Teto da Capela Sistina

Nove cenas do Livro de GenesisEdit

Ao longo da seção central do teto, Michelangelo descreveu nove cenas do Livro do Gênesis, o primeiro livro da Bíblia. As imagens são organizadas em três grupos de três campos alternados grandes e pequenos ou painéis de imagens.

O primeiro grupo mostra Deus criando os céus e a terra. O segundo grupo mostra Deus criando o primeiro homem e mulher, Adão e Eva, e sua desobediência a Deus e consequente expulsão do Jardim do Éden onde viveram e onde caminharam com Deus. O terceiro grupo de três fotos mostra a situação da humanidade e, em particular, a família de Noé.

As fotos não estão em ordem cronológica estrita. Se forem percebidos como três grupos, então as pinturas em cada uma das três unidades se informam umas sobre as outras, da mesma forma que era usual nas pinturas medievais e nos vitrais. As três seções de Criação, Queda e Destino da Humanidade aparecem na ordem inversa, quando lidas da entrada da capela. No entanto, cada cena individual é pintada para ser vista quando se olha para o altar. Isso não é facilmente aparente ao visualizar uma imagem reproduzida do teto, mas se torna claro quando o observador olha para cima na abóbada. Paoletti e Radke sugerem que essa progressão invertida simboliza um retorno a um estado de graça. No entanto, as três seções são geralmente descritas na ordem da cronologia bíblica.

As cenas, do altar em direção à porta principal, são ordenadas da seguinte forma:

1. A separação da luz das trevas
2. A Criação do Sol, da Lua e das Plantas
3. A Separação da Terra e da Água
4. A Criação de Adão
5. A Criação de Eva
6. A queda e a expulsão
7. O sacrifício de Noé
8. O grande dilúvio
9. A embriaguez de Noé

CreationEdit

As três imagens da criação mostram cenas do primeiro capítulo do Gênesis, que relata que Deus criou a Terra e tudo o que há nela em seis dias, descansando no sétimo dia. Na primeira cena, o primeiro dia da criação, Deus cria a luz e separa a luz das trevas. Cronologicamente, a próxima cena ocorre no terceiro painel, no qual, no segundo dia, Deus separa as águas do céu. No painel central, o maior dos três, há duas representações de Deus. No terceiro dia, Deus cria a Terra e faz brotar plantas. No quarto dia, Deus coloca o Sol e a Lua no lugar para governar a noite e o dia, a hora e as estações do ano. De acordo com Gênesis, no quinto dia, Deus criou os pássaros do ar e os peixes e criaturas das profundezas, mas isso não nos é mostrado. Nem vemos a criação de Deus das criaturas da terra no sexto dia.

Essas três cenas, completadas no terceiro estágio da pintura, são as mais amplamente concebidas, as mais amplamente pintadas e as a mais dinâmica de todas as fotos. Da primeira cena Vasari diz “… Michelangelo retratou Deus separando a Luz das Trevas, mostrando-o em toda a sua majestade enquanto repousa auto-sustentado com os braços estendidos, em uma revelação de amor e poder criativo. “

Adão e EvaEdit

Para a seção central do teto, Michelangelo pegou quatro episódios da história de Adão e Eva contados no primeiro, segundo e terceiro capítulos de Gene irmã Nesta sequência de três, dois dos painéis são grandes e um pequeno.

Na primeira das imagens, uma das imagens mais conhecidas da história da pintura, Michelangelo mostra Deus estendendo a mão para tocar Adão; nas palavras de Vasari, “uma figura cuja beleza, pose e contornos são tais que parece ter sido moldada naquele exato momento pelo primeiro e supremo criador, e não pelo desenho e pincelada de um homem mortal”. Debaixo do braço protetor de Deus, Eva olha para fora, um pouco apreensiva. Correspondentemente, Adão alcança o criador “conforme ele vem com as formas das coisas que serão, mulher e sua progênie, na dobra de sua roupa”. Sobre a figura de Adão na Criação, Walter Pater escreveu:

Belo como os jovens dos mármores de Elgin, o Adão da Capela Sistina é diferente eles em uma ausência total daquele equilíbrio e plenitude que expressam tão bem o sentimento de uma vida independente e auto-suficiente. Nessa figura lânguida há algo rude e sátiro, algo semelhante à encosta acidentada em que se encontra. Toda a sua forma é reunida em uma expressão de mera expectativa e recepção; ele mal tem força suficiente para levantar o dedo e tocar o dedo do criador; no entanto, um toque das pontas dos dedos será suficiente.

– Walter Pater, The Renaissance: Studies in Art and Poetry, “The Poetry of Michelangelo”

A cena central, de Deus criando Eva do lado de Adão adormecido, foi tirada em sua composição diretamente de outra sequência de criação, os painéis em relevo que circundam a porta da Basílica de San Petronio, Bolonha, de Jacopo della Quercia, cujo trabalho Michelangelo estudou em sua juventude. No painel final desta sequência, Michelangelo combina duas cenas contrastantes em um painel, o de Adão e Eva colhendo frutos da árvore proibida (uma figueira e não uma macieira, como comumente representado em Arte cristã ocidental), Eva pegando-o com confiança das mãos da Serpente (representada como Lilith) e Adão escolhendo-o ansiosamente para si; e seu banimento do Jardim do Éden, onde viveram na companhia de Deus, para o mundo exterior, onde terão que se defender e experimentar a morte.

NoahEdit

Assim como na primeira sequência de imagens, os três painéis sobre Noé, tirados do sexto ao nono capítulos de Gênesis, são temáticos, e não cronológicos. Na primeira cena é mostrado o sacrifício de uma ovelha. Vasari, ao escrever sobre esta cena, confunde-a com os sacrifícios de Caim e Abel, nos quais o sacrifício de Abel foi aceitável a Deus e o de Caim não. O que essa imagem quase certamente representa é o sacrifício feito pela família de Noé, após sua libertação segura do Grande Dilúvio que destruiu o resto da humanidade.

A cena central, maior, mostra o Grande Dilúvio. A Arca da qual a família de Noé escapou flutua na parte de trás da imagem, enquanto o resto da humanidade tenta freneticamente lutar para algum ponto seguro. Esta imagem, que tem um grande número de figuras, é a que mais se aproxima do formato de as pinturas que foram feitas ao redor das paredes.

A cena final é a história da embriaguez de Noé. Após o Dilúvio, Noé lavra o solo e planta vinhas. Ele é mostrado fazendo isso, no fundo da imagem. Ele fica bêbado e inadvertidamente se expõe. Seu filho mais novo, Cam, traz seus dois irmãos Sem e Jafé para ver a cena, mas eles discretamente cobrem seu pai com uma capa. Cam é mais tarde amaldiçoado por Noé e dito que os descendentes de Canaã, filho de Cam, servirão aos descendentes de Sem e Jafé para sempre. Juntas, essas três fotos servem para mostrar que a humanidade se distanciou muito da criação perfeita de Deus. No entanto, é por meio de Sem e seus descendentes, os israelitas, que a salvação virá ao mundo.

Desde que Michelangelo executou as nove cenas bíblicas em ordem cronológica reversa, algumas análises dos afrescos da abóbada começam com a embriaguez de Noé. A interpretação neoplatônica de Tolnay vê a história de Noé no início e o ato da criação por Deus como o conclusão do processo de deificatio e o retorno do ser físico ao espiritual.

MedallionsEdit

Ao lado das cenas bíblicas menores no primeiro registro e apoiados pelos ignudi emparelhados estão dez medalhões. Cada uma é decorada com uma imagem tirada do Antigo Testamento.

Os temas obscuros de Michelangelo do Antigo Testamento foram adaptados das ilustrações em xilogravura da Bíblia Malermi de 1490, a primeira Bíblia em italiano com o nome de seu tradutor Nicolò Malermi.Em quatro dos cinco medalhões mais bem acabados, o espaço está repleto de figuras em ação violenta, semelhante ao desenho animado de Michelangelo para a Batalha de Cascina.

Os medalhões representam:

• Abraão prestes a sacrificar seu filho Isaac
• A destruição da estátua de Baal
• Os adoradores de Baal sendo brutalmente massacrados.
• Urias sendo espancado até a morte.
• Natã, o sacerdote que condena o rei Davi por assassinato e adultério.
• Absalão, filho traidor do rei Davi, preso pelos cabelos em uma árvore enquanto tentava escapou e decapitado pelas tropas de Davi.
• Joabe se esgueirando sobre Abner para matá-lo
• Jorão sendo lançado de uma carruagem sobre sua cabeça.
• Elias sendo levado ao céu
• Em um medalhão, o assunto está obliterado ou incompleto.

Referências de seção

Doze figuras proféticas Editar

Nos cinco pendentes ao longo de cada lado e nos dois nas extremidades, Michelangelo pintou as maiores figuras no teto: doze pessoas que profetizaram um Messias. Esses doze são sete profetas de Israel do sexo masculino e cinco Sibilas, profetisas da mitologia clássica. O Profeta Jonas é colocado acima do altar e Zacarias na outra extremidade. As outras figuras masculinas e femininas se alternam em cada lado, cada uma sendo identificada por uma inscrição em uma placa de mármore pintada apoiada por um putto.

ProphetsEdit

Os sete profetas de Israel escolhidos para a representação no teto inclui os quatro chamados profetas principais: Isaías, Jeremias, Ezequiel e Daniel. Das possibilidades restantes entre os Doze Profetas Menores, os três representados são Joel, Zacarias e Jonas. Embora os profetas Joel e Zacarias sejam considerados “menores” por causa do número comparativamente pequeno de páginas que sua profecia ocupa na Bíblia, cada um produziu profecias de profundo significado.

Eles são frequentemente citados, Joel por sua “Teus filhos e tuas filhas profetizarão, os teus idosos terão sonhos e os teus jovens terão visões”. Essas palavras são significativas para o esquema decorativo de Michelangelo, onde as mulheres tomam seu lugar entre os homens e o jovem Daniel se senta em frente ao taciturno Jeremias com sua longa barba branca.

Zacarias profetizou: “Eis! Seu Rei vem até você, humilde e montado em um burro “. Seu lugar na capela é diretamente acima da porta pela qual o Papa é levado em procissão no Domingo de Ramos, dia em que Jesus cumpriu a profecia cavalgando para Jerusalém em um burro e sendo proclamado Rei.

Jonas é de significado simbólico e profético, que era comumente percebido e representado em inúmeras obras de arte, incluindo manuscritos e vitrais. Por sua relutância em obedecer a Deus, ele era engolido por um “peixe poderoso”. Ele passou três dias em sua barriga e acabou sendo vomitado em terra seca, onde cuidava dos negócios de Deus. Assim, Jonas era visto como um presságio de Jesus, que, tendo morrido por crucificação, passou parte de três dias em uma tumba e foi ressuscitado no terceiro dia. Assim, no teto da Capela Sistina, Jonas, com o “grande peixe” ao lado e os olhos voltados para Deus Criador, representa um “presságio” da Paixão e Ressurreição de Cristo. O Jonas colocado bem sobre o altar ativou o motivo da Paixão. “Quando a pintura do altar de Perugino foi removida e … o afresco do Juízo Final veio cobrir a parede do altar”, depois de pelo menos vinte e cinco anos Michelangelo retratou Cristo logo abaixo de Jonas: não apenas por seu papel como precursor de Cristo, do Cristianismo e do Cristocentrismo , mas também porque a sua poderosa torção do corpo, dobrado para trás desde o busto aos olhos e com os seus indicadores que agora apontam o glorioso Jesus para as personagens do tecto, assume uma função de elo entre o Antigo e o Novo Testamento.

Na descrição de Vasari dos Profetas e Sibilas, ele é particularmente alto em seu elogio a Isaías: “Qualquer um que estudar esta figura, copiada tão fielmente da natureza, a verdadeira mãe da arte da pintura, encontrará um obra belamente composta, capaz de ensinar em sua plenitude todos os preceitos a serem seguidos por um bom pintor. “

SibylsEdit

As Sibyls eram mulheres proféticas que residiam em santuários ou templos em todo o mundo clássico. Diz-se que cada um dos cinco retratados aqui profetizou o nascimento de Cristo.A Cumaean Sibyl, por exemplo, é citada por Virgil em sua Quarta Ecloga como declarando que “uma nova progênie do Céu” traria um retorno da “Idade de Ouro”. Isso foi interpretado como se referindo a Jesus.

Na doutrina cristã, Cristo veio não apenas aos judeus, mas também aos gentios. Foi entendido que, antes do nascimento de Cristo, Deus preparou o mundo para sua vinda. Para este propósito, Deus usou judeus e gentios igualmente. Jesus não teria nascido em Belém (onde havia sido profetizado que seu nascimento aconteceria), exceto pelo fato de que o pagão imperador romano Augusto decretou que deveria haver um censo. Da mesma forma, quando Jesus nasceu, o anúncio de seu nascimento foi feito para ricos e pobres, poderosos e humildes, judeus e gentios. Os Três Reis Magos (os “Magos” da Bíblia) que procuraram o menino Rei com presentes preciosos eram estrangeiros pagãos.

Na Igreja Católica Romana, onde havia um interesse crescente nos restos mortais do No passado pagão da cidade, onde estudiosos deixaram de ler textos em latim eclesiástico medieval para o latim clássico e as filosofias do mundo clássico foram estudados junto com os escritos de Santo Agostinho, a presença, na Capela Sistina de cinco profetas pagãos, não é surpreendente.

Não se sabe por que Michelangelo selecionou as cinco Sibilas particulares que foram retratadas, visto que, como com os Profetas Menores, havia dez ou doze possibilidades. É sugerido pelo teólogo jesuíta John W. O ” Malley disse que a escolha foi feita por uma ampla cobertura geográfica, com as Sibilas vindo da África, Ásia, Grécia e Jônia.

Vasari diz da Sibila Eritréia “Muitos aspectos dessa figura são de beleza excepcional: a expressão de seu rosto, seu cocar um e o arranjo de suas cortinas: e seus braços, que estão nus, são tão bonitos quanto o resto. “

PendentivesEdit

Em cada canto da capela há um pendente triangular preenchendo o espaço entre as paredes e o arco da abóbada e formando um spandrel duplo acima das janelas mais próximas dos cantos. Sobre essas formas curvas, Michelangelo pintou quatro cenas de histórias bíblicas que estão associadas à salvação de Israel por quatro grandes heróis masculinos e femininos dos judeus: Moisés, Ester, Davi e Judite. As duas primeiras histórias foram vistas na teologia medieval e renascentista como uma prefiguração da crucificação de Jesus. As outras duas histórias, as de David e Judith, costumavam ser associadas à arte renascentista, principalmente por artistas florentinos ao demonstrar a derrubada de tiranos, um assunto popular na República.

• A serpente de bronze
• A punição de Hamã
• Davi e Golias
• Judite e Holofernes

Na história da Serpente de Bronze, o povo de Israel fica insatisfeito e reclama de Deus. Como punição, eles recebem uma praga de cobras venenosas. Deus oferece alívio ao povo instruindo Moisés a fazer uma cobra de bronze e colocá-la em um poste, cuja visão proporciona uma cura milagrosa. Michelangelo escolhe uma composição lotada, retratando uma massa dramática de homens, mulheres e cobras se contorcendo, separados dos adoradores redimidos pela cobra antes de uma luz epifânica.

John Ruskin comparou a cena da Serpente de Bronze de Michelangelo favoravelmente a o grupo de estátuas clássicas canônicas Laocoön and His Sons, que Michelangelo viu em sua descoberta em 1506 junto com Giuliano da Sangallo e seu filho. Ambas as obras são composições aglomeradas de figuras atacadas por répteis sobrenaturais: as “serpentes de fogo” do Livro dos Números e os monstros marinhos da Eneida de Virgílio. Mas Ruskin preferiu a sublimidade expressa pelo “intelecto gigantesco” de Michelangelo na “grandeza da própria praga, em seu alcance multitudinário e em sua salvação mística” e em sua “horribilidade e quietude” às “linhas escassas e torturas desprezíveis dos Laocoön “e argumentou que” a grandeza desse tratamento resulta, não apenas da escolha, mas de um maior conhecimento e uma representação mais fiel da verdade “. Atacando as” cobras antinaturalistas da escultura “como” pedaços de fita adesiva com cabeças voltadas para elas “e criticando a luta irreal, ele contrasta:

…a exatidão de Michael Angelo na apresentação dessas circunstâncias; a amarração dos braços ao corpo, e o nó de toda a massa de agonia, até ouvirmos o estrondo dos ossos sob o terrível deslizamento das dobras do motor. Note também a expressão em todas as figuras de outra circunstância, o torpor e o entorpecimento frio dos membros induzidos pelo veneno da serpente, que, embora justificadamente esquecido pelo escultor do Laocoön, bem como por Virgílio – em consideração ao a rapidez da morte por esmagamento aumenta infinitamente o poder da concepção florentina.

– John Ruskin, Modern Painters, vol. 3, cap. VII., 1856.

No Livro de Ester está relatado que Hamã, um servidor público, planeja fazer com que o marido de Ester, o rei da Pérsia, mate todos os judeus em sua terra . O rei, que está revisando seus livros durante uma noite sem dormir, percebe que algo está errado. Esther, descobrindo a trama, denuncia Haman, e seu marido ordena sua execução em um cadafalso que ele construiu. Os eunucos do rei realizam isso prontamente. Michelangelo mostra Hamã crucificado com Ester olhando para ele de uma porta, o rei dando ordens ao fundo.

Em Davi e Golias, o menino pastor, Davi, derrubou o gigantesco Golias com sua funda, mas o gigante está vivo e tenta se levantar enquanto Davi força sua cabeça para baixo para cortá-lo.

Judith e Holofernes descreve o episódio no Livro de Judith. Judith carrega a cabeça do inimigo em uma cesta carregada por sua empregada e a cobre com um pano, ela olha para a tenda, aparentemente distraída pelos membros do cadáver decapitado se debatendo.

Existem conexões óbvias no projeto da Matança de Holofernes e da Matança de Haman na extremidade oposta da capela. Embora no quadro de Holofernes as figuras sejam menores e o espaço menos preenchido, ambas têm o espaço triangular dividido em duas zonas por uma parede vertical, o que nos permite ver o que se passa em ambos os lados. Na verdade, há três cenas na foto de Hamã porque, além de ver Hamã punido, o vemos à mesa com Ester e o Rei e temos uma visão do Rei em sua cama. Mordechai senta-se nos degraus, fazendo uma ligação entre as cenas.

Enquanto a Matança de Golias é uma composição relativamente simples com os dois protagonistas colocados no centro e as únicas outras figuras sendo observadores vagamente vistos, a imagem da Serpente de Bronze está repleto de figuras e incidentes separados enquanto os vários indivíduos que foram atacados por cobras lutam e morrem ou se voltam para o ícone que os salvará. Esta é a mais maneirista das primeiras composições de Michelangelo na Capela Sistina, pegando o tema da angústia humana iniciada na cena do Grande Dilúvio e levando-o para o tormento das almas perdidas no Juízo Final, que foi posteriormente pintado abaixo.

Ancestrais de ChristEdit

SubjectEdit

Entre os grandes pendentes que sustentam a abóbada estão janelas, seis de cada lado da capela. Havia mais duas janelas em cada extremidade da a capela, agora fechada, e aquelas acima do Altar-Mor cobertas pelo Juízo Final. Acima de cada janela há uma forma arqueada, chamada de luneta e acima de oito lunetas nas laterais da capela estão tímpanos triangulares preenchendo os espaços entre os pendentes laterais e a abóbada, as outras oito lunetas, cada uma abaixo de um dos pendentes de canto.

Michelangelo foi encomendado t o pintar essas áreas como parte do trabalho no teto. As estruturas formam pontes visuais entre as paredes e o teto, e as figuras pintadas nelas têm tamanho médio (aproximadamente 2 metros de altura) entre os profetas muito grandes e as figuras muito menores de papas que foram pintadas em ambos os lados de cada janela no século XV. Michelangelo escolheu os Ancestrais de Cristo como o tema dessas imagens, retratando assim a “linhagem física de Jesus, enquanto os retratos papais são seus sucessores espirituais, segundo a doutrina da Igreja. (Ver galeria)

No centro acima de cada janela está uma placa de mármore falso com uma moldura decorativa.Em cada uma estão pintados os nomes da linha masculina pela qual Jesus, através de seu pai terreno, José, é descendente de Abraão, de acordo com o Evangelho de Mateus. No entanto, a genealogia agora está incompleta, pois as duas lunetas das janelas na parede do Altar foram destruídas por Michelangelo quando ele retornou à Capela Sistina em 1537 para pintar O Juízo Final. Apenas gravuras, baseadas em um desenho que já se perdeu , permanecem deles.A sequência dos comprimidos parece um pouco errática, pois uma placa tem quatro nomes, a maioria tem três ou dois e duas placas têm apenas um. Além disso, a progressão se move de um lado do edifício para o outro, mas não de forma consistente, e as figuras que as lunetas contêm não coincidem de perto com os nomes listados. Esses números sugerem vagamente várias relações familiares; a maioria das lunetas contém um ou mais bebês e muitas representam um homem e uma mulher, geralmente sentados em lados opostos da placa pintada que os separa. O “Malley os descreve como” figuras simplesmente representativas, quase cifras “.

Também há uma relação indeterminada entre as figuras nas tímpanos e as lunetas abaixo delas. Devido às restrições da forma triangular, em cada spandrel as figuras estão sentadas no chão. Em seis dos oito spandrels, as composições lembram representações tradicionais da Fuga para o Egito. Dos dois restantes, um mostra uma mulher com uma tesoura aparando o pescoço de uma roupa que ela está fazendo enquanto seu filho A mulher bíblica que está registrada como fazendo uma roupa nova para seu filho é Ana, a mãe de Samuel, cujo filho foi morar no templo, e de fato, a figura masculina no fundo está usando um chapéu distinto que pode sugerem a de um padre. A outra figura que difere das demais é uma jovem que fica sentada olhando para fora do quadro com intensidade profética. Seus olhos abertos foram fechados na restauração.

Referências da seção

Tr eatmentEdit

A representação da Genealogia de Jesus por Michelangelo parte de uma tradição artística desse tópico que era comum na Idade Média, especialmente em vitrais. Esta chamada Árvore de Jesse mostra Jesse deitado de bruços e uma árvore crescendo ao seu lado com os ancestrais em cada galho, em um tratamento visual de um verso bíblico.

As figuras nas lunetas parecem ser famílias, mas em todos os casos são famílias divididas. As figuras neles são fisicamente divididas pelo nome tablete, mas também são divididas por uma gama de emoções humanas que os voltam para fora ou para dentro de si mesmos e, às vezes, para seu parceiro com ciúme, suspeita, raiva ou simplesmente tédio. Nelas, Michelangelo retratou a raiva e a infelicidade da condição humana, pintando “a rotina diária da vida meramente doméstica como se fosse uma maldição”. Em seus nichos restritivos, os ancestrais “sentam, agacham-se e esperam”. Das quatorze lunetas, as duas que provavelmente foram pintadas primeiro, as famílias de Eleazar e Matã e de Jacó e seu filho José são as mais detalhadas. Eles se tornam progressivamente mais largos em direção à extremidade do altar, um dos últimos sendo pintado em apenas dois dias.

A imagem de Eleazar e Matã contém duas figuras com uma riqueza de detalhes de traje que não está presente em nenhuma outra luneta. A mulher à esquerda teve tanto cuidado com suas roupas quanto qualquer uma das Sibilas. A saia está virada para trás, mostrando a anágua de linho e a liga que segura as meias lilases e corta a carne. Ela tem uma bolsa e seu vestido é amarrado sob os braços. Do outro lado da tabuinha está a única figura masculina entre as que estão nas lunetas que é intrinsecamente bela. Este jovem loiro, elegantemente vestido com camisa branca e meia verde-claro, sem gibão, mas com um manto vermelho, postula-se com um gesto insípido e vão, em contraste com o Ignudi com o qual ele se parece muito.

Antes de restauração, de todas as pinturas da Capela Sistina, as lunetas e as tostas eram as mais sujas. Somado a isso, sempre houve o problema de má visibilidade diurna dos painéis próximos às janelas por causa da halinação. Conseqüentemente, eles eram os menos conhecidos de todos os trabalhos de Michelangelo acessíveis ao público. A recente restauração tornou esses estudos magistrais da natureza humana e da representação inventiva da forma humana conhecidos mais uma vez.

Referências da seção

IgnudiEdit

Os ignudi são os 20 homens atléticos e nus que Michelangelo pintou como figuras de apoio em cada canto dos cinco cenas narrativas menores que correm ao longo do centro do teto. As figuras seguram, são drapeadas ou se apoiam em uma variedade de itens que incluem fitas rosa, almofadas verdes e enormes guirlandas de bolotas.

Os Ignudi, embora todos sentados, são menos fisicamente constrangidos do que os Ancestrais de Cristo. Enquanto os pares de figuras monocromáticas masculinas e femininas acima dos tímpanos são espelhos de cada um ela, esses Ignudi são todos diferentes. Nas primeiras pinturas, eles estão emparelhados, suas poses são semelhantes, mas com variações.Essas variações tornam-se maiores com cada par, até que as posturas dos quatro últimos não guardem qualquer relação uma com a outra. O significado dessas figuras nunca foi claro. Eles certamente estão de acordo com a aceitação humanista da visão clássica grega de que “o homem é a medida de todas as coisas”.

O teólogo católico John W. O “Malley argumenta que os ignudi representam anjos: Michelangelo mais tarde incluiu mais de quarenta anjos em seu afresco do Juízo Final, na parede do altar da Capela, que O “Malley afirma se assemelhar ao ignudi.

Sua pintura demonstra, mais do que qualquer outra figura no teto, Michelangelo “o domínio da anatomia e do encurtamento e seus enormes poderes de invenção. Em seu reflexo da antiguidade clássica, eles ressoam com as aspirações do Papa Júlio de conduzir a Itália a uma nova” era do ouro “; ao mesmo tempo, eles apostaram na pretensão de Michelangelo “à grandeza. No entanto, vários críticos ficaram irritados com sua presença e nudez, incluindo o Papa Adriano VI, que queria que o teto fosse retirado.