, mais il a refusé de lui donner une réponse claire. Cependant – et on ne saurait trop insister sur l’importance de cela – Mercury a fourni la clé pour débloquer ce mystère musical vieux de plusieurs décennies: il lui a admis que la chanson était «sur les relations». Bingo! En outre, la croyance de Jones a également été confirmée par Jim Hutton, l’amant de Mercury. Peu de temps après le décès de Mercury, Hutton a dit à Jones que « Bohemian Rhapsody » concernait l’admission publique de Mercury qu’il était gay.
Un proche l’examen des paroles révélera que la chanson porte en effet sur les relations – en particulier la relation de Mercure avec lui-même, son épouse, sa famille et Dieu fournissant le contexte des luttes auxquelles il a dû faire face pour décider de faire face à la musique, pour ainsi dire, à venir en dehors. Le deuxième indice est que Mercure « a fait quelques recherches ». La chanson, comme un poème de TS Eliot, est remplie d’allusions littéraires et musicales qui soutiennent le sens voulu de la chanson.
Commençons par le titre: Bohemian Rhapsody est une pièce de théâtre sur la « Rhapsodie hongroise » du compositeur Franz Liszt . » Un bohème est une personne qui a des habitudes sociales non conventionnelles. Une rhapsodie est une composition instrumentale gratuite jouée dans un mouvement étendu, généralement exubérant ou plein de pathétique. Donc, dès le début, nous avons une certaine compréhension à la fois de la chanson et du narrateur.
La première strophe nous présente le narrateur, qui semble vivre une vie surréaliste: « Est-ce la vraie vie « Est-ce juste de la fantaisie? / Pris dans un glissement de terrain / Aucune évasion de la réalité. » Il ne sait pas si c’est réel ou un rêve et tout se passe si vite. Avec le succès fulgurant de Queen, Mercury a été catapulté d’une vie plutôt traditionnelle et tranquille à la vie d’une rockstar flamboyante (remplie de sexe, de drogue et de rock obligatoires. n roll) Mercury vit simultanément dans deux mondes: vivre comme un homme hétéro tout en cachant à sa famille qu’il est gay.Mercure a senti qu’il devait cacher son homosexualité puisque ses parents pratiquaient le zoroastrisme qui la condamnait spécifiquement. Le lyrique suivant emploie l’antithèse: « Je ne suis qu’un pauvre garçon, je n’ai pas besoin de sympathie », reflétant son ambivalence. Ici, pauvre est utilisé dans le sens métaphorique (méritant pitié), pas littéral (ne pas avoir d’argent); dans d’autres mots, il dit « bien que je mérite la pitié, je n’ai vraiment pas besoin de votre sympathie. » Il a accepté sa vérité, son destin et n’a besoin de la sympathie de personne. Exprimé d’une autre manière, il semble vouloir dire « C’est ma vie, c’est qui je suis – ne vous sentez pas désolé pour moi. » La strophe se termine par la phrase « De toute façon, le vent souffle, cela n’a pas vraiment d’importance pour moi », révélant que le narrateur embrasse le nihilisme, la croyance que le monde n’a pas de sens et qu’il ne se soucie pas de savoir où le destin le mène. C’est la vie.
Dans la deuxième strophe, le narrateur dit à sa femme (ici «Mama», comme dans Mother Mary, représente la partenaire romantique et amie de longue date de Mercury, Mary Austin) qu’il a tué un homme: « Maman, vient de tuer un homme / Mettez un pistolet contre sa tête / J’ai appuyé sur la gâchette, maintenant il est mort. » Mais ici, le meurtre est métaphorique, pas littéral. Mercury dit qu’il s’est tué: Farrokh Bulsara (le mari hétéro et fidèle) a été remplacé par Freddie Mercury (la rock star flamboyante et gay). Le narrateur regrette la douleur qu’il a causée à son partenaire si peu de temps après le début de leur relation (Mercury et Mary venaient d’être ensemble sept ans avant sa première rencontre homosexuelle), craignant qu’il n’ait rejeté toute cette partie de sa vie: » Maman, la vie venait juste de commencer / Mais maintenant je suis parti et j’ai tout jeté / Maman, oh oh / Je ne voulais pas te faire pleurer. À la fin de la strophe, le narrateur dit « Si je ne suis pas de retour cette fois demain / Continuez, continuez, comme si rien ne comptait vraiment. » Le narrateur encourage sa mère (ou son partenaire) à embrasser son nihilisme afin de continuer sans lui s’il continue sa vie d’homosexuel.
C’est le moment idéal pour introduire les parallèles fascinants entre » Bohemian Rhapsody »et le roman fondateur d’Albert Camus, The Stranger, publié en 1942. Le protagoniste du roman, Meurseult, est un homme (comme Mercure) qui a l’impression de ne pas s’intégrer, c’est un paria. Au début du roman, pendant argument selon lequel il tue un Arabe, est reconnu coupable et condamné à mort parce qu’il n’a aucun remords pour son crime (le procureur accuse Meurseult d’être un monstre sans âme). En attendant son exécution, un aumônier rencontre Meurseult pour le guider vers le repentir et accepter L’amour et le pardon de Dieu. Cependant, Meurseult renie son crime, rejette Dieu et accepte l’absurdité de la condition humaine. En fin de compte, il trouve du réconfort dans son indifférence envers le monde et l’insignifiance de la vie. Le roman se termine par Meurseult qui attend avec bonheur pour rencontrer son destin inéluctable à la guillotine: «Et moi aussi, je me sentais prêt à revivre ma vie. Comme si ce grand accès de colère avait purgé tous mes maux, tué tous mes espoirs, je levai les yeux vers la masse de signes et d’étoiles dans le ciel nocturne et m’ouvris pour la première fois à l’indifférence bienveillante du monde. Et le trouvant tellement comme moi, en fait si fraternel, je me suis rendu compte que j’avais été heureux, et que j’étais toujours heureux. Pour la consommation finale et pour que je me sente moins seule, mon dernier souhait était qu’il y ait une foule de spectateurs à mon exécution et qu’ils me saluent avec des cris de haine. Il est très possible que Mercury ait lu ce livre en tant que jeune garçon ou pendant qu’il développait la chanson.
Revenons aux paroles. La troisième strophe reflète l’ambivalence du narrateur: dire au revoir à son ancien moi (hétérosexuel), à sa femme, à sa famille et à ses amis, et à ses collègues membres du groupe, afin d’accepter la vérité incontournable: qu’il est un homme gay: « Au revoir tout le monde Je dois y aller / Je dois vous laisser tous derrière et affronter la vérité. L’ambivalence qu’il ressent le torture au point qu’il regrette d’être né du tout, invoquant le pathétique et utilisant la construction antithétique que nous disons dans la première strophe: «Je ne veux pas mourir / Parfois je souhaiterais ne jamais être né du tout . » C’est un sentiment très puissant qui fait écho à l’un des soliloques les plus célèbres de William Shakespeare dans La tragédie de Hamlet, prince du Danemark. Dans l’acte 3, scène 1, Hamlet se demande s’il doit exister ou non: « Être ou ne pas être: telle est la question: / S’il est plus noble dans l’esprit de souffrir / Les frondes et flèches de la fortune scandaleuse, / Ou prendre les armes contre une mer de troubles, / Et en s’opposant à les mettre fin? »
Nous arrivons maintenant à l’opérette dans les quatrième et cinquième strophes qui fonctionnent comme une sorte de chœur grec, éclairant le psychique du narrateur Mercury a un jour décrit cette partie de la chanson comme une « absurdité de rimes aléatoires » à son ami, Kenny Everett, un DJ qui travaillait à Londres.À première vue, tout comme de nombreuses comptines, le jabberwocky des aventures d’Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll, ou l’une des divagations impénétrables de James Joyce, le texte peut sembler absurde, mais il y a certainement un sens derrière la folie. Mercury, qui a mentionné qu’il « avait fait un peu de recherche » sur cette chanson, a clairement choisi ses mots avec soin. Décomposons cette section en nous concentrant sur les mots clés et les paroles.
L’opérette commence par la vision du narrateur l’ombre de son ancien moi: « Je vois un petit silhouetto d’homme. » Les lignes suivantes, « Scaramouch, Scaramouch ferez-vous le Fandango / Thunderbolt et la foudre me très très effrayant / Galileo, Galileo, Galileo, Galileo, Galileo, figaro, magnifico » suggèrent que le choeur défie l’homme (l’appelant « scaramouch, »Traduit de l’italien, signifie« un bouffon vantard et lâche; »souvent présenté dans les comédies italiennes, connu sous le nom de commedia dell’arte qui a prospéré du 16ème au 18ème siècle) pour faire quelque chose de scandaleux, choquant ainsi la sensibilité de son ancien moi, sa famille et les amis, et la société en général. Les chœurs de « Galilée » sont simplement des expressions de choc et d’indignation par d’autres dans son entourage, comme s’ils disaient « Oh mon Dieu! » Parce que le narrateur, comme Meurseult de Camus, est nihiliste et absurde, il ne croit pas en Dieu. Alors naturellement, il fait appel à un homme de science, Galilée, un révolutionnaire (jeu de mots) condamné pour hérésie par le catholique Église de 1633 pour avoir enseigné que la Terre n’est pas le centre de l’univers mais qu’elle tournait en fait autour du soleil. Figaro, bien sûr, est le célèbre barbier espagnol intrigant qui apparaît comme dans deux pièces françaises du XVIIIe siècle (Le Barbier de Séville et Le Mariage de Figaro ainsi que deux opéras (Le Barbier de Séville de Gioacchino Rossini et Les Noces de Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart). Dans la culture populaire, Figaro représente un individu irrépressible, intelligent et défiant l’autorité. Magnifico est un autre personnage de la commedia dell’arte mentionnée ci-dessus. Le nom est basé sur le latin, magnificus, qui signifie «faire de grandes choses». Sans surprise, ces personnages – Galileo, Figaro, Magnifico – qui sont des parias à un certain niveau, résonnent avec Mercure – sans oublier qu’ils riment magnifiquement.
La strophe suivante nous emmène dans la lutte dans l’esprit du narrateur. Nous voyons ici l’interaction dynamique, un débat passionné, entre le narrateur et le chœur grec, pour ainsi dire, se construisant vers un crescendo. Ce qui est intéressant ici, c’est la façon dont le narrateur progresse de la sollicitation de la pitié (strophe cinq) à l’expression de l’indignation et du défi (strophe six). La ligne initiale est le narrateur essayant de susciter la sympathie: « Je ne suis qu’un pauvre garçon et personne ne m’aime. » Et le refrain (représentant Dieu) intervient et valide cela et veut lui épargner la vie difficile à laquelle il devra faire face une fois qu’il se tuera: «C’est juste un pauvre garçon d’une famille pauvre / Épargnez-lui sa vie de cette monstruosité. » Le narrateur fait appel à un Dieu indifférent: « Facile, allez-y, laissez-moi partir. » Mais Dieu, n’aura rien de tout cela (Bismillah est le mot arabe pour Dieu; littéralement traduit cela signifie «au nom d’Allah»); le refrain (Dieu) exige l’âme du narrateur: « Bismillah, non nous ne vous laisserons pas partir. » Ceci est rapidement contré par un refrain opposé: « Laissez-le partir. » Cela va et vient plusieurs fois. Enfin, après un dernier appel passionné et très à l’italienne, « Mama mia, mama mia laisse-moi partir », le diable fait une apparition dans cette confrontation croissante: « Béelzébul a un diable mis de côté pour moi. » Il y a deux points à souligner ici. Premièrement, le narrateur utilise le mot «Belzébuth», le nom qui apparaît dans l’Ancien Testament (en particulier, 2 Rois 1: 2-3), pour le diable, faisant allusion au conflit séculaire du bien (représenté par Dieu ) et le mal (représenté par le diable) trouvé dans la Bible. Deuxièmement, la référence au diable est une allusion très intelligente à la légende de Faust, qui a inspiré de nombreux opéras, pièces de théâtre, films et romans (le plus célèbre est la pièce Faust: A Tragedy de Johann Wolfgang von Goethe). Dans la légende allemande classique, Faust, malgré son succès et sa richesse, conclut un pacte avec le diable (Méphistophélès) pour échanger son âme contre des plaisirs mondains illimités et une connaissance infinie. (C’est ici nous obtenons l’expression marchandage faustien ou marché méphistophélien.) Évidemment, s’il conclut un pacte avec le diable, Faust doit abandonner Dieu. Dans la culture populaire, Faust (ou Faustien, la forme adjectivale) se réfère à une personne ambitieuse qui abandonne l’intégrité morale pour atteindre une richesse, un pouvoir ou un succès énormes. Mais même plus pertinent pour la chanson est le concept d’un marché faustien dans le contexte de la psychothérapie. Ici, un marché faustien est un mécanisme de défense (ou plusieurs d’entre eux) qui sacrifient des éléments du soi au profit d’une forme de survie psychique.Donc, dans ce contexte, nous pouvons interpréter cette dernière ligne comme le narrateur disant: «Je dois faire face à mon démon et conclure mon marché faustien avec lui: je dois sacrifier mon ancien moi en échange de la survie de mon nouveau moi (mon vrai moi comme un homme gay) qui sera riche, célèbre et se délectera des plaisirs du monde. »
La sixième strophe présente le passage du narrateur de la pitié à l’indignation. La strophe fonctionne comme une diatribe ou une diatribe, marquée par une colère défi à ceux qui le jugent durement. Ayant conclu son marché faustien (ou méphistophélien), il semble dire: « Je devais faire ça – ne me détestez pas pour ça! » Il est ironique que ce narrateur, qui a rejeté Dieu, parle de sa punition en des termes presque bibliques: « Alors tu penses que tu peux m’arrêter et me cracher dans les yeux / Alors tu penses que tu peux m’aimer et me laisser mourir. » Une autre façon de le dire est: «Comment osez-vous me juger et me punir pour qui je suis et comment je dois vivre ma vie. Vous ne pouvez pas simplement m’aimer puis m’abandonner. » Il lance un dernier appel à la compassion (et on peut supposer qu’il fait référence à sa femme): « Oh bébé ne peut pas me faire ça bébé. » En d’autres termes, il demande: comment peux-tu me faire ça, Mary? Mais le narrateur sait que c’est un mauvais endroit; il doit foutre le camp de là-bas – pour échapper à un lieu de jugement et de condamnation sévères: « Il faut juste sortir, juste sortir d’ici. »
La septième et dernière strophe (la « outro » dans le jargon musical) commence par le refrain exprimant sa sympathie pour le sort du narrateur: « Oh oh oh ouais, oh oh ouais » comme pour dire: « oui, bien sûr – vous avez raison , tu ne mérites pas ça, tu n’as pas d’autre choix pour courir, pour avancer dans ta vie, étant donné qui tu es vraiment. La délibération – le débat sur comment être, comment vivre – est enfin arrivée à sa conclusion naturelle qui, selon le narrateur, devrait être évidente pour tout le monde. La chanson bouclera la boucle en revenant aux thèmes introduits dans la première strophe: « Rien compte vraiment / Tout le monde peut voir / Rien ne compte vraiment / Rien ne compte vraiment pour moi. » Le narrateur, comme Meurseult de Camus, trouve finalement du réconfort dans l’absence de sens et «l’indifférence bienveillante du monde» (pour reprendre la phrase de Meurseult). La strophe se termine par une résignation silencieuse: «De toute façon, le vent souffle». Le narrateur est résigné à aller partout où le destin le mène.
En bref, « Bohemian Rhapsody » reflète le parcours personnel de Mercure – il s’agit de la tourmente personnelle qu’il a vécue avant de finalement sortir. De toute évidence, il l’a écrit pour lui-même, en tant qu’exercice cathartique artistique. Mais c’était aussi son cadeau au monde parce que la chanson parle à tant de gens – et c’est pourquoi la chanson perdure, résonnant si profondément avec la génération suivante. Dans un sens plus large, Bohemian Rhapsody est une source d’inspiration hymne nihiliste sur un individu qui doit accepter sa vérité – embrasser qui il est et vivre selon qui il est vraiment – indépendamment de ce que sa famille, ses proches ou la société veulent qu’il soit. En effet, ce n’est pas une voie facile et, inévitablement, cela a un coût – pour l’individu (les luttes internes, les doutes, les sentiments d’isolement, etc.) et pour ses nombreuses relations (leurs sentiments de douleur, de trahison, de déception, de désapprobation, etc.). Mais dans un monde indifférent et sans signification, Merc ous croyons que nous devons simplement découvrir qui nous sommes, accepter qui nous sommes et être qui nous sommes. Donc, si nous devions réduire Bohemian Rhapsody à ses termes les plus simples, ce serait ceci: vivre et laisser vivre.
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