Período clássico (música)

Transição Barroca / Clássica c. 1730-1760Editar

Em seu livro The Classical Style, o autor e pianista Charles Rosen afirma que de 1755 a 1775, os compositores tatearam para um novo estilo que fosse mais efetivamente dramático. No alto barroco, a expressão dramática limitava-se à representação dos afetos individuais (a “doutrina das afeições”, ou o que Rosen denomina “sentimento dramático”). Por exemplo, no oratório Jephtha de Handel, o compositor reproduz quatro emoções separadamente, uma para cada personagem, no quarteto “O, poupe sua filha”. Eventualmente, essa representação de emoções individuais passou a ser vista como simplista e irreal; os compositores procuraram para retratar emoções múltiplas, simultaneamente ou progressivamente, dentro de um único personagem ou movimento (“ação dramática”). Assim, no final do segundo ato de Die Entführung aus dem Serail de Mozart, os amantes passam “da alegria pela suspeita e indignação para reconciliação final. “

Musicalmente falando, essa” ação dramática “exigia mais variedade musical. Enquanto a música barroca era caracterizada por um fluxo contínuo dentro de movimentos individuais e texturas amplamente uniformes, os compositores após o alto barroco procuraram interromper esse fluxo com mudanças abruptas de textura, dinâmica, harmonia ou andamento. Entre os desenvolvimentos estilísticos que seguiram o alto barroco, o mais dramático veio a ser chamado de Empfindsamkeit (aproximadamente “estilo sensível”), e seu praticante mais conhecido foi Carl Philipp Emmanuel Bach. Os compositores desse estilo empregaram as interrupções acima discutidas da maneira mais abrupta, e a música pode soar ilógica às vezes. O compositor italiano Domenico Scarlatti levou esses desenvolvimentos mais longe. Suas mais de quinhentas sonatas para teclado de movimento único também contêm mudanças abruptas de textura, mas essas mudanças são organizadas em períodos, frases equilibradas que se tornaram uma marca registrada do estilo clássico. No entanto, as mudanças de textura de Scarlatti ainda soam repentinas e despreparadas. O feito notável dos grandes compositores clássicos (Haydn, Mozart e Beethoven) foi sua capacidade de fazer essas surpresas dramáticas soarem logicamente motivadas, para que “o expressivo e o elegante pudessem demos as mãos. “

Entre a morte de JS Bach e a maturidade de Haydn e Mozart (aproximadamente 1750-1770), os compositores experimentaram essas novas ideias, que podem ser vistas na música dos filhos de Bach . Johann Christian desenvolveu um estilo que hoje chamamos de Roccocó, compreendendo texturas e harmonias mais simples, e que era “charmoso, pouco dramático e um pouco vazio”. Como mencionado anteriormente, Carl Philipp Emmanuel procurou aumentar o drama e sua música era “violenta, expressiva, brilhante, continuamente surpreendente e frequentemente incoerente.” E, finalmente, Wilhelm Friedemann, J.S. O filho mais velho de Bach estendeu as tradições barrocas de uma forma idiomática e não convencional.

No início, o novo estilo assumiu as formas barrocas – o ternário da capo aria, a sinfonia e o concerto – mas composto com partes mais simples , ornamentação mais notada, em vez dos ornamentos improvisados que eram comuns na era barroca, e divisão mais enfática das peças em seções. No entanto, com o tempo, a nova estética causou mudanças radicais na forma como as peças eram montadas e nos layouts formais básicos mudou. Os compositores desse período buscaram efeitos dramáticos, melodias marcantes e texturas mais claras. Uma das grandes mudanças texturais foi uma mudança do estilo complexo e polifônico denso do barroco, em que várias linhas melódicas entrelaçadas eram tocadas simultaneamente e no sentido homofonia, uma textura mais leve que usa uma única linha melódica clara acompanhada por acordes.

A música barroca geralmente usa muitas fantasias harmônicas e seções polifônicas que focam menos na estrutura ure da peça musical, e havia menos ênfase em frases musicais claras. No período clássico, as harmonias tornaram-se mais simples. No entanto, a estrutura da peça, as frases e pequenos motivos melódicos ou rítmicos, tornaram-se muito mais importantes do que no período barroco.

Outra ruptura importante com o passado foi a revisão radical da ópera de Christoph Willibald Gluck, que cortou grande parte dos ornamentos de estratificação e improvisação e se concentrou nos pontos de modulação e transição.Ao tornar esses momentos em que a harmonia muda mais de um foco, ele possibilitou mudanças dramáticas poderosas na cor emocional da música. Para destacar essas transições, ele usou mudanças na instrumentação (orquestração), melodia e modo. Entre os compositores de maior sucesso de seu tempo, Gluck gerou muitos emuladores, incluindo Antonio Salieri. Sua ênfase na acessibilidade trouxe grandes sucessos na ópera e em outras músicas vocais, como canções, oratórios e coros. Esses eram considerados os tipos de música mais importantes para apresentação e, portanto, tiveram o maior sucesso de público.

A fase entre o Barroco e a ascensão do Clássico (por volta de 1730) foi o lar de vários estilos musicais concorrentes. A diversidade de caminhos artísticos está representada nos filhos de Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, que deu continuidade à tradição barroca de forma pessoal; Johann Christian Bach, que simplificou texturas do Barroco e influenciou Mozart de maneira mais clara; e Carl Philipp Emanuel Bach, que compôs músicas apaixonadas e às vezes violentamente excêntricas do movimento Empfindsamkeit. A cultura musical estava em uma encruzilhada: os mestres do estilo antigo tinham a técnica, mas o público ansiava pelo novo. Esta é uma das razões pelas quais CPE Bach era tido em tão alta consideração: ele entendia as formas mais antigas muito bem e sabia como apresentá-las em novas vestes, com uma variedade aprimorada de formas.

1750–1775Edit

No final da década de 1750, havia centros florescentes do novo estilo na Itália, Viena, Mannheim e Paris; dezenas de sinfonias foram compostas e havia bandas de músicos associadas a teatros musicais. Ópera ou outra música vocal acompanhada por orquestra era a característica da maioria dos eventos musicais, com concertos e sinfonias (surgindo da abertura) servindo como interlúdios instrumentais e introduções para óperas e serviços religiosos. Ao longo do período clássico, sinfonias e concertos foram desenvolvidos e apresentados independentemente da música vocal.

O conjunto de orquestra “normal” – um corpo de cordas complementado por ventos – e movimentos de caráter rítmico particular foram estabelecidas no final da década de 1750 em Viena. No entanto, o comprimento e o peso das peças ainda eram definidos com algumas características barrocas: os movimentos individuais ainda focados em um “afeto” (clima musical) ou tinham apenas uma seção intermediária nitidamente contrastante, e seu comprimento não era significativamente maior do que os movimentos barrocos. Ainda não havia uma teoria claramente enunciada de como compor no novo estilo. Foi um momento propício para um avanço.

O primeiro grande mestre do estilo foi o compositor Joseph Haydn. No final da década de 1750, ele começou a compor sinfonias e em 1761 já havia composto um tríptico (Manhã, Meio-dia e Noite) solidamente no modo contemporâneo. Como vice-Kapellmeister e posteriormente Kapellmeister, sua produção se expandiu: ele compôs mais de quarenta sinfonias apenas na década de 1760. E enquanto sua fama crescia, conforme sua orquestra se expandia e suas composições eram copiadas e disseminadas, sua voz era apenas uma entre muitas.

Embora alguns estudiosos sugiram que Haydn foi ofuscado por Mozart e Beethoven, seria difícil exagerar a centralidade de Haydn para o novo estilo e, portanto, para o futuro da música artística ocidental como um todo. Na época, antes da preeminência de Mozart ou Beethoven, e com Johann Sebastian Bach conhecido principalmente pelos conhecedores de teclado música, Haydn alcançou um lugar na música que o colocou acima de todos os outros compositores, exceto talvez George Frideric Handel da era barroca. Haydn pegou as ideias existentes e alterou radicalmente o modo como funcionavam, ganhando os títulos de “pai da sinfonia” e “pai do quarteto de cordas”.

Uma das forças que funcionou como um ímpeto para sua pressão Avançar foi o primeiro movimento do que mais tarde seria chamado de Romantismo – o Sturm und Drang, ou fase de “tempestade e estresse” nas artes, um curto período em que o emocionalismo óbvio e dramático era uma preferência estilística. Haydn, portanto, queria um contraste mais dramático e melodias mais emocionalmente atraentes, com caráter aguçado e individualidade em suas peças. Esse período desapareceu na música e na literatura: no entanto, influenciou o que veio depois e acabaria sendo um componente do gosto estético nas décadas posteriores.

The Farewell Symphony, No. 45 in F♯ Minor, exemplifica Haydn “s integração das diferentes demandas do novo estilo, com surpreendentes curvas fechadas e um longo e lento adágio para finalizar a obra.Em 1772, Haydn completou seu Opus 20 conjunto de seis quartetos de cordas, no qual ele implantou as técnicas polifônicas que ele havia reunido da era barroca anterior para fornecer coerência estrutural capaz de manter unidas suas idéias melódicas. Para alguns, isso marca o início do estilo clássico “maduro”, no qual o período de reação contra a complexidade do barroco tardio cedeu a um período de integração dos elementos barroco e clássico.

1775–1790Editar

Haydn, tendo trabalhado por mais de uma década como diretor musical de um príncipe, tinha muito mais recursos e espaço para compor do que a maioria dos outros compositores. Sua posição também lhe deu a capacidade de moldar as forças que tocariam sua música, já que ele poderia selecionar músicos qualificados. Essa oportunidade não foi perdida, pois Haydn, começando bem cedo em sua carreira, buscou levar adiante a técnica de construir e desenvolver ideias em sua música. Sua próxima descoberta importante foi nos quartetos de cordas Opus 33 (1781), nos quais os papéis melódico e harmônico seguem entre os instrumentos: muitas vezes não fica claro momentaneamente o que é melodia e o que é harmonia. Isso muda a maneira como o ensemble funciona entre os momentos dramáticos de transição e as seções de clímax: a música flui suavemente e sem interrupções óbvias. Ele então pegou esse estilo integrado e começou a aplicá-lo à música orquestral e vocal.

O dom de Haydn para a música era uma forma de compor, uma forma de estruturar as obras, que ao mesmo tempo estava de acordo com a estética que rege o novo estilo . No entanto, um contemporâneo mais jovem, Wolfgang Amadeus Mozart, trouxe seu gênio para as ideias de Haydn e as aplicou a dois dos principais gêneros da época: ópera e o concerto virtuoso. Enquanto Haydn passou grande parte de sua vida trabalhando como compositor da corte , Mozart queria o sucesso do público na vida de concertos das cidades, tocando para o público em geral. Isso significava que ele precisava escrever óperas, escrever e executar peças virtuosas. Haydn não era um virtuoso em turnês internacionais; nem estava procurando criar óperas obras que podiam tocar muitas noites para um grande público. Mozart queria alcançar os dois. Além disso, Mozart também gostava de acordes mais cromáticos (e de maiores contrastes na linguagem harmônica em geral), um amor maior pela criação de uma confusão de melodias em uma única obra, e uma sensibilidade mais italiana na música como um todo. Ele encontrou, na música de Haydn e posteriormente em seu estudo da polifonia de JS Bach, o meio para disciplinar e enriquecer seus dons artísticos.

Mozart rapidamente chamou a atenção de Haydn, que saudou o novo compositor, estudou suas obras e considerou o mais jovem, seu único verdadeiro par na música. Em Mozart, Haydn encontrou uma maior variedade de instrumentação, efeito dramático e recurso melódico. A relação de aprendizagem mudou em ambas as direções. Mozart também tinha um grande respeito pelo compositor mais velho e experiente e procurou aprender com ele.

A chegada de Mozart a Viena em 1780 acelerou o desenvolvimento do estilo clássico. Lá, Mozart absorveu a fusão de brilho do italianizado e coesão germânica que vinha fermentando nos últimos 20 anos. Seu próprio gosto por brilhos chamativos, melodias e figuras ritmicamente complexas, longas melodias cantilena e floreios virtuosos foi mesclado com uma apreciação pela coerência formal e conexão interna. É neste ponto que a guerra e a inflação econômica interromperam a tendência de orquestras maiores e forçaram a dissolução ou redução de muitas orquestras de teatro. Isso pressionou o estilo clássico para dentro: em busca de um conjunto maior e desafios técnicos – por exemplo, espalhar a melodia por instrumentos de sopro ou usar uma melodia harmonizada em terças. Esse processo valorizou a música de pequenos conjuntos, chamada música de câmara. Também levou a uma tendência para mais performance pública, dando um novo impulso ao quarteto de cordas e outros pequenos agrupamentos de ensemble.

Foi durante esta década que o gosto do público começou, cada vez mais, a reconhecer que Haydn e Mozart havia alcançado um alto padrão de composição. Na época em que Mozart chegou aos 25 anos, em 1781, os estilos dominantes de Viena estavam reconhecidamente ligados ao surgimento, na década de 1750, do primeiro estilo clássico.No final da década de 1780, mudanças na prática da performance, a posição relativa da música instrumental e vocal, demandas técnicas dos músicos e unidade estilística se estabeleceram nos compositores que imitaram Mozart e Haydn. Durante esta década, Mozart compôs suas óperas mais famosas, suas seis sinfonias tardias que ajudaram a redefinir o gênero e uma corda de concertos para piano que ainda está no auge dessas formas.

Um compositor que foi influente em espalhando o estilo mais sério que Mozart e Haydn formaram está Muzio Clementi, um talentoso pianista virtuoso que empatou com Mozart em um “duelo” musical diante do imperador no qual cada um improvisou no piano e executou suas composições. As sonatas para piano de Clementi circularam amplamente e ele se tornou o compositor de maior sucesso em Londres durante a década de 1780. Também em Londres nessa época estava Jan Ladislav Dussek, que, como Clementi, encorajou os fabricantes de pianos a ampliar o alcance e outras características do seus instrumentos e, em seguida, explorou totalmente as possibilidades recém-abertas. A importância de Londres no período clássico é muitas vezes esquecida, mas serviu como a casa da fábrica de Broadwood para fabricação de pianos e como base para compositores que, embora menos notável do que a “Escola de Viena”, teve uma influência decisiva no que veio depois. Eles foram compositores de muitas obras excelentes, notáveis por si mesmas. O gosto de Londres pelo virtuosismo pode muito bem ter encorajado o complexo trabalho de passagens e declarações extensas sobre tônica e dominante.

Por volta de 1790-1820 Edit

Quando Haydn e Mozart começaram a compor, sinfonias foram tocadas como movimentos únicos – antes, entre ou como interlúdios em outras obras – e muitos deles duraram apenas dez ou doze minutos; os grupos instrumentais tinham vários padrões de execução e o contínuo era uma parte central da produção musical.

Nos anos seguintes, o mundo social da música sofreu mudanças dramáticas. A publicação internacional e as turnês cresceram de forma explosiva e as sociedades de concertos foram formadas. A notação tornou-se mais específica, mais descritiva, e os esquemas das obras foram simplificados (e ainda mais variavam em seu funcionamento exato.) Em 1790, pouco antes da morte de Mozart, com sua reputação se espalhando rapidamente, Haydn estava pronto para uma série de sucessos, notadamente seus últimos oratórios e sinfonias de Londres. Compositores em Paris, Roma e em toda a Alemanha recorreram a Haydn e Mozart para suas ideias sobre a forma.

Na década de 1790, surgiu uma nova geração de compositores, nascida por volta de 1770. Embora tenham crescido com os estilos anteriores, eles ouviram nas obras recentes de Haydn e Mozart um veículo para maior expressão. Em 1788 Luigi Cherubini estabeleceu-se em Paris e em 1791 compôs Lodoiska, uma ópera que o elevou à fama. Seu estilo reflete claramente os maduros de Haydn e Mozart, e sua instrumentação deu-lhe um peso que ainda não havia sido sentido na grande ópera. Seu contemporâneo Étienne Méhul estendeu os efeitos instrumentais com sua ópera Euphrosine et Coradin de 1790, da qual se seguiu uma série de sucessos. O impulso final para a mudança veio de Gaspare Spontini, que era profundamente admirado por futuros compositores românticos como Weber, Berlioz e Wagner. A linguagem harmônica inovadora de suas óperas, sua instrumentação refinada e seus números fechados “encadeados” (um padrão estrutural que foi mais tarde adotado por Weber em Euryanthe e dele transmitido, através de Marschner, a Wagner), formaram a base a partir da qual os franceses e A ópera romântica alemã teve seu início.

O mais fatídico da nova geração foi Ludwig van Beethoven, que lançou suas obras numeradas em 1794 com um conjunto de três trios de piano, que permanecem no repertório. Um pouco mais jovem que os outros, embora igualmente talentoso por causa de seu estudo juvenil com Mozart e seu virtuosismo nativo, era Johann Nepomuk Hummel. Hummel também estudou com Haydn; ele era amigo de Beethoven e Franz Schubert. Ele se concentrou mais no piano do que em qualquer outro instrumento, e seu tempo em Londres em 1791 e 1792 gerou a composição e publicação em 1793 de três sonatas para piano, opus 2, que idolatram as técnicas de Mozart para evitar a cadência esperada, e Clementi Às vezes, é uma configuração virtuose modalmente incerta. Juntos, esses compositores podem ser vistos como a vanguarda de uma ampla mudança de estilo e o centro da música. Eles estudavam as obras uns dos outros, copiavam os gestos uns dos outros na música e às vezes se comportavam como rivais briguentos.

As diferenças cruciais com a onda anterior podem ser vistas na mudança para baixo nas melodias, aumentando a duração dos movimentos, a aceitação de Mozart e Haydn como paradigmáticos, o maior uso de recursos do teclado, a mudança de “vocal “escrever para a escrita” pianística “, a atração crescente do menor e da ambigüidade modal e a crescente importância de várias figuras acompanhantes para trazer a” textura “para a frente como um elemento na música. Em suma, o Clássico tardio buscava músicas internamente mais complexas. O crescimento das sociedades de concerto e orquestras amadoras, marcando a importância da música como parte da vida da classe média, contribuiu para um mercado florescente de pianos, música para piano e virtuosos para servirem como exemplos. Hummel, Beethoven e Clementi eram todos conhecidos por seus improvisos.

A influência direta do barroco continuou a desaparecer: o baixo figurado ficou menos proeminente como meio de manter a performance unida, as práticas de performance do meio O século 18 continuou a morrer. No entanto, ao mesmo tempo, edições completas de mestres barrocos começaram a ficar disponíveis, e a influência do estilo barroco continuou a crescer, particularmente no uso cada vez mais expansivo do latão. Outra característica do período é o crescente número de apresentações em que o compositor não estava presente. Isso levou a maiores detalhes e especificidade na notação; por exemplo, havia menos partes “opcionais” separadas da partitura principal.

A força dessas mudanças tornou-se aparente com a 3ª sinfonia de Beethoven, que recebeu o nome de Eroica, que significa “heróico” em italiano “, pelo compositor. Como em A Sagração da Primavera, de Stravinsky, pode não ter sido o primeiro em todas as suas inovações, mas seu uso agressivo de todas as partes do estilo clássico o diferencia de suas obras contemporâneas: em extensão , ambição e recursos harmônicos também.