A história da música clássica ocidental pode ser dividida em seis períodos principais. O período renascentista é o segundo deles, ligando a era medieval, que veio antes, e o período barroco que se seguiria.
Este guia irá descrever um pouco da história da época, características musicais e compositores importantes, para lhe dar uma compreensão mais profunda do período da Renascença. Também forneceremos alguns links do YouTube para peças relevantes para que você possa conhecer o som da música um pouco melhor.
A era da música renascentista
Renascença significa literalmente “renascimento ”.
O período do Renascimento musical durou de 1400-1600 DC e foi uma época de grande crescimento e desenvolvimento, com a música se tornando mais expressiva, variada e complexa.
Os compositores tinham mais liberdade para escreva como quiserem e os avanços tecnológicos significam que sua música pode alcançar mais pessoas.
Mudança social
A música religiosa ainda era onipresente no período da Renascença, mas o declínio da influência da igreja significava que os compositores ganharam mais liberdade artística e puderam escrever músicas criativas para seu próprio bem.
Houve um renascimento recente do interesse por culturas antigas, e os compositores começaram a se inspirar na arte e na mitologia da Grécia Antiga e Roma, bem como da astronomia e matemática.
Quando formas primitivas de notati m as músicas foram desenvolvidas no período medieval, os compositores puderam então documentar e compartilhar suas peças com mais facilidade, mas ainda assim tiveram que ser escritas à mão, que consumiam muito tempo.
No entanto, a invenção da imprensa em 1439 permitiu uma distribuição muito mais ampla, levando a uma rica troca de idéias em toda a Europa.
Além disso, o crescimento de uma classe burguesa (uma classe média alta culta) significou que agora havia um público pronto para a música escrita, à medida que a educação musical florescia e um número cada vez maior de pessoas aprendia a ler música.
Muito mais música deste período sobrevive em comparação com a era medieval.
Igreja e música secular
A música coral religiosa era dominante no início do período Renascentista, com muito de é construída sobre a polifonia (música que tem duas ou mais partes melódicas independentes e simultâneas) que se desenvolveu no final do período medieval.
Motetos e missas foram dois exemplos comuns disso, com o último fazendo parte da liturgia da igreja.
Os estilos sagrado e secular começaram a influenciar um ao outro: o madrigal (tradicionalmente uma canção não religiosa desacompanhada para várias vozes) foi adotado como uma forma de igreja, enquanto os compositores seculares começaram a escrever motetos.
No início do período do Renascimento, as oportunidades para compositores seculares eram limitadas, com a maioria dos empregos vindo dos tribunais (famílias e residências de soberanos), que contratavam músicos como intérpretes, professores e compositores.
Mas a popularidade da música secular aumentou com o passar do tempo, e os compositores agora podiam receber encomendas de amadores ricos, enquanto a nova música impressa também fornecia oportunidades financeiras.
A Reforma Protestante também significou que agora as igrejas Católica e Protestante exigiam música para seus respectivos serviços.
A música secular era amplamente vocal, mas o período viu o desenvolvimento da música instrumental em seu direito próprio.
Não se tratava mais de música para dançar ou de acompanhamento, por exemplo, mas peças para serem ouvidas com seriedade.
Isso estava de acordo com uma mudança geral no período da Renascença em direção à ideia de criar arte pela arte.
A fantasia de William Byrd (uma imitação instrumental de um moteto) é um exemplo disso:
Formas de canções seculares incluídas:
- Lied (alemão)
- Frottola (italiano)
- Chanson (francês)
- Madrigal (italiano)
- Villancico ( Espanhol)
A ópera, uma combinação de teatro e música vocal que se tornaria incrivelmente popular nos séculos seguintes, desenvolvida na Itália no final do período renascentista.
Dafne de Jacopo Peri é considerada por muitos como a primeira ópera.
Composta por volta de 1597/1598, foi uma tentativa de reviver o estilo do drama grego clássico.
Harmonia e Estilo
O sistema harmônico modal do período medieval – música baseada em escalas ou modos – permaneceu em vigor no início da era renascentista.
As regras de contraponto (a relação entre linhas musicais simultâneas interdependentes) tornaram-se mais complicadas e rígidas em relação a quais intervalos são considerados consoantes e quais são dissonantes.
Intervalos de uma terceira e uma sexta começaram a ser usados, e isso levou ao primeiro uso de tríades – acordes de três notas que sustentam grande parte da música ocidental hoje.
Além do regras estritas em torno do contraponto, os compositores tinham muito mais liberdade para serem expressivos.
Muitos agora tentaram incluir emoção em sua música, e isso foi auxiliado por um alcance vocal muito maior em comparação com o período medieval, e uma variedade muito maior de elementos como ritmo e forma.
Acidentes começaram a ser adicionados aos modos de igreja, e a abordagem modal gradualmente começou a ser substituída pela tonalidade funcional (o sistema harmônico baseado no centro-chave que governaria a música pelas próximas centenas de anos), com um concentre-se nas progressões de acordes, tonalidade maior e menor e movimento da raiz com base no círculo das quintas.
Isso abriu caminho para a harmonia de prática comum que se estabeleceria plenamente no período barroco.
Texturas mais ricas começaram a surgir, com compositores utilizando quatro ou mais partes independentes. Cada vez mais eles tentariam fazer essas partes se misturarem, sendo a imitação um dispositivo-chave que foi usado para ajudar a conseguir isso.
O trabalho do final do Renascimento de compositores como Gregorio Allegri e Giovanni Pierluigi da Palestrina, escrito para grandes grupos corais, é grandioso e complexo.
Notação e teoria
As partituras musicais ainda não eram de uso comum, então as peças renascentistas eram notadas apenas em partes individuais.
Barlines ainda não eram comuns e os valores das notas eram geralmente muito mais longos do que veríamos hoje.
Semibreves e breves eram as unidades rítmicas primárias, em vez de crotchets e minims, então uma peça musical escrita durante essa época seria muito diferente de uma peça moderna.
Compositores renascentistas
Compositores do norte da França e dos Países Baixos, onde as cortes eram particularmente favoráveis às artes, dominaram o início da era do Renascimento.
Mais tarde, a Itália cresceu em destaque, produzindo muitos compositores notáveis.
Artistas de outros lugares também se mudaram para o país, e foi na Itália que muitas das primeiras inovações do período barroco começaram.
Importantes compositores renascentistas incluem:
- Josquin des Prez (1450 / 55-1521) – um francês que escreveu obras seculares e sagradas
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) – um compositor italiano de obras religiosas e um famoso expoente da Escola Romana
- Thomas Tallis (1505 – 1585) – um dos maiores compositores da Inglaterra, mais conhecido por suas obras corais
- Guillaume Du Fay (1397–1474) – Franco -Compositor flamengo e teórico da música
- Orlande de Lassus (1530–1594) – Compositor franco-flamengo de música polifônica
Aqui está uma peça vocal de des Prez:
Instrumentos da Renascença
Muitos instrumentos usados na era da Renascença eram anteriores ursores de instrumentos modernos, com alguns deles desenvolvendo novas formas nessa época.
Os instrumentos de metal incluíam a trombeta, que neste ponto não tinha válvulas e era amplamente usada no exército, e o sackbut, uma versão inicial do trombone que substituiu a trombeta deslizante.
A viola, ou viola da gamba, era um instrumento de seis cordas tocado com um arco enquanto repousava no chão, de forma semelhante a um violoncelo moderno.
A lira era outro membro da família das cordas: semelhante a uma harpa em miniatura dos dias modernos, era dedilhada com uma palheta em vez de dedilhada com os dedos.
O shawm (um tubo de madeira com palheta dupla), a flauta transversal e o flauta doce eram instrumentos de sopro comumente tocados, enquanto os instrumentos de teclado populares incluíam cravo, clavicórdio e virginal.
Desenvolvimentos tecnológicos na fabricação de instrumentos deu aos conjuntos acesso a intervalos maiores e aumentou a variedade textural, enquanto os conjuntos também aumentaram de tamanho.
As peças se tornaram mais desafiadoras e agora foram escritas para instrumentos específicos pela primeira vez.
Conclusão
Então, isso conclui nosso olhar sobre o período da Renascença.
Aprendemos como a música avançou desde o período medieval, desenvolvendo-se em complexidade e variedade, antes que novas tecnologias e uma nova abordagem da harmonia abrissem o caminho para o período barroco.
Esperamos que seja útil e informativo para você, e que possa inspirá-lo a ouvir sons mais maravilhosos de nomes como Palestrina, Byrd e des Prez.