XXX Live Nude Girls (2003)
Jennifer Walshe perguntou às meninas como elas brincavam com suas bonecas Barbie e virou os confessionários em uma ópera de horrores em que os brinquedos desencadeiam brincadeiras de sexo sombrio e atos de mutilação. Walshe é um gênio para esse tipo de coisa: ela arranca o verniz plástico da cultura comercial parodiando e, em seguida, desmembrando sistematicamente os arquétipos. KM
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City Noir (2009)
O retrato vívido de Los Angeles por Adams, conforme retratado no filme noir dos anos 1940 e 50, é uma sinfonia de três movimentos dos tipos, e um concerto para orquestra também. É uma celebração cara a cara do virtuosismo orquestral que faz referência a uma série de expressões idiomáticas americanas sem nunca ser muito específico. Não é seu melhor trabalho orquestral de forma alguma (aqueles vieram do século passado), mas uma obra-prima eficaz e extrovertida. AC
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23 James MacMillan
O prolífico compositor escocês causou um impacto na música coral, baseando-se em seu romano Raízes católicas, mais recentemente em sua Quinta Sinfonia, Le grand Inconnu, e em seus Tenebrae Responsories. Seu Stabat Mater para coro e orquestra de cordas, estreado e encomendado por Harry Christophers and the Sixteen, cativou a imaginação do público, sua mensagem direta, imediata, radiante e apaixonada. FM
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22 Linda Catlin Smith
Ela segura o tecido entre os dedos, testa as fibras. Ela deixa um espaço ao redor do material para considerá-lo desta ou daquela maneira, então afunda fundo. A música de Catlin Smith é lenta e silenciosa, mas também exuberante. Mais do que qualquer minimalista, ela segue suas sugestões de Couperin, Debussy e as pinturas de Agnes Martin. Os resultados são esparsos, robustos e sensuais; quieto não significa necessariamente suave. KM
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The Blue Notebooks (2004)
Escrito na véspera da invasão do Iraque em 2003, The Blue Notebooks é a meditação de Max Richter sobre a violência e guerra, que foi gravada em três horas. O ciclo das canções é ligado pela narração de Tilda Swinton, mas as peças mais atraentes não requerem palavras. Organum é um solo de órgão fúnebre, Shadow Journal uma peça de ambient house, mas a peça central é On the Nature of Daylight (desde então usado em incontáveis filmes e trilhas sonoras de TV), onde camadas de cordas em constante expansão são usadas para um efeito de puxar o coração. JL
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20 Caroline Shaw
Partita de Caroline Shaw, escrita para seu próprio octeto vocal Roomful of Teeth, é uma explosão de discurso, música e praticamente todas as técnicas vocais estendidas que você possa imaginar em seus quatro movimentos de dança “clássica”. Isso pode explodir noções solenes e duras de grandeza mas deve ser o trabalho mais alegre da lista. EJ
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Dueto para violoncelo e orquestra (2015)
Um violoncelo lento gira entre duas notas, um viajante constante em uma estrada entrelaçada com sedução brilhante (fanfarras de latão, cordas ardentes). A viagem dura meia hora; resume uma vida resoluta de manter o curso em tempos brilhantes e dolorosos. Miller é um mestre de plantar uma semente e iniciar um processo fascinante e, em seguida, prosseguir com a mais suntuosa convicção. KM
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18 Brett De an
O australiano Brett Dean, violinista da Filarmônica de Berlim antes de se concentrar na composição, encontrou sua voz operística com Hamlet. Uma engenhosa reformulação de Shakespeare (libreto de Matthew Jocelyn) que abre com um fragmentado “Ser, ou não ser …”, foi estreada em Glyndebourne em 2017 com Allan Clayton no papel principal e Barbara Hannigan como Ofélia. FM
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17 Steve Reich
Foi necessário o Novo Compositor de York por 10 anos completos para processar os horrores de 11 de setembro e compor esta trenódia dissonante, que coloca as cordas serradas de Reich contra vozes manipuladas. As gravações de controladores de tráfego aéreo e testemunhas oculares horrorizados são emendadas e em loop, as tonalidades de sua fala replicadas às vezes quase zombeteiramente) pelo Kronos Quartet, antes de chegarmos a uma espécie de encerramento com uma oração de cantor.JL
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16 Rebecca Saunders
A música de Rebecca Saunders sempre faz uma poesia visceral e violenta, mas sensualmente ressonante. Composto em colaboração com a soprano Juliet Fraser, Skin se inspira em Samuel Beckett, transformando a imagem do escritor do pó como “a pele de uma sala” em uma evisceração de 25 minutos dos sons que o solista e o conjunto podem fazer. Saunders se enterra em o mundo interior dos instrumentos e a textura da voz de Fraser – arranhões e gritos, respirações e suspiros – e encontra um mundo revelador de sentimento intensificado. TS
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Little Match Girl Passion (2007)
Combine o conto de Hans Christian Andersen da Little Match Girl com St Matthew Passion de Bach e você terá uma das obras vocais mais originais dos últimos tempos. Trechos da história de Andersen e de São Mateus gospel são intercalados com escrita vocal intimamente tecida, que às vezes é desacompanhada, às vezes pontuada por percussão discreta e muitas vezes reconfortantemente tonal e assustadoramente afetando. AC
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14 Pascal Dusapin
A ópera de Dusapin reimagina o colóquio final de Orfeu e Eurídice, na fronteira entre a vida e a morte, como uma meditação sobre a ideia de paixão como uma expressão de desejo e sofrimento. A trilha sutilmente alude a Monteverdi e ao barroco francês, mas o mundo sonoro que ela cria é exclusivamente o de Dusapin: tenso, silenciosamente hipnotizante e austeramente belo. TA
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Lost Highway (2003)
Filme ligeiramente desconcertante de David Lynch – no qual um músico de jazz mata sua esposa, entra em uma fuga psicogênica e se torna outra pessoa inteiramente – era perfeitamente adequado para adaptação por este excêntrico compositor austríaco, cuja obra de gênero explora noções de identidade. Uma produção envolvente, encenada pela English National Opera no Young Vic, usou o filme, uma trilha sonora eletroacústica e a voz aterrorizante e andrógina de David Moss para confundir ainda mais as coisas. JL
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Concerto para violoncelo (2009)
Uma série de concertos, para instrumentos solo de oeste e leste, corre como uma espinha pela música orquestral de Unsuk Chin. Mas a obra para violoncelo é talvez a mais original e divertida e desconcertante de todas, lançada em quatro movimentos brilhantes que nunca se conformam totalmente com o tipo, enquanto fazem tudo o que se espera de um concerto, de uma forma nova e não convencional. AC
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The Importance of Being Earnest (2012)
Com o papel de Lady Bracknell dado a um contrabaixo, a briga entre Gwendolen e Cecily conduzida através de megafones e acompanhada por vidros quebrando , e a maior parte do texto entregue com rapidez de metralhadora, esta visão operística de Oscar Wilde não é para os fracos. Mas de alguma forma, ele captura brilhantemente os absurdos da peça enquanto adiciona uma camada de surrealismo que é inteiramente do próprio Barry. AC
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10 John Luther Adams
O monumental palíndromo orquestral que fez de John Luther Adams um compositor de renome internacional é uma representação emocionante da água em movimento irresistível, na tradição da música de Wagner, Debussy e Sibelius. Mas a intenção de Adams é muito mais do que mera descrição – é um aviso do que está por vir para nós e nossos mares se não cuidarmos deles. AC
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9 Heiner Goebbels
Um romance de Gertrude Stein, música folk japonesa e o álbum dos Beach Boys Os sons de animais de estimação não são as fontes mais óbvias para uma das fusões exclusivamente pessoais de Goebbels de palavras, música e imagem. Mas, como costuma acontecer em suas peças de teatro, os ingredientes mais improváveis se combinam magicamente, criando um mundo dramático espirituoso e alusivo como nenhum outro, com os sons dos anos 1960 contrapondo-se ao surrealismo divagante de Stein. AC
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String Quartet No 4 (2003)
Para eletrônica ao vivo e quarteto de cordas, este trabalho de 2003 foi escrito em ciclos, em vez de movimentos, com a ideia de morrer afastado, renovação e continuação. Harvey experimenta a tecnologia para descobrir novas possibilidades auditivas e manter viva a forma tradicional. Ele escreveu todos os seus quartetos para os Arditti, sabendo que eles iriam enfrentar todos os desafios que ele colocava diante deles. O resultado é eloqüente e lírico.FM
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7 Louis Andriessen
Depois de colaborar com os diretores Robert Wilson e Peter Greenaway em trabalhos anteriores no palco, Andriessen procurou Hal Hartley para sua “ópera cinematográfica em cinco partes”, uma série de reflexões sobre episódios da Divina Comédia de Dante. Um filme de Hartley fazia parte da encenação original, mas a trilha sonora poliglota de Andriessen, com suas inúmeras referências históricas e exuberante abraço de jazz e música folclórica, mantém-se por si só. AC
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L’Amour de Loin (2000)
Ambientado na França do século XII , a primeira ópera de Saariaho finlandesa, que estreou em Salzburgo em 2000, é um conto assustador da busca de um trovador por um amor idealizado, bem como uma contemplação da vida, do desejo e da morte. Baseado em La Vida breve de Jaufre Rudel, com um libreto do escritor franco-libanês Amin Maalouf, a música tem ecos medievais e do Oriente Médio, mas cintila na própria voz distinta e hipnotizante de Saariaho.FM
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The Tempest (2003)
Começa com uma tempestade geométrica e termina com uma chaconne consoladora. A tempestade de Thomas Adès foi o catalisador para a criação de uma linguagem musical que é ao mesmo tempo ricamente familiar e sedutoramente estranha. Foi uma peça que atendeu imediatamente às expectativas sobre o que Adès faria com todos os recursos da Royal Opera House quando estreou em 2004 – e as transcendeu. TS
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Fin de Partie (2018)
Embora muitas vezes parecesse que Kurtág nunca terminaria a ópera do jogo final de Samuel Beckett, pela qual ele ficou obcecado por mais de meio ano século, ele finalmente apareceu no 93º ano do compositor. Uma renderização austera e totalmente fiel do original, principalmente entregue em recitativo e reforçada com uma escrita orquestral tipicamente concisa e robusta. É uma destilação da música intransigentemente direta que Kurtág compôs ao longo de sua carreira. AC
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3 Harrison Birtwistle
Depois das óperas sobre Punch, Orpheus, Gawain e King Kong, o meio-homem meio-touro protagonista de O Minotauro é talvez o mais simpático de Birtwistle “heróis”. Sua cena de morte, criada especialmente para o baixo John Tomlinson, é uma majestosa cena operística, o clímax de uma obra em que as erupções de violência orquestral são compensadas por música de beleza lírica e transparência pungente. AC
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Escrito na pele (2012)
A primeira ópera em grande escala de George Benjamin, com palavras de Martin Crimp, chegou em 2012 aparentemente atemporal em todos os sentidos, sua história terrível contada de forma cativante para um público moderno através do tempo tenso e preciso de Benjamin e, muitas vezes, uma pontuação incrivelmente bela. A encenação cuidadosa de Katie Mitchell foi apenas o começo: nenhuma ópera desde então teve tantas produções diferentes em tantos teatros. EJ
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Let Me Tell You (2013)
Quando o século 21 começou, a idéia de que Hans Abrahamsen iria compor uma das obras-primas dos próximos 20 anos teria parecido extraordinária . Naquela época, muito pouco de sua música havia sido ouvido por quase uma década – ele havia sofrido um bloqueio criativo que desde então descreveu como sendo “paralisado pelo papel branco”, e do qual acabou se resgatando compondo uma série de arranjos, tanto de suas próprias partituras anteriores quanto de peças de outros, incluindo Bach e Debussy.
Nascido em 1952 em Copenhague, Abrahamsen havia começado sua carreira como membro de um grupo de jovens compositores dinamarqueses que reagiram contra o que consideravam supercomplexidade da nova música europeia que ouviram e que procuraram um estilo muito mais simples. Explorou o minimalismo e estudou um pouco com György Ligeti, e logo se estabeleceu como um dos mais jovens compositores europeus a serem observados, suas obras defendidas nos anos 1980 pelo maestro / compositores como Hans Werner Henze e Oliver Knussen. Após o sucesso inicial, veio um longo silêncio – ele completou apenas uma pequena peça em oito anos, mas voltou à composição com o concerto para piano que terminou em 2000, quando começou a inventar para si um mundo sonoro totalmente original e totalmente pessoal.
Esta lista poderia ser facilmente encabeçada pelo trabalho que primeiro explorou esse mundo recém-inventado, Schnee, uma peça extraordinária de uma hora de duração de 2008, como pelo arrebatador ciclo de canções orquestrais Let Me Tell You que o seguiu cinco anos mais tarde. As intrincadas simetrias e os cânones microtonicamente tingidos de Schnee definem o mundo gelado e frágil que Abrahamsen havia mapeado para si mesmo, e que passou a fornecer o ambiente perfeito para as configurações de trechos do romance de Paul Griffiths com o mesmo nome que ele fez as canções.
Como o livro de Griffiths, Let Me Tell You é um retrato de Ofélia, mas que conta sua história a partir de sua perspectiva, e não da maneira como ela é retratada no Hamlet de Shakespeare. É uma cena operística tanto quanto um ciclo de canções, de linhas crescentes e pianíssimos trêmulos, e que faz uso das repetições gaguejantes, estilo concitato, que Monteverdi introduziu na ópera há quatro séculos para significar raiva ou ansiedade. A escrita vocal é surpreendentemente segura. É difícil acreditar que este foi o primeiro trabalho vocal em larga escala de Abrahamsen, e parece perfeitamente adaptado à soprano Barbara Hannigan, para quem foi concebido, e por sua preciosa habilidade de voar etérea e sem esforço acima das paisagens sonoras às vezes proibitivas, às vezes incrivelmente belas que a orquestra cria abaixo dela. Há a sensação, Hannigan disse sobre o ciclo: “A música sempre esteve lá”, e a sensação de haver algo atemporal e totalmente inevitável em Let Me Tell You dá a ele um poder muito especial. AC
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