História da música

Edição de música medieval

Enquanto a vida musical era sem dúvida rico no início da era medieval, conforme atestado por representações artísticas de instrumentos, escritos sobre música e outros registros, o único repertório de música que sobreviveu de antes de 800 até os dias atuais é a música litúrgica cantada pela Igreja Católica Romana , a maior parte do qual é chamada de canto gregoriano. O Papa Gregório I, que deu seu nome ao repertório musical e pode ter sido um compositor, costuma ser considerado o criador da parte musical da liturgia em sua forma atual, embora as fontes que fornecem detalhes sobre sua contribuição datem de mais mais de cem anos após sua morte. Muitos estudiosos acreditam que sua reputação foi exagerada pela lenda. A maior parte do repertório de canto foi composta anonimamente nos séculos entre a época de Gregório e Carlos Magno.

Durante o século 9, vários desenvolvimentos importantes aconteceram. Primeiro, houve um grande esforço da Igreja para unificar as muitas tradições de canto e suprimir muitas delas em favor da liturgia gregoriana. Segundo, a música polifônica mais antiga foi cantada, uma forma de canto paralelo conhecida como organum. Terceiro, e de maior significado para a história da música, a notação foi reinventada após um lapso de cerca de quinhentos anos, embora ainda se passassem vários séculos antes que um sistema de notação de tom e ritmo evoluísse com a precisão e a flexibilidade que os músicos modernos consideram garantida.

Várias escolas de polifonia floresceram no período após 1100: a escola St. Martial de organum, cuja música era frequentemente caracterizada por uma parte que se movia rapidamente sobre uma única linha sustentada; a escola de polifonia de Notre Dame, que incluiu os compositores Léonin e Pérotin, e que produziu a primeira música para mais de duas partes por volta de 1200; o caldeirão musical de Santiago de Compostela na Galiza, um destino de peregrinação e local onde músicos de várias tradições se reuniram no final da Idade Média, cuja música sobrevive no Codex Calixtinus; e a escola inglesa, cuja música sobrevive nos Fragmentos de Worcester e no Manuscrito de Old Hall. Paralelamente a essas escolas de música sacra, desenvolveu-se uma tradição vibrante de canções seculares, exemplificada na música dos trovadores, trovères e Minnesänger. Grande parte da música secular posterior do início da Renascença evoluiu a partir das formas, ideias e estética musical dos trovadores, poetas da corte e músicos itinerantes, cuja cultura foi amplamente exterminada durante a Cruzada Albigense no início do século XIII.

Formas de música sacra que se desenvolveram durante o final do século 13 incluíam o moteto, o condutor, o discante e o clausulae. Um desenvolvimento incomum foi o Geisslerlieder, a música de bandos errantes de flagelantes durante dois períodos: meados do século 13 (até serem suprimidos pela Igreja); e o período durante e imediatamente após a Peste Negra, por volta de 1350, quando suas atividades foram vividamente gravadas e bem documentadas com música notada. Sua música misturava estilos de canções folclóricas com textos penitenciais ou apocalípticos. O século XIV na história da música europeia é dominado pelo estilo da ars nova, que por convenção é agrupada com a era medieval na música, embora tivesse muito em comum com os ideais e a estética do início do Renascimento. Grande parte da música remanescente da época é secular e tende a usar as formas fixas: a balada, o virelai, o lai, o rondeau, que correspondem a formas poéticas com os mesmos nomes. A maioria das peças nessas formas são para uma a três vozes, provavelmente com acompanhamento instrumental: compositores famosos incluem Guillaume de Machaut e Francesco Landini.

Editor de música renascentista

O início do O Renascimento na música não é tão claramente marcado como o início do Renascimento nas outras artes e, ao contrário das outras artes, não começou na Itália, mas no norte da Europa, especificamente na área que atualmente compreende o centro e o norte da França, o Holanda e Bélgica. O estilo dos compositores borgonheses, como é conhecida a primeira geração da escola franco-flamenga, foi a princípio uma reação contra a excessiva complexidade e estilo maneirado do ars subtilior do final do século XIV, e continha melodia clara e cantável e polifonia equilibrada em todas as vozes. Os compositores mais famosos da escola da Borgonha em meados do século XV são Guillaume Dufay, Gilles Binchois e Antoine Busnois.

Em meados do século 15, compositores e cantores dos Países Baixos e áreas adjacentes começaram a se espalhar pela Europa, especialmente na Itália, onde eram empregados pela capela papal e pelos aristocráticos patronos das artes (como as famílias Médici, Este e Sforza). Eles carregavam seu estilo com eles: polifonia suave que poderia ser adaptada para uso sagrado ou secular conforme apropriado. As principais formas de composição musical sagrada da época eram a missa, o moteto e o laude; as formas seculares incluíam a chanson, a frottola e, mais tarde, o madrigal.

A invenção da imprensa teve uma grande influência na divulgação dos estilos musicais e, juntamente com o movimento dos músicos franco-flamengos, contribuiu para o estabelecimento do primeiro estilo verdadeiramente internacional na música europeia desde a unificação do canto gregoriano sob Carlos Magno. Compositores da geração média da escola franco-flamenga incluem Johannes Ockeghem, que escreveu música em um estilo complexo em contraponto, com textura variada e um uso elaborado de dispositivos canônicos; Jacob Obrecht, um dos mais famosos compositores de missas das últimas décadas do século XV; e Josquin des Prez, provavelmente o compositor mais famoso da Europa antes de Palestrina, e que durante o século 16 foi reconhecido como um dos maiores artistas em qualquer forma. A música da geração posterior a Josquin explorou a complexidade crescente do contraponto; possivelmente a expressão mais extrema está na música de Nicolas Gombert, cujas complexidades contrapontísticas influenciaram a música instrumental inicial, como a canzona e o ricercar, culminando em formas fugitivas barrocas.

Em meados do século XVI , o estilo internacional começou a entrar em colapso e várias tendências estilísticas altamente diversas tornaram-se evidentes: uma tendência à simplicidade na música sacra, dirigida pelo Conselho da Contra-Reforma de Trento, exemplificada na música de Giovanni Pierluigi da Palestrina; uma tendência à complexidade e ao cromaticismo no madrigal, que alcançou sua expressão extrema no estilo vanguardista da Escola Ferrara de Luzzaschi e no madrigalista do final do século Carlo Gesualdo; e a grandiosa e sonora música da escola veneziana, que usou a arquitetura da Basílica de San Marco di Venezia para criar contrastes antifônicos. A música da escola veneziana incluiu o desenvolvimento de orquestração, partes instrumentais ornamentadas e partes de baixo contínuo, todas ocorrendo em um período de várias décadas por volta de 1600. Compositores famosos de Veneza incluíam Gabrielis, Andrea e Giovanni, bem como Claudio Monteverdi, um dos inovadores mais significativos do final da era.

A maior parte da Europa tinha tradições musicais ativas e bem diferenciadas no final do século. Na Inglaterra, compositores como Thomas Tallis e William Byrd escreveram música sacra em um estilo semelhante ao escrito no continente, enquanto um grupo ativo de madrigalistas locais adaptou a forma italiana para o gosto inglês: compositores famosos incluíram Thomas Morley, John Wilbye e Thomas Weelkes. A Espanha desenvolveu estilos instrumentais e vocais próprios, com Tomás Luis de Victoria escrevendo música refinada semelhante à de Palestrina, e vários outros compositores escrevendo para o novo violão. A Alemanha cultivou formas polifônicas construídas sobre os corais protestantes, que substituíram o canto gregoriano católico romano como base para a música sacra, e importaram o estilo da escola veneziana (cuja aparência definiu o início da era barroca lá). Além disso, os compositores alemães escreveram uma enorme quantidade de música para órgão, estabelecendo a base para o estilo barroco posterior de órgão que culminou na obra de J.S. Bach. A França desenvolveu um estilo único de dicção musical conhecido como musique mesurée, usado em canções seculares, com compositores como Guillaume Costeley e Claude Le Jeune proeminentes no movimento.

Um dos movimentos mais revolucionários da época levou lugar em Florença nas décadas de 1570 e 1580, com a obra da Camerata florentina, que ironicamente tinha uma intenção reacionária: insatisfeita com o que viam como depravações musicais contemporâneas, seu objetivo era restaurar a música dos gregos antigos. Os principais entre eles eram Vincenzo Galilei, o pai do astrônomo, e Giulio Caccini. O fruto de seu trabalho foi um estilo de canto melódico declamatório conhecido como monodia e uma forma dramática encenada correspondente: uma forma conhecida hoje como ópera. As primeiras óperas, escritas por volta de 1600, também definem o fim da Renascença e o início das eras barrocas.

A música anterior a 1600 era mais modal do que tonal. Vários desenvolvimentos teóricos no final do século 16, como os escritos sobre escalas em modos de Gioseffo Zarlino e Franchinus Gaffurius, levaram diretamente ao desenvolvimento da tonalidade da prática comum.As escalas maiores e menores começaram a predominar sobre os antigos modos da igreja, uma característica que era a princípio mais óbvia em pontos cadenciais nas composições, mas gradualmente se tornou generalizada. A música depois de 1600, começando com a música tonal da era barroca, é frequentemente referida como pertencente ao período de prática comum.

Editor de música barroca

J.S. Bach
Tocata e Fuga

O período barroco ocorreu de 1600 a 1750, como o artístico barroco estilo floresceu em toda a Europa e, durante esse tempo, a música se expandiu em seu alcance e complexidade. A música barroca começou quando as primeiras óperas (música vocal solo dramática acompanhada por orquestra) foram escritas. Durante a era barroca, a música polifônica contrapontística, na qual várias linhas melódicas independentes e simultâneas eram usadas, continuou importante (o contraponto era importante na música vocal da era medieval). Compositores barrocos alemães, italianos, franceses, holandeses, poloneses, espanhóis, portugueses e ingleses escreveram para pequenos conjuntos, incluindo cordas, metais e instrumentos de sopro, bem como para coros e instrumentos de teclado, como órgão de tubos, cravo e clavicórdio. Durante este período, várias formas musicais importantes foram definidas e duraram até períodos posteriores, quando foram expandidas e evoluídas, incluindo a fuga, a invenção, a sonata e o concerto. O estilo barroco tardio era polifonicamente complexo e ricamente ornamentado. Compositores importantes da era barroca incluem Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann e Antonio Vivaldi.

Música clássica eraEdit

A música do período clássico é caracterizada por uma textura homofônica, ou uma melodia óbvia com acompanhamento. Essas novas melodias tendiam a ser quase como vozes e cantáveis, permitindo que os compositores realmente substituíssem os cantores como o foco da música. A música instrumental, portanto, rapidamente substituiu a ópera e outras formas cantadas (como o oratório) como as favoritas do público musical e a epítome da grande composição. No entanto, a ópera não desapareceu: durante o período clássico, vários compositores começaram a produzir óperas para o público em geral em suas línguas nativas (as óperas anteriores eram geralmente em italiano).

Junto com o deslocamento gradual da voz em Em favor de melodias mais fortes e claras, o contraponto também costuma se tornar um floreio decorativo, frequentemente usado perto do final de uma obra ou para um único movimento. Em seu lugar, padrões simples, como arpejos e, na música de piano, baixo Alberti (um acompanhamento com um padrão repetido normalmente na mão esquerda), eram usados para animar o movimento da peça sem criar uma voz adicional confusa. A agora popular música instrumental era dominada por várias formas bem definidas: a sonata, a sinfonia e a concerto, embora nenhum deles tenha sido especificamente definido ou ensinado na época e como são agora na teoria musical. Todos os três derivam da forma sonata, que é tanto a forma sobreposta de uma obra inteira quanto a estrutura de um único movimento. A forma de sonata amadureceu durante a era clássica para se tornar a principal forma de composições instrumentais ao longo do século 19.

O início do período clássico foi inaugurado pela Escola de Mannheim, que incluiu compositores como Johann Stamitz, Franz Xaver Richter , Carl Stamitz e Christian Cannabich. Ele exerceu uma profunda influência em Joseph Haydn e, por meio dele, em toda a música européia subsequente. Wolfgang Amadeus Mozart foi a figura central do período clássico, e sua produção fenomenal e variada em todos os gêneros define nossa percepção do período. Ludwig van Beethoven e Franz Schubert foram compositores de transição, levando ao período romântico, com sua expansão dos gêneros, formas e até funções existentes da música.

Editor de música romântica

No período romântico, a música tornou-se mais expressiva e emocional, expandindo-se para incluir literatura, arte e filosofia. Os primeiros compositores românticos famosos incluem Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti e Berlioz O final do século 19 viu uma expansão dramática no tamanho da orquestra e no papel dos concertos como parte da sociedade urbana.Compositores famosos da segunda metade do século incluem Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi e Wagner. Entre 1890 e 1910, uma terceira onda de compositores incluindo Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini e Sibelius se baseou na obra de compositores românticos intermediários para criar obras musicais ainda mais complexas – e frequentemente muito mais longas. Uma marca proeminente da música do final do século 19 é seu fervor nacionalista, exemplificado por figuras como Dvořák, Sibelius e Grieg. Outras figuras proeminentes do final do século incluem Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, Franck, Debussy e Rimsky-Korsakov.

MusicEdit dos séculos 20 e 21

Música de todos os tipos também se tornou cada vez mais portátil. O século 20 viu uma revolução na audição de música, à medida que o rádio ganhou popularidade em todo o mundo e novas mídias e tecnologias foram desenvolvidas para gravar, capturar, reproduzir e distribuir música. As apresentações musicais tornaram-se cada vez mais visuais com a transmissão e gravação de apresentações.

A música do século 20 trouxe uma nova liberdade e ampla experimentação com novos estilos e formas musicais que desafiaram as regras aceitas da música de períodos anteriores. A invenção da amplificação musical e dos instrumentos eletrônicos, especialmente o sintetizador, em meados do século 20 revolucionou a música clássica e popular e acelerou o desenvolvimento de novas formas de música.

Quanto à música clássica, duas escolas fundamentais determinou o curso do século: o de Arnold Schoenberg e o de Igor Stravinsky.